Original vs Remake

[Soichiro]

20.000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO (20.000 leagues under the sea, Richard Fleischer, 1954)



Esta adaptación de la célebre novela homónima de Julio Verne constituye una producción relevante como pocas en la historia del cine de aventuras, poseedora de un ritmo perfecto. Nos narra las peripecias del arponero Ned Land -Kirk Douglas-, el profesor Arronax -Paul Lukas- y el ayudante de este -Peter Lorre-, quienes naufragarán al ser atacados por un misterioso monstruo. Descubrirán que este es un submarino, logrando subir a bordo, donde se encuentran al capitán Nemo -James Mason-.

La novela ya había sido recreada en un par de ocasiones durante la época del cine mudo: en el cortometraje de 1907 dirigido por el pionero Georges Méliès y en el largo de 1916 con dirección de Stuart Paton, con Allen Holubar como el capitán Nemo. Más tarde, en 1997 tendríamos dos versiones televisivas: un telefilme dirigido por Michael Anderson, con Ben Cross como Nemo, y la estupenda miniserie con Michael Cane en dicho papel y dirección de Rod Hardy. De las varias versiones animadas destaquemos el telefilme de 2004 dirigido por Scott Heming.​

 

[Soichiro]

LA ÚLTIMA VIRGEN AMERICANA / EL ÚLTIMO AMERICANO VIRGEN (The last American virgin, Boaz Davidson, 1982)

Con un guion original de su director y Eli Tavor, la israelí Polo de limón (Eskimo limon, Boaz Davidson, 1978) fue la verdadera precursora de la comedia estudiantil más o menos gamberra de los años 80. Podemos decir que el gen del subgénero, si bien suele asociarse al cine estadounidense con el enorme éxito de Desmadre a la americana (National Lampoon's Animal house, John Landis, 1979), casi, casi, por derecho propio, corresponde a los israelíes. Y es que es una película que innova: además de la ambientación en los años 50, añade los desnudos femeninos pertinentes, los chistes sexuales y el desmadre que harían populares a las posteriores adscritas al subgénero. Vamos, que creó escuela. Sin pretenderlo, encima, porque en el papel, más que como filme de consumo, Polo de limón nació como una película de autor.

Producida por Menahem Golam y Yoram Globus -quienes luego se metieron en la industria estadounidense y fundaron la, a su manera, mítica Cannon Films-, su argumento es facilito: la historia de tres adolescentes y sus escarceos con el sexo, añadiéndole una subtrama de amor no correspondido. Y es que la película, sin ser nada del otro mundo, llama la atención por su sordidez, con inesperados acercamientos al melodrama, con uno de los finales más realistas y menos babosos del cine adolescente.

La gran aceptación que logró en su país y su cierta popularidad en Europa, dio lugar a nada menos que siete secuelas estrenadas entre 1979 y 1988, en una saga cuya calidad e interés, naturalmente, irían bajando a medida que se realizaba. Sus incansables protagonistas, Yftach Zatzur, Zachi Noy y Jonathan Sagall, estuvieron los tres presentes en todas menos en la sexta, Cacao a bordo (Horimu ogen, Dan Wolman, 1985), donde faltó Sagall -aunque aparece en una escena tomada de la primera película y metida con calzador-. Trece años después llegaría Polo de limón 9: La fiesta continúa (Eskimo limon: Hahaggiga nimshehet, Tzvi Shissel, 2001), fallido reinicio que pasó totalmente inadvertido.

Cuatro años y tres películas de la saga bastaron a los Golan/Globus/Davidson para, ya fundada como tal la Cannon, dar a luz al remake estadounidense de Polo de limón: El último americano virgen. Y, lógicamente, con un mayor presupuesto y con la fiebre de las comedias estudiantiles ya instaurada, se hizo una nueva versión más acorde con los gustos y maneras del público norteamericano, incrementando el nivel de erotismo y en un tono más colorido y dinámico. Con el protagonismo de Lawrence Monoson, Steve Antin y Joe Rubbo, un título que incluso resulta mejor que su modelo.​

 

[Soichiro]

La era de los remakes:

DIEZ DÍAS SIN MAMÁ (10 giorni senza mamma, Alessandro Genovesi, 2019)



Con guion de Mariano Vera, basándose en una historia de Juan Vera, y el protagonismo de Diego Peretti y Carla Peterson, la argentina Mamá se fue de viaje (Mamá se fue de viaje, Ariel Winograd, 2017) es una comedia con la que muchas familias -si no la mayoría- pueden identificarse: una madre cuidando la casa y los niños y un padre trabajando y pensando que la vida de su esposa es súper fácil. ¿Pero qué ocurre cuando la madre se va de vacaciones dejando al padre solo? Sí, hay algunos clichés y momentos poco realistas, pero los creadores se ríen de ello. Otras partes son ingeniosas, divertidas y originales, que hacen reflexionar sobre la situación. Al final resulta una película verdaderamente feminista, pero no por mostrar cuán fuertes y capaces son las mujeres, sino por hacer que los hombres se den cuenta de ello mostrando una simple situación doméstica común.

Y como ocurrió con otras películas y series argentinas de éxito de la época, Mamá se fue de viaje tuvo varios remakes inmediatos a nivel internacional, algunos con secuelas y todo, lo que demuestra que una premisa sencilla puede dar para muchas variantes:

-la italiana Diez días sin mamá, tal vez la mejor versión. Protagonizada por Fabio de Luigi y Valentina Lodovini, cuenta con dos continuaciones: 10 giorni con Babbo Natale (Alessandro Genovesi, 2020) y 10 giorni con i suosi (Alessandro Genovesi, 2025);

-la mexicana Mamá se fue de viaje (Fernando Sariñana, 2019), con Martín Altomaro y Andrea Legarreta;

-la española Padre no hay más que uno (Santiago Segura, 2019), protagonizada por Santiago Segura y Toni Acosta, cuyo éxito dio lugar hasta a tres secuelas: Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra (Santiago Segura, 2020), Padre no hay más que uno 3 (Santiago Segura, 2022) y Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda (Santiago Segura, 2024);

-la francesa Mamá se va de viaje (10 jours sans maman, Ludovic Bernard, 2020), con Franck Dubosc y Aure Atika como protagonistas. Tiene la secuela Vacaciones sin mamá (10 jours encore sans maman, Ludovic Bernard, 2023).


13: RULETA RUSA / 13 (13, Géla Babluani, 2010)



Tras asumir la identidad de un muerto, un joven ingenuo se verá envuelto en un mundo subterráneo de poder, violencia y azar donde unos hombres apuestan a puerta cerrada la vida de otros hombres. Un thriller en principio interesante, pero que acaba resultando de lo más predecible, desperdiciando además un buen reparto formado por gente como Sam Riley, Ray Winstone, Jason Statham o Mickey Rourke, quienes dan vida a unos personajes sin ningún carisma.

Mejor resulta el original, la excelente coproducción entre Francia y Georgia, con guion de su director, 13 tzameti (13 tzameti, Géla Babluani, 2005), contando la misma escalofriante historia de maravilla, y convirtiéndose pronto en película de culto.


TRECE ASESINOS (Jûsan-nin no shikaku, Takashi Miike, 2010)



Una de las grandes películas japonesas de los últimos tiempos, protagonizada por varios asesinos que forman un grupo con la misión suicida de asesinar a un hombre malvado. Con un delicioso toque oscuro, una sólida dirección de Miike, unos personajes geniales, una filmación impecable y algunas de las mejores y más intensas secuencias de acción jamás realizadas, todo en la mejor tradición del género de samuráis nipón, este es uno de esos filmes que nos recuerda por qué vamos al cine a disfrutar de una película en pantalla grande, por qué apagamos el móvil y nos sumergimos en la experiencia, en lugar de quedarnos en casa en el sofá.

El original es el clásico Jûsan-nin no shikaku (Eiichi Kudô, 1963), con un guion de Kaneo Ikegami vagamente basado en hechos históricos, y que ya había tenido un primer remake en el telefilme homónimo de 1990 dirigido por Takuji Tominaga.


TRECE PECADOS (13 sins, Daniel Stamm, 2014)



Tras perder su trabajo, su coche y su dinero, un individuo correrá contra el tiempo para completar trece desafíos, desde leves hasta repugnantes y violentos, ordenados por una persona anónima que le ha prometido una gran cantidad de dinero una vez completados. Este es el argumento de la película tailandesa 13: Game of death (13 game sayawng, Chookiat Sakveerakul, 2006), escrita por Chookiat Sakveerakul y Eakasit Thairaat, basándose en una historia del segundo, un excelente thriller psicológico rozante con el terror, efectivo, divertido y que hace reflexionar al espectador, con un estimable plantel de personajes -destaquemos al agradable protagonista, a la mujer que intentará ayudarlo, y a los crueles villanos que acechan en las sombras- y unas buenas salpicaduras de humor.

Su remake estadounidense es inferior, quedándose en la típica producción decente y ligera de Dimension Films, pero no por ello resulta malo, con un desarrollo de la trama simple pero intrigante e inteligente, y un gran trabajo de Mark Webber en el papel protagonista. Incluso puede pasar como un soplo de aire fresco en el género de terror/suspense de la época.


A TODAS PARTES (A todas partes, Pitipol Ybarra, 2023)



Estimable versión mexicana de la película alemana 25 km/h (Markus Goller, 2018), guionizada esta última por Oliver Ziegenbalg, donde un hermano y una hermana distanciados que se reencuentran en el funeral de su padre, toman la impulsiva decisión de cumplir su sueño de la infancia de conducir por el país en sus viejas motos. La calidez emocional, el humor subyacente y el encanto y buen hacer de la actriz Ana Serradilla, elevan sólidamente este remake por encima de la media de películas similares.


ALADDIN (Aladdin, Guy Ritchie, 2019)



Divertida y espectacular nueva adaptación del cuento "Aladino y la lámpara maravillosa", perteneciente al clásico de la literatura árabe "Las mil y una noches", donde un joven de buen corazón y un gran visir sediento de poder lucharán por una lámpara mágica con el poder de hacer realidad deseos. Una bien hecha aventura fantástico-oriental donde todo -los actores, las canciones, los decorados, el vestuario, las imágenes generadas por ordenador...- es excelente. Mención aparte merece un Will Smith genial como el genio -válgame la redundancia-.

Su referente más directo es la agradable película animada Aladdin (Aladdin, John Musker y Ron Clements, 1992), con guion de los mismos directores, uno de los títulos que determinaron el resurgir artístico-comercial de las producciones Disney en los años noventa. Tendría un par de secuelas para vídeo, El retorno de Jafar (The return of Jafar, Alan Zaslove, Tad Stones y Toby Shelton, 1994) y Aladdin y el rey de los ladrones (Aladdin and the king of thieves, Tad Stones, 1996), y una serie televisiva, Aladdin (Aladdin, Alan Zaslove y Tad Stones, 1994-1995), tal vez la mejor de las adaptaciones catódicas entonces en alza de películas Disney.

Otras versiones del cuento original fueron:

-la tan intrascendente como grata Aladino y la lámpara maravillosa (A thousand and one nights, Alfred E. Green, 1945), con Rex Ingram repitiendo el papel de genio que desempeñase ya en El ladrón de Bagdad (The thief of Bagdad, Ludwig Berger, Michael Powell y Tim Whalen, 1940);

-Aladino y la lámpara maravillosa (Aladin et la lampe merveilleuse, Jean Image, 1969), uno de los reputados trabajos de Jean Image, nombre importante si los hay en el campo del cine de animación francés;

-la italiana Aladino (Superfantagenio, Bruno Corbucci, 1986), puesta al día de la historia, situada en el presente y con Bud Spencer como el genio, por lo que ya puede deducirse cual es el enfoque;

-varias mediocres versiones animadas para vídeo surgidas a la sombra del éxito disneyano, de las cuales la mejor -o la menos mala, vaya- quizá sea Aladino (Aladdin, Chinami Namba y Masakazu Higuchi, 1992), producida por Goodtimes Entertainment.

El tema también ha dado para diversas variantes y secuelas, como la aventura familiar Un niño en el palacio de Aladino (A kid in Aladdin's palace, Robert L. Levy, 1996), la fantasía romántica Las mil y una noches: Aladino y Scherezade (Le mille e una notte: Aladino e Sherezade, Marco Pontecorvo, 2012), El regreso de Aladino (Alad'2, Lionel Steketee, 2018) o el thriller sobrenatural Jinn (Jinn, Elan Dassani, Mir-Jean Bou Chaaya y Rajeev Dassani, 2019).


ÉL ES ASÍ / ALGUIEN COMO ÉL (He's all that, Mark Waters, 2021)



Alguien como tú (She's all that, Robert Iscove, 1999) fue una nueva adaptación de la novela de George Bernard Shaw "Pigmalión" -cuya versión cinematográfica más célebre es My fair lady (My fair lady, George Cukor, 1964), de la que ya hablé-, situándola en los parámetros de la comedia romántica de finales de los 90-principios de los 2000, donde un adolescente se apuesta a que puede convertir a una joven poco atractiva en la reina del baile de graduación. Protagonizada por Freddie Prinze Jr. y Rachael Leigh Cook, la película resultaba insufrible en todos sus conceptos.

En Alguien como él se intercambian los papeles, siendo una joven influencer la que acepta el desafío de transformar al chico desaliñado y antisocial del instituto en el rey del baile de graduación, pero el resultado no es mejor: con un guion y unas actuaciones horribles, y momentos de vergüenza ajena, una película descerebrada cuya pareja protagonista -Addison Rae y Tanner Buchanan- hace que, por comparación, los dos actores principales de la película anterior sean un virtuosismo de interpretación.


ALI TOPAN (Ali Topan, Sidharta Tata, 2023)



Exótica road movie romántica de nacionalidad indonesia, donde Ali Topan, perteneciente a una caótica familia, encuentra el amor con Anna Karenina, lo que desencadenará un romance prohibido que los llevará a un peligroso viaje. La película original es Ali Topan anak jalanan (Ishaq Iskandar, 1977), basada en la novela homónima de Teguh Esha, la cual tuvo una secuela titulada Ali Topan, detektif partikelir, turun ke jalan (Abrar Siregar, 1979).


ALONE (Alone, Johnny Martin, 2020)



Una sólida contribución al género postapocalíptico en general y a las películas de zombis en particular, que nos cuenta la historia de Aidan, quien, durante una pandemia, se hará fuerte en su piso y luchará por su vida, mientras los infectados toman su bloque y el mundo se desmorona. Como mayores logros, tenemos unos zombis con un agradecido giro único, una subtrama de amor creíble y que funciona como parte de la historia, y, aparte de Donald Sutherland, un reparto de rostros desconocidos que sin embargo hacen un trabajo firme. Un título que destaca en la mediocre media del género.

Basándose en el mismo guion original de Matt Naylor, ese mismo año ya se había realizado la película surcoreana #Vivo (#Saraitda, Il-Cho, 2020), menos ambiciosa y más convencional, aunque con unos zombis bastante molones.


AMENAZA ROJA / AMANECER ROJO (Red dawn, Dan Bradley, 2012)



Amanecer rojo (Red Dawn, John Milius, 1984), con guion original de Kevin Reynolds y el director, es el típico engendro fascista de la era Reagan que no puede soportarse ni por curiosidad. Un buen día un tranquilo pueblo de Colorado se ve invadido por fuerzas soviéticas, cubanas y nicaragüenses. Un grupo de jóvenes alumnos decide que eso no puede quedar así y se lanzan a defender su patria de la invasión comunista. En el reparto tenemos nada menos que a unos jovencitos Patrick Swayze, C. Thomas Howell, Lea Thompson y Charlie Sheen, quienes seguramente no debieron incluir esta película en su currículum, precisamente.

Sin que supiéramos muy bien por qué -como no fuera para hacer un paralelismo con la coetánea llegada de las fuerzas estadounidenses a Irak y Afganistán-, alguien decidió hacer un remake en 2012, esta vez con los norcoreanos como los invasores, destacando una dirección mediocre, una trama descabellada e igual de absurda, unos diálogos despiadadamente vulgares y un resultado, en fin, aún peor, que hace reír y llorar a la vez.​

 

[Soichiro]

AMBULANCIA / AMBULANCE: PLAN DE HUIDA (Ambulance, Michael Bay, 2022)

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Una de esas películas de acción solo recomendables para amantes del género, pero eso no quita que sea la mar de emocionante y entretenida. Tiene justo lo que esperas al leer su argumento: los dos protagonistas roban una ambulancia y huyen en ella después de que su atraco saliera mal. El reparto -Jake Gyllenhaal, Yahya Abdul-Mateen II, Eiza González, Garret Dillahunt- es realmente bueno y la tensión es constante hasta el final. Un final predecible, sí, pero sin duda es ideal para cualquier amante de las películas de acción. Los diálogos podrían haber sido mejores, ya que a veces se vuelven un poco vergonzosos y estúpidos. Pero bueno, ¿quién dice que la acción necesita demasiadas palabras? Es una película de Michael Bay. Si queréis un análisis psicológico profundo de los personajes, quizá sea mejor que veáis algo de Lars Von Trier.​

Hablando de daneses, sorprende que se base en la producción de dicha nacionalidad Ambulancen (Ambulancen, Laurits Munch-Petersen, 2005), escrita por su director y Lars Andreas Pedersen, pues por compación esta resulta bastante aburrida -y eso que dura casi una hora menos-, sin aportar prácticamente nada interesante. Al parecer es una de tantas comedias de acción realizadas en Dinamarca durante la época, y que vista una, vistas todas.​

AMIGOS PARA SIEMPRE (Storm boy, Shawn Seet, 2019)

Uno de los más inspiradores y conmovedores dramas familiares sobre la amistad entre un niño y un animal, en este caso con el protagonista rescatando y criando a un extraordinario pelícano huérfano, el Sr. Percival. Destacan el buen desarrollo de la historia y las actuaciones, con un magnífico Geoffrey Rush como el personaje principal de adulto.​

Se basa en la novela de homónimo título original escrita por Colin Thiele, la cual ya tuvo una primera adaptación en la película también australiana Mi amigo el capitán (Storm boy, Henri Safran, 1976), no menos sensible y emotiva, y que gozó de un gran éxito en su país natal.​

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ANGÉLIQUE (Angélique, Ariel Zeitoun, 2013)

La saga iniciada con Angélica, marquesa de los ángeles (Angélique, marquise des anges, Bernard Borderie, 1964) nos contaba las aventuras de una aristócrata francesa del siglo XVII, creada por los escritores Anne y Serge Golon, siendo un gran éxito en el país galo al contener estupendos toques eróticos en los que la tal Angélique se acostaba con todo tipo de personajes. Dicha saga se compuso de cinco películas estrenadas entre 1964 y 1968, con la encantadora Michèle Mercier como la protagonista -quien se convertiría en un pequeño mito- y Robert Hossein como su acompañante habitual, además de contar con Bernard Borderie como director de todos los filmes. Destacaremos a nivel general los considerables despliegues en cuanto a reconstrucción de época, y los actores que participaron, entre otros Louis Trintignant, Giuliano Gemma y Jean Rochefort.​

En 2013 se estrenó una nueva adaptación de la primera novela, con Nora Arnezeder en el papel protagonista. Un título interesante, incluso valiente, por la fría tensión, por las nuevas dimensiones del personaje principal, y por el admirable reparto, vestuario y gracia de los detalles.​

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DEPARTAMENTO 1303 / LA MALDICIÓN DEL PISO 13 / APARTAMENTO 1303: LA MALDICIÓN (Apartment 1303 3D, Michael Taverna, 2012)

Un pequeño regreso a los remakes estadounidenses de películas japonesas de terror sobrenatural -que tuvieron su auge a principios de los años 2000-, y mejor que se lo hubieran ahorrado, porque la presente es mala con ganas. Esta historia de fantasmas moderna sobre una joven que investiga el suicidio de su hermana, que vivía en el apartamento 1303, se diluye en un guion pésimo y unas actuaciones horrorosas -¿cómo consigue trabajo Mischa Barton si obviamente no sabe actuar?-. Pura basura.​

La película original, basada en una novela de Kei Ôshi, es Apartamento 1303 (1303-gôshitsu, Ataru Oikawa, 2007), la cual tampoco es que sea muy interesante, pues la innovación de la exitosa The ring: El círculo (Ringu, Hideo Nakata, 1998) terminó años atrás, resultando todo obvio y previsible, sin que podamos rescatar mucho de la trama. Al menos los actores son decentes. Solo para incondicionales de la fórmula.​

 

[Soichiro]

ARTURO, MILLONARIO IRRESISTIBLE / ARTURO, EL MILLONARIO SEDUCTOR / ARTHUR / ARTHUR, EL SOLTERO DE ORO (Arthur, Jason Winer, 2011)



Arthur, el soltero de oro (Arthur, Steve Gordon, 1981) es una comedia ágil y con excelentes diálogos, escrita por su director, que causó una auténtica sensación en taquilla además de conseguir el Oscar al mejor actor secundario -John Gielgud, en un espléndido rol de mayordomo- y a la mejor canción, “Best that you can do”, cantada por Christopher Cross.

Arthur es un simpático millonario, magistralmente interpretado por un Dudley Moore en permanente estado de gracia, que, en su vida disoluta, encuentra la auténtica felicidad en la persona de una cleptómana de irresistible presencia encarnada por Liza Minelli.

La secuela Arthur 2: On the rocks (Arthur 2: On the rocks, Bud Yorkin, 1988), de nuevo con Moore y Minelli, seguía el romance de la pareja, ya sin ninguna gracia ni dinamismo.

La nueva versión de 2011, en principio a agarrar con pinzas, resulta bastante entretenida, incluso Russell Brand no está tan insoportable como suele ser habitual en él, haciendo una buena pareja con Greta Gerwig, quien también sorprende gratamente. Aunque lo más destacable es la siempre excelente Helen Mirren, quien roba la película en cada una de sus apariciones.


RESCATE DEL METRO 1 2 3 / ASALTO AL TREN: PELHAM 1 2 3 (The taking of Pelham 1 2 3, Tony Scott, 2009)



Basado en un famoso best-seller de John Godey, Pelham 1 2 3 (The taking of Pelham 1 2 3, Joseph Sargent, 1974) es un thriller impecablemente construido y desarrollado, pese a ciertos convencionalismos. En él, un ex conductor expulsado de la compañía metropolitana, un coronel mercenario, un ex mafioso y un cuarto personaje deciden secuestrar un vagón del metro neoyorkino. Los papeles principales los bordan Walter Mathau, Robert Shaw, Martin Balsam, Héctor Helizondo y Earl Hindman.

Un primer remake tuvo lugar con Pelham 1 2 3: Secuestro en Nueva York (The taking of Pelham 1 2 3, Félix Enríquez Alcalá, 1998), mediocre telefilme protagonizado por Edward James Olmos, Vincent D’Onofrio, Donnie Wahlberg, Richard Schiff y Tara Rosling, cuyo mayor defecto son unos malos muy mal construidos, sin química entre ellos. De lo poco salvable mencionaremos una aceptable actuación de D’Onofrio.

En cuanto a la versión de 2009... Escuchar los nombres de Denzel Washington, John Travolta y Tony Scott genera mucha expectación, pero, por desgracia, lo que pretende ser una ingeniosa combinación de thriller de suspense y análisis de personajes resulta una película pesada con un planteamiento flojo, giros argumentales predecibles, personajes superficiales y poca tensión.

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BAILA CON LA VIDA (Alors on danse, Michèle Laroque, 2021)

Tras treinta años casada, Sandra descubre que su marido le es infiel con su mejor amiga, y decide dejarle inmediatamente. Ahora no tendrá otro remedio que volver a la casa de su infancia, donde vive su hermana Danie.

La fabulosa producción británica Bailando la vida (Finding your feet, Richard Loncraine, 2017) es una cálida, ingeniosa, conmovedora y hermosa película sobre la vida, las clases sociales, la aventura, la muerte, la arrogancia y todo lo humano. Un cuento de hadas sobre personas que toman las riendas de sus vidas, con unas actuaciones que son justo lo que se espera de un reparto estelar con Imelda Staunton, Celia Imrie, Timothy Spall y Joanna Lumley, entre otros, y basado en un guion original de Meg Leonard y Nick Moorcroft.

Su versión francesa de 2021 cuenta con el atractivo de estar dirigida y protagonizada por la simpática actriz y cómica Michèle Laroque, muy bien acompañada por Isabelle Nanty, Thierry Lhermite y Patrick Timsit.

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RESCATE EN LA ANTÁRTIDA / BAJO CERO (Eight below, Frank Marshall, 2006)

Película sobre la supervivencia en territorios hostiles, donde un entrenador de perros de trineo debe abandonar la base polar con sus colegas debido a la proximidad de una fuerte tormenta de nieve. Al no poder llevárselos, dejará allí atados a sus perros para que los vayan a buscar después, pero la misión se cancela y los perros quedan abandonados a su suerte.

Su mayor aliciente no son precisamente las actuaciones -flojas, con los actores Paul Walker, Jason Biggs, Bruce Greenwood y Moon Bloodgood-, sino la impresionante fotografía de los bellos escenarios helados y, sobre todo, los perros protagonistas, ofreciéndonos una maravillosa historia sobre ocho criaturas valientes y tenaces, decididas a sobrevivir en la naturaleza polar.

La versión anterior es la película japonesa Nankyoku monogatari (Koreyoshi Kurahara, 1983), con un guion original del director, Susumu Saji, Tatsuo Nogami y Toshirô Ishidô, basado en hechos reales.

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PELIGRO EN BANGKOK / BANGKOK DANGEROUS (Bangkok dangerous, Danny Pang y Oxide Chun Pang, 2008)

Muerte en Bangkok (Bangkok dangerous, Danny Pang y Oxide Chun Pang, 2000), escrita por sus directores, es un thriller de acción que retoma muchos temas familiares -un asesino a sueldo traicionado y enamorado- en una mezcolanza de imitaciones de John Woo y Takashi Miike, esta vez en Tailandia. La fotografía es sumamente irritante y la primera mitad es lenta y está llena de flashbacks forzados. La segunda mitad, sin embargo, logra crear suspense e interés gracias a la conmovedora interpretación de Pawalit Mongkolpisit, el actor que da vida al protagonista, y algunas escenas notablemente originales y conmovedoras. Irregular, pero vale la pena verla, aunque solo sea por su toque emocional.

Luego vendrían Nicolas Cage y su productora Saturn Films, contratarían a los mismos directores y llevarían a cabo una versión que cayó en todos los defectos que supo evitar la versión original, como la obviedad, la inverosimilitud, el aburrimiento, con un Cage que parece un cadáver. Como la misma película.​

 

[KEYZ#2]

En parlant de remakes, The Crow est sorti récemment et je pense aller le voir.
Ver archivo adjunto 112224
Me recommandez-vous de regarder d’abord l’original ?

bonsoir, oui je vous recommande un regard sur l'original sans hésitation .

 

[Soichiro]

BHOLAA (Bholaa, Ajay Devgn, 2023)



Tras diez años de encarcelamiento, Bholaa regresa a casa para encontrarse con su pequeña hija, pero el camino estará lleno de obstáculos, con la muerte siempre al acecho. La buena reputación del director Ajax Devgn y del reparto no impide que esta trama, en principio atrayente, sea destruida por completo por culpa de un protagonista odiosamente endiosado, unas escenas de acción de lo más inverosímiles, que ya creíamos superadas, y unos personajes dolorosamente desperdiciados.

Un bodrio que no le hace ninguna justicia a la apasionante película de culto, también india, en la que se basa, Kaithi (Kaithi, Lokesh Kanagaraj, 2019), escrita por su director, con una gran historia y un excelente trabajo del actor Karthi, a la que ni una sola escena se compara ni se acerca.


BIENVENIDOS AL SUR (Benvenuti al sud, Luca Miniero, 2010)



Bienvenidos al Norte (Bienvenue chez les Ch’tis, Dany Boon, 2008), con un guion original del director, Alexandre Charlot y Franck Magnier, fue el gran éxito de ese año en Francia, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia del cine galo. En ella nos narraban las peripecias de un servidor público de la Provenza que era desterrado al norte del país, con fuertes prejuicios contra ese lugar frío e inhóspito, y sus habitantes. El resultado es una hilarante comedia, no precisamente profunda, pero tampoco pretenciosa, donde el humor de contraste de culturas funciona de principio a fin, donde los clichés se utilizan con fines cómicos y se disipan en lugar de tejerse, todo con un ritmo y un dominio perfectos por parte de los actores, donde destaca un protagonista, el mismo Boon, maravilloso, conmovedor y divertido a la vez. En definitiva, una película deliciosa, fiel a sí misma, fresca y agradablemente francesa -aunque no la parte a la que estamos más acostumbrados-.

Su éxito motivó nuevas versiones en otros países, adaptando la historia a la idiosincrasia de cada uno de ellos:

-la italiana Bienvenidos al Sur, donde el protagonista -Claudio Bisio- es trasladado de Lombardía a un pequeño pueblo del sur del país, en un título tan divertido como el original francés, logrando también un enorme éxito. Tuvo una secuela titulada Benvenuti al nord (Luca Miniero, 2012);

-la holandesa Amor a distancia (Weg van jou, Jelle de Jonge, 2017), cuya protagonista -Katja Herbers- es enviada de la ciudad de Rotterdam a la provincia rural de Zelanda. Si bien más cercana a la comedia romántica neerlandesa coetánea que a las otras dos películas, es igual de encantadora.


TREN A MI DESTINO / BILLETE AL MAÑANA (Yarina tek bilet, Ozan Açiktan, 2020)



Remake turco de la película sueca, escrita por su director, Hur man stoppar ett bröllop (Drezen Kuljanin, 2014), que nos cuenta la romántica historia de dos desconocidos que se encuentran en un viaje de Ankara a Izmir, y cuyo resultado es absolutamente hermoso. De esas películas sentimentales que hacen que te den ganas de seguir el ejemplo de sus protagonistas, en este caso subirte a un tren para ver si encuentras ese amor inesperado.


ESPEJITO, ESPEJITO / BLANCANIEVES (Mirror, mirror, Tarsem Singh, 2012)



Nueva versión del cuento de los hermanos Grimm, toda una sana, grata y entretenida película familiar, llena de acción, sorpresas y humor, con una Julia Roberts divertidísima, un Nathan Lane aún más y un resto del reparto entrañable, además de una Blancanieves -Lily Collins- y un príncipe -Armie Hammer- adorables y divertidos.

La historia, aunque bastante libre, a grandes rasgos es más o menos la de siempre: tras la desaparición de un amado rey, su despiadada esposa toma el control del reino y mantiene a su hermosa hijastra de 18 años, Blancanieves, escondida en el palacio. Pero cuando la princesa atrae la atención de un encantador y adinerado príncipe visitante, la celosa Reina la destierra a un bosque cercano, donde será acogida por una banda de enanos rebeldes pero bondadosos.

Como todo cuento de hadas que se precie, “Blancanieves” ha tenido mil y una versiones cinematográficas, televisivas y videográficas, la mayoría encuadrables en la fantasía infantil, aunque también ha habido que se han adentrado en otros géneros. Hagamos una pequeña selección de las más interesantes:

-Snow White (1902), cortometraje mudo, hoy desaparecido, que se considera la primera adaptación audiovisual del cuento;

-Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the seven dwarfs, David Hand, 1937), película animada y la adaptación más popular;

-Blancanieves (Snow White, Michael Berz, 1987), con Diana Rigg como la reina y Sarah Patterson como la protagonista;

-Blancanieves (Snow White, Caroline Thompson, 2001), telefilme, con Kristin Kreuk en el papel principal y Miranda Richardson como su madrastra;

-Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the huntsman, Rupert Sanders, 2012), con Kristen Stewart como Blancanieves y Charlize Theron como la reina;

-Blancanieves (Snow White, Marc Webb, 2025), con Rachel Zegler en el papel de la sufrida princesa y Gal Gadot como la malvada monarca.


BLOOD: EL ÚLTIMO VAMPIRO (Blood: The last vampire, Chris Nahon, 2009)



Decepcionante adaptación en imagen real de la espléndida película animada homónima del 2000 escrita por Kenji Kamiyama y dirigida por Hiroyuki Kitakubo, con unas actuaciones mediocres, unos personajes que son puro estereotipo, unas escenas de acción en su mayoría muy flojas y repetitivas, un guion exagerado, y algunos momentos y diálogos risibles y ridículos. La mejor manera de describir la película es cómo un francés hace una película estadounidense con un guion japonés.

Las aventuras de la cazadora de vampiros adolescente Saya fueron reiniciadas en las sobresalientes series animadas Blood+ (Blood+, Junichi Fujisaku, 2005-2006) y Blood-C (Blood-C, CLAMP, 2011-2012), unas contundentes y estimulantes reinterpretaciones de las constantes habituales de la temática vampírica.​

 

[Soichiro]

BRICK MANSIONS / LA FORTALEZA / FORTALEZA PROHIBIDA / BRICK MANSIONS: LA FORTALEZA (Brick mansions, Camille Delamarre, 2014)



La francesa Distrito 13 (Banlieue 13, Pierre Morel, 2004) es una de las mejores películas de acción de los últimos años, con secuencias creativas e innovadoras de lo más cautivantes. Aunque su trama falla un poco, situándonos en los guetos de París de un futuro próximo -en realidad, 2010-, donde un policía encubierto y un ex matón intentarán infiltrarse en una banda para desactivar una bomba de neutrones, la película entretiene y compensa cualquier carencia con una acción alucinante. Quizás lo más intrigante es que avance sin ninguna historia de amor absurda. El guion, claro, es de Luc Besson, coescrito con Bibi Naceri.

La secuela Distrito 13: Ultimátum (Banlieue 13: Ultimatum, Patrick Alessandrin, 2009), de nuevo protagonizada por David Belle y Cyril Raffaelli, mantiene el ritmo trepidante, ahora con más velocidad y mejor estilo.

Sin embargo, el remake estadounidense de 2009, situado en Detroit, y con David Belle recuperando su papel y acompañado de Paul Walker, sin ser una mala película palidece ante la original, de la que prácticamente es una copia fría y aséptica. Se puede ver, pero mejor dedicarse al original francés.


HERMANOS / ENTRE HERMANOS / BROTHERS: HERMANOS (Brothers, Jim Sheridan, 2009)



Un más que decente drama psicológico que muestra los traumas que enfrentan tanto un soldado estadounidense destinado a la guerra de Afganistán como su familia. Aunque el guion podría ser mejor y se podría haber profundizado más en el tema, la película se sostiene sin problemas con las magníficas actuaciones del reparto, formado por Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire y Sam Shepard. Sin duda que los que buscan un entretenimiento original y deprimente la disfrutarán.

Se trata de una nueva versión de la película danesa Hermanos (Brode, Susanne Bier, 2004), escrita por su directora y Anders Thomas Jensen, la cual, sin tener el presupuesto -ni mucho menos- de su equivalente estadounidense, logra ser también una historia fascinante, con unas intensas actuaciones -a destacar a Connie Nielsen- y unas dramáticas escenas muy bien montadas -mención merece cuando los representantes del ejército comunican a Sarah la desaparición de su marido-.


BUENAS NOCHES, MAMI / BUENAS NOCHES, MAMÁ (Good night, mommy, Matt Sobel, 2022)



La austríaca Buenas noches, mamá (Ich seh, ich seh, Severin Fiala y Veronika Franz, 2014), con guion de sus directores, es una película de terror psicológico sobre dos niños que viven en una casa solitaria en el campo y cuya madre regresa con la cara vendada tras una cirujía estética. A partir de entonces nada será como antes, y los dos gemelos empezarán a dudar de que esa mujer sea realmente su madre. La historia, oscura e impactante, resulta original y tiene un tono atrapante y emocionante. Desafortunadamente, en su tercer acto se vuelve bastante mediocre, dejando lo novedoso para convertirse en un desastre de clichés. Decepciona.

El remake estadounidense, contra todo pronóstico, sorprende gratamente, con una atmósfera genial y unas estimables actuaciones de Naomi Watts y los hermanos Crovetti, perfectamente a la altura de la actriz.


LA CABAÑA DEL MIEDO / CABIN FEVER (Cavin fever, Travis Zariwny, 2016)



Mema actualización del notable filme de terror Cabin fever (Cabin fever, Eli Roth, 2002), escrito por el director y Randy Pearlstein, sobre cinco universitarios que alquilan una cabaña en el bosque y se convertirán en víctimas de un horrible virus carnívoro.

Pionero de una época en que el cine de terror independiente estaba surgiendo de las sombras y cobrando impulso, el Cabin fever original, pese a sus defectos -esos típicos personajes del género carentes de sentido común- y a que no pudo evitar tener sus propias secuelas -estrenadas en 2009 y 2014-, con sus referencias cinéfilas, su interesante trasfondo parabólico y cierto tono desmitificador, ciertamente sobresale en el grueso de otras propuestas similares del momento.

En cambio, la nueva versión, aunque se mantiene bastante fiel a la trama, con algunos pequeños cambios aquí y allá, resulta muy difícil de aguantar por unos niveles de estupidez que llamarlos “de vergüenza ajena” es quedarse corto.


UN PAPÁ CON POCAS PULGAS / CARIÑO, ESTOY HECHO UN PERRO (The shaggy dog, Brian Robbins, 2006)



Un candidato muy peludo (The shaggy D.A., Robert Stevenson, 1976), protagonizada por Dean Jones, es una reunión de ocurrencias para niños, acerca de una fórmula que convierte a la gente en perro de lanas, y que de hecho era una continuación de la película El extraño caso de Wilby (The saggy dog, Charles Barton, 1959), basada libremente en la novela “The hound of Florence”, escrita por Felix Salten, y con Tommy Kirk y Fred MacMurray en los papeles principales. Tanto su original como la secuela son la típica producción Disney para consumo infantil y muy lejos de resultar siquiera entretenidas.

La nueva versión de 2006 es una especie de mezcla de los elementos de ambas películas, con Tim Allen en su sempiterno papel de papá en apuros, resultando mucho más graciosa y divertida de lo esperado, aunque los efectos especiales no son muy sofisticados que digamos -ni falta que hace-.

Ah, sí, para quien le interese, también se realizó una tercera parte de las películas originales, la miniserie The return of the shaggy dog (Stuart Gillard, 1987), con Gary Kroeger de protagonista, y un remake de la primera película, esta vez en formato de telefilme, The saggy dog (Dennis Dugan, 1994), protagonizado por Scott Weinger.​

 

[Soichiro]

ASESINO DE LA CARRETERA / CARRETERA AL INFIERNO (The hitcher, Dave Meyers, 2007)



Con un guion original de Eric Red, Carretera al infierno (The hitcher, Robert Harman, 1986) es todo un alegato en contra de los autoestopistas. Rutger Hauer es un misterioso tipo que es recogido por un tardoadolescente de buen corazón -C. Thomas Howell-. Cuando este se dé cuenta del error cometido, ya será tarde para volver atrás y el personaje de Hauer arruinará su vida convirtiendo su viaje realmente en un descenso a los infiernos. Un catálogo de la perversidad que el joven y su novia -la siempre sufrida Jennifer Jason Leigh- tendrán que asimilar por la vía rápida para simplemente sobrevivir. El filme es una muestra de violenta poesía que no deja indiferente. Tremenda.

Su remake de 2007 es sencillamente la versión mala. La historia es plana, los intérpretes, encabezados por Zachary Knighton y Sean Bean, dan risa... Una de las peores muestras de la decisión por parte de Hollywood a inicios del siglo XXI de realizar nuevas versiones de miniclásicos de los años 70-80.

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CARRIE (Carrie, Kimberly Peirce, 2013)

Basada en una de las novelas escritas por Stephen King, Carrie (Carrie, Brian de Palma, 1976) es un clásico del cine de terror. Narrada con maestría y con inteligente utilización de numerosos recursos cinematográficos, el filme mantiene una creciente tensión en la historia de una tímida muchacha con poderes mentales que los utilizará para vengarse de quienes se burlan de ella. Su reparto es antológico, con Sissy Spacek, Piper Laurie, Nancy Allen, John Travolta, Amy Irving y William Katt; así como ese final desesperadamente sangriento.

La secuela La ira (The rage: Carrie 2, Katt Sea, 1999) llegó demasiado tarde, y en su historia se entremezcla algo chapuceramente la de la película anterior cuando descubrimos que el padre de Carrie tuvo otra hija suelta por ahí. Por supuesto, la muchacha -una guapa Emily Bergl- tiene también poderes telequinéticos y los usará para ajustar cuentas a sus toscos compañeros adolescentes.

Con el protagonismo de Angela Bettis, un primer remake llegó con el telefilme Carrie (David Carson, 2002), cuya existencia tiene tanto sentido como hacer una segunda parte del original. Se le habrán añadido muchos adornos, pero al final sigue a la sombra de la película de Brian de Palma. Las actuaciones y los efectos especiales son bastante buenos, pero la combinación de terror psicológico y drama adolescente empalidece ante la película de 1976. Solo se le puede dar buena nota por el hecho de intentarlo. Es una lástima que sus defectos tengan menos que ver con su ejecución que con el hecho de que la película original resuena con mucha más plenitud.

Por su parte, la nueva adaptación cinematográfica de 2013 se acoge a la baza de explorar temas que no se tocaron en la original, lo que ya la hace una película muy sólida. Resulta ingeniosa en algunos momentos y en general tiene golpes fuertes y no teme darlos, además que estar bien dirigida y contar con una excelente Chloë Grace Moretz en el papel protagonista. En fin, no es tan buena como la clásica y también baja enteros por comparación, pero es mucho mejor de lo que cabría esperar.

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CASI MUERTA (Casi muerta, Fernán Mirás, 2023)

Coproducción argentino-uruguaya que aborda el tema de la muerte de una manera fresca y conmovedora. Cuando María -Natalia Oreiro- se entera de su enfermedad terminal, su vida se convierte en un torbellino de acontecimientos, momentos, pensamientos... todo conectado con el hecho de que su tiempo corre y no puede hacer nada al respecto. La acompañan sus viejos amigos, cada uno a su manera. Javi -Diego Velázquez-, a pesar de tener una novia en Montevideo de la que no les contó a sus amigos, le confiesa su amor a María. Al principio porque le da pena, pero luego recuerda haber estado enamorado de ella toda la vida. Todo se complica cuando la novia aparece en la puerta de María...

El director Fernán Mirás aborda la premisa y el tema con sensibilidad, pero logrando un hábil equilibrio entre drama y comedia. Hay elementos de humor que se adaptan bien a la situación y la suavizan. Natalia Oreiro está excelente en su papel, cautivando con una interpretación que roza el drama, el romance y la comedia. La película resulta muy inteligente, sin momentos aburridos, y con una banda sonora impresionante.

Aunque lo curioso es que se base en una película española, cuando lo habitual es que sea un filme español el que adapte uno argentino. El original es Bypass (Aitor Mazo y Patxo Telleria, 2012), con guion de Patxo Telleria y protagonizada por Gorka Otxoa, Sara Cozar y Bárbara Goenaga.

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CASTILLOS DE HIELO / CASTILLOS DE HIELO: TRIUNFO DE LA PASIÓN (Ice castles, Donald Wrye, 2010)

Castillos de hielo (Ice castles, Donald Wrye, 1978), con guion original del director y Gary L. Baim, es un drama deportivo-juvenil protagonizado por una jovencita con especial disposición para el patinaje. Un título poco destacable, como no sea por la calidad de la fotografía y el buen hacer de un reparto de cierta importancia: Lynn Holly Johnson, Robby Benson, Tom Skerritt y David Huffman.

Sorprende que Wrye y Baim volvieran a la carga y rodaran una nueva versión treinta y dos años después, adaptando la historia a los gustos de un nuevo público adolescente. En cualquier caso, resulta mejor que la original, muy conmovedora y con unos personajes cautivadores, en términos de crecimiento personal y desafío. Hasta la fotografía, con esos paisajes y esas escenas de patinaje artístico, resulta igual de encantadora. En definitiva, una buena película para disfrutar con una hija pequeña un fin de semana.

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CAZAFANTASMAS (Ghostbusters, Paul Feig, 2016)

Según un guion original de Dan Aykroyd y Harold Ramis, Los cazafantasmas (Ghostbusters, Ivan Reitman, 1984) recaudó casi trescientos millones de dólares en todo el mundo debido a su intrépida mezcla entre humor y fantasía, centrada en las aventuras de un equipo especial dedicado a capturar fantasmas en la ciudad de Nueva York. La película reunió a un envidiable equipo técnico formado por Laszlo Kovacs en la fotografía, Elmer Bernstein como músico y John DeCuir en el diseño de producción, además de ser nominada al Oscar a la mejor canción original, cantada por Ray Parker Jr.

Su segunda parte, Cazafantasmas II (Ghostbusters II, Ivan Reitman, 1989), ofrece monstruos más viscosos y pocas ganas de seguir con el invento, por lo que fue inesperado -o no tanto: era época de revivals ochenteros- que en 2016 surgiera este nuevo Cazafantasmas, que, aunque la historia y los personajes son distintos, seguía más o menos la línea argumental de la primera película, ahora con unos protagonistas femeninos. De todos modos, ni los efectos especiales -malos- ni el humor esgrimido -aún más irritante que el de la original-, ni mucho menos las actuaciones -que hacen que Bill Murray caiga simpático- la elevan más allá del fracaso.

Como otras franquicias de cuarenta años antes, los cazafantasmas también regresaron al cine en los años 2020, en un par de películas que, esta vez sí, eran secuelas directas del díptico de los años 80, aunque a modo de “nueva generación”. Cazafantasmas: Más allá (Ghostbusters: Afterlife, Jason Reitman, 2021) es un homenaje respetuoso y nostálgico, pero que no presenta conceptos originales ni personajes memorables, resultando todo simple y vulgar, en la típica historia de críos que sin comerlo ni beberlo se tienen que enfrentar a fuerzas fantacientíficas o sobrenaturales, con una acción no especialmente emocionante. Por su parte, Cazafantasmas: Imperio helado (Ghostbusters: Frozen empire, Gil Kenan, 2024) ya deja completamente indiferente, habiendo perdido el tono descontrolado y anárquico de identificaba a la saga, convertida en una película fantástico-familiar del montón.

No podemos acabar sin mencionar al menos las series animadas Cazafantasmas: Los auténticos (The real ghostbusters, Joe Medjuck y Michael C. Gross, 1986-1991) y El regreso de los cazafantasmas (Extreme ghostbusters, Dan Aykroyd, 1997), deliciosas cada una a su manera.

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CEMENTERIO MALDITO / CEMENTERIO DE ANIMALES (Pet sematary, Dennis Wildmyer y Kevin Kölsch, 2019)

La novela de Stephen King “Pet sematary” se centra en un cementerio indio que, con el ritual apropiado, tiene la capacidad de resucitar a los muertos allí enterrados.

La excelente narración literaria se vio truncada en su primera adaptación al cine con El cementerio viviente (Pet sematary, Mary Lambert, 1988), con Dale Midkiff y Denise Crosby de sufridos protagonistas empeñados en resucitar a su hijo, atropellado por un camión, que, efectivamente, vuelve a la vida pero en plan zombi asesino.

La secuela El cementerio viviente 2 (Pet sematary II, Mary Lambert, 1992) reincide en todos los errores de la anterior, estando su único acierto en el reparto del padre e hijo protagonistas -Edward Furlong y Anthony Edwards-, esta vez con varios muertos vivientes pululando por ahí.

Cementerio de animales resulta un remake decente, aunque sin nada destacable, si acaso que no se hace pesada como muchas otras películas de terror coetáneas, y el reparto hace un buen trabajo. Hubo una precuela titulada Cementerio viviente: Los orígenes (Pet sematary: Bloodlines, Lindsey Anderson Beer, 2023), con sus momentos buenos y escalofriantes, pero también con algunas escenas completamente absurdas y los clichés típicos de gente haciendo estupideces. Mejor dejarla a los entusiastas de la saga.

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LA CENICIENTA / CENICIENTA (Cinderella, Kenneth Branagh, 2015)

Inofensivo remake de una de las más conocidas producciones de Walt Disney, La Cenicienta (Cinderella, Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wildred Jackson, 1949), sobre la hermosa joven que vive con su madrastra y las dos hijas de esta, siendo destinada a las más molestas tareas de la casa, pero que un baile en palacio hará que alcance su lugar en el mundo, según el cuento de los hermanos Grimm.

Esta nueva versión aún conserva algo de la cursilería anticuada de la película original, al tiempo que se siente el impacto de Shrek (Shrek, Andrew Adamson y Vicky Jenson, 2001) en la devastación de la fórmula de cuento Disney. En todo caso, está bien dirigida por Branagh, es bonita y entretenida, tiene un buen reparto y algunos toques de humor aquí y allá. Y es una actualización de todo el rollo Disney de “felices para siempre”. Sí, la historia es la misma, pero le da la química que tanto necesitaba el encanto romántico de Cenicienta y El Príncipe. Y funciona, algo que ya es mucho ante la avalancha de versiones en imagen real de películas animadas Disney que llegaría poco después.

Y, como era de esperar, a lo largo de las décadas se han realizado cientos de películas y series que son adaptaciones directas del cuento o tienen tramas libremente basadas en la historia. La primera versión es el cortometraje francés Cenicienta (Cendrillon, Georges Méliès, 1899), naturalmente de la mano del pionero Méliès, y la última hasta el momento el largometraje de terror Cinderella’s revenge (Andy Edwards, 2024). Por en medio, fantasías delicadas y de buen gusto como la checoslovaca La Cenicienta y el príncipe (Tri orisky pro papelku, Vaclav Vorlicek, 1973); comedias juveniles como Si el zapato ajusta (If the shoe fits, Tom Clegg, 1991) o Una cenicienta moderna (A Cincirella story, Mark Rosman, 2004); musicales como La zapatilla de cristal (The glass slipper, Charles Walters, 1955) o Cenicienta (Cinderella, Kay Cannon, 2021), o dramas realistas como Permiso para amar hasta medianoche (Cinderella liberty, Mark Rydell, 1973). Seguro que encontráis vuestra versión favorita.​

 

[Soichiro]

LOS CAMPEONES / CHAMPIONS (Champions, Bobby Farrelly, 2023)



El viejo tema cómico sobre el tipo amargado que se ve obligado a entrenar a un equipo deportivo de aparentes perdedores tiene uno de sus ejemplos más estimables en la película española Campeones (Javier Fesser, 2018), con guion de su director y David Marqués. En ella el segundo entrenador de un equipo de baloncesto tiene que cumplir una condena de trabajos sociales entrenando a un equipo de personas con discapacidad intelectual. Una película que no deja de estar bien hecha en su aspecto cinematográfico, con un reparto perfecto encabezado por Javier Gutiérrez, un guion bien logrado, que se convierte en una comedia que te lleva a la alegría por momentos -no solo a la risa- y a esa verdadera sensación de emoción, y una muy buena dirección, añadiendo ese loable mensaje de concienciación que se desliza con toda facilidad y naturalidad. Una película disfrutable cuyo éxito crítico-comercial dio lugar a una secuela titulada Campeonex (Javier Fesser, 2023), prácticamente a la altura de su antecedente, donde el director/guionista logra de nuevo mostrar la perfección de este mundo imperfecto, la excelencia de los buenos corazones, la grandeza de vivir la vida como viene, siempre con buen humor, amabilidad y buenas intenciones. Sin duda para disfrutar del mejor lado del ser humano.

Por su parte, el remake estadounidense no decepciona. El guion es tan entretenido como conmovedor y hermoso. Claro, es predecible, pero la trama funciona a muchos niveles. Y el reparto está estupendo. Por decontado Woody Harrelson, Kaitlin Olson, Cheech Marin y Ernie Hudson, pero también los miembros del equipo de baloncesto, ofreciendo actuaciones muy reales y entrañables. Uno de esos filmes que te hacen sentir bien.

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UNA PROPUESTA ATREVIDA / EL PRECIO DE LA TRAICIÓN / CHLOE (Chloe, Atom Egoyan, 2009)

Una doctora -Julianne Moore- sospecha que su marido -Liam Neeson- la engaña. Contratará a una prostituta -Amanda Seyfried- para seducirlo. En el proceso, los personajes de Moore y Seyfried se involucrarán sexualmente. Thriller erótico donde lo mejor es la actuación de la siempre eficaz Julianne Moore, quien plasma la complejidad de su personaje, una mujer dividida entre demasiados deseos que amenazan con abrumarla.

Más interesante resulta la película original, la producción francesa Nathalie X (Nathalie..., Anne Fontaine, 2003), un título apasionado y efectivo, con un ritmo deliciosamente pausado, donde Fanny Ardant logra una actuación eficaz como esposa rechazada en un matrimonio sin pasión, y una deslumbrante Emmanuele Béart nos ofrece un personaje complejo, tan fuerte como débil e inseguro. La directora Anne Fontaine maneja con maestría la lenta y sutil evolución de la extraña amistad entre las dos protagonistas. Lástima que el marido interpretado por Gérard Depardieu no se utiliza lo suficiente y nunca llegamos a conocerlo del todo. Pero, en general, la película está muy buen realizada. Una joya infravalorada para disfrutar en una tarde tranquila.

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CITY HUNTER (City hunter, Yûichi Satô, 2024)

El manga homónimo creado por Tsukasa Hojo está protagonizado por Ryo Saeba, una especie de detective privado que acepta cualquier caso, desde protección, siempre que el cliente sea una mujer guapa y joven, hasta espionaje. Le acompaña en sus aventuras su socia, la enojadiza Kaori. Una desenfadada y simpática mezcla de género de acción y comedia, ambos en su oportuna medida, que no tardaría en gozar de un gran éxito, y, por tanto, de su adaptación a otros medios: las series de anime Cazador (City hunter / City hunter 2, Tsukasa Hojo, 1987-1989), City hunter 3 (City hunter 3, Tsukasa Hojo, 1989-1990) y City hunter ‘91 (Tsukasa Hojo, 1991); cuatro películas animadas, estrenadas en 1989, las dos siguientes en 1990, y 2019; tres telefilmes animados, de 1996, 1997 y 1999; la serie animada derivada Angel heart (Tsukasa Hojo, 2005-2006); y una serie surcoreana de imagen real, emitida en 2011 y con el protagonismo de Lee Min-ho.

De películas de imagen real tenemos:

-City hunter (Sing si lip yan, Jin Wong, 1993). El popular Jackie Chan encarnó al obseso defensor de la justicia en esta coproducción entre Hong-Kong y Japón. Pese a que en un principio se pensó que el humor vertido en el manga y la comedia aportada por el actor serían una buena mezcla, la verdad es que la película se quedó a medio camino entre una divertida película con Jackie Chan y un hilarante capítulo de “City Hunter” sin conseguir una cosa ni otra. El filme no tuvo el éxito deseado y ni mucho menos llegó al nivel de calidad de las producciones de Hong Kong interpretadas y/o dirigidas por Jackie Chan, por lo que la cosa se quedó en una simpática curiosidad.

-City Hunter y el perfume de Cupido (Nicky Larson et le parfum de Cupidon, Philippe Lacheau, 2018). Fan confeso del cómic de Hojo, el cineasta francés Philippe Lacheau no paró hasta conseguir convencer al mangaka para que le dejara realizar una película del personaje, quien era muy reacio a que su criatura fuera llevada a la gran pantalla de nuevo con actores de carne y hueso. Con el propio Lacheau como Ryo Saeba -Nicky Larson en la versión francesa-, el resultado es una película graciosa, con un protagonista y una Elodie Fontan a veces divertidísimos, aunque en general no está del todo lograda.

-City hunter (2024). Sin duda, la más notable de las tres adaptaciones, y con diferencia. Empezando por los protagonistas Ryohei Suzuki y Misato Morita, el reparto es genial, y es una auténtica gozada ver cómo el manga original cobra verdadera vida, haciéndole auténtica justicia. Una de las mejores adaptaciones a imagen real de manganimes de los últimos años.

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CONAN EL BÁRBARO (Conan the Barbarian, Marcus Nispel, 2011)

El cruel y salvaje guerrero Conan es un personaje creado por el novelista Robert E. Howard que, por fin, fue adaptado por primera vez al cine a principios de los años 80, para alegría de sus numerosos seguidores. El resultado es mucho menos vistoso de lo esperado: Conan el bárbaro (Conan the Barbarian, John Millius, 1981), con un reparto heterogéneo que incluye a Max Von Sydow, James Earl Jones y Mako.

Su secuela, Conan el destructor (Conan the destroyer, Richard Fleischer, 1984), resulta mucho peor. En realidad se tiraron a la basura casi 20 millones de dólares en una absurda aventura de nuevo con el musculoso Arnold Schwarzenegger, esta vez acompañado de gente tan dispar como Wilt Chamberlain y Grace Jones.

La nueva versión de 2011 acierta en muchos aspectos, como Jason Momoa como Conan y la auténtica estética de la Era Hiboria. La película no está nada mal y rebosa energía, pero necesitaba más profundidad, épica y singularidad para superar su mediocridad como superproducción.

En televisión, Conan ha tenido tres recreaciones: las pésimas series animadas Conan (Conan the adventurer, Christy Marx, 1992-1993) y Conan y los jóvenes guerreros (Conan and the young warriors, Michael Reaves, 1994), y la más aceptable serie de imagen real Conan (Conan the adventurer, 1997-1998), con Ralf Moeller en el papel titular.

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CONTRABANDO / CONTRABAND (Contraband, Baltasar Kormákur, 2012)

Contraband es una película de acción bien hecha con actuaciones sólidas, buena dirección y una magnífica cinematografía que te transporta a Nueva Orleans, Panamá y un barco de carga. Un excelente Mark Walberg interpreta a un hombre que regresa a su pasado de contrabandista para enmendar los errores de su ingenuo cuñado y proteger a su familia. Con una envolvente mezcla de acción y drama, la película muestra el negocio del contrabando de manera realista y creíble.

Una lástima que la película original, la coproducción alemana-holandesa-islandesa Reykiavik-Rotterdam (Reykiavik-Rotterdam, Óskar Jónasson, 2008), sepa tan a poco. Aunque el argumento -con guion del director y Arnaldur Indridason- es igual de interesante, el filme se siente como un producto de serie B, resultando demasiado simple, con unos villanos que no son suficientemente intimidantes y donde la difícil situación del protagonista no se transmite muy bien a la pantalla. Podría haber sido memorable, pero lamentablemente no está a la altura.


COOLIE Nº 1 (Coolie nº 1, David Dhawan, 2020)



Para vengarse de una familia rica, un hombre se hace pasar por millonario para pedir la mano de su hija. Cuando su trama es descubierta, finge tener un hermano gemelo inmensamente rico, y así sus mentiras se empezarán a amontonar... Comedia india muy mal hecha, pobre en desarrollo y actuaciones, basada en el clásico noventero de la nacionalidad, hablado en tamil, Chinna maaplai (Santhana Bharathi, 1993), con guion de Crazy Mohan y el director, y que no carece precisamente de remakes: la película realizada en lengua telegu Chinna alludu (Sarath, 1993), Coolie nº 1 (David Dhawan, 1995), realizada en hindi; Coolie raja (A.R. Babu, 1999), en idioma kannada; y la reseñada Coolie nº 1 de 2020, también en hindi.

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CORAZÓN DE LEÓN (Corazón de león, Emiliano T. Caballero, 2015)

Tras perder su móvil, una abogada recibe una llamada de quien lo ha encontrado, un arquitecto que resulta encantador, carismático y un caballero perfecto. Se sienten muy atraídos el uno por el otro durante la conversación y quedan en verse al día siguiente para que él le devuelva el celular. Pero cuando él llega, ella se sorprende al ver que es muy bajito...

La argentina Corazón de león (Corazón de león, Marcos Carnevale, 2013), con guion de su director y protagonizada por Julieta Díaz y Guillermo Francella, es una comedia muy inteligente que utiliza un lenguaje humorístico para abordar temas bastante serios. Con unas actuaciones muy buenas, una historia muy entretenida y un ritmo muy ágil, la película ridiculiza a las personas que se dejan llevar por lo que ven en lugar de por los hechos. Y como todo filme argentino de éxito de la época, tuvo su lista de remakes inmediatos realizados en su entorno y alguno en Europa:

-la colombiana Corazón de león (2015), con María Nela Sinisterra y Marlon Moreno;

-la francesa Un hombre de altura (Un homme à la hauteur, Laurent Tirard, 2016), protagonizada por Virginie Efira y Jean Dujardin;

-la peruana El gran León (El gran León, Ricardo Maldonado, 2018); con Gianella Neyra y Carlos Alcántara;​

-la mexicana Mi pequeño gran hombre (Jorge Ramírez Suárez, 2018), con Fernanda Castillo y Jorge Salinas;

-la brasileña Amor sin medida (Amor sem medida, Ale McHaddo, 2021), con Juliana Paes y Leandro Hassum.


CREO QUE AMO A MI MUJER / CREO QUE QUIERO A MI MUJER (I think I love my wife, Chris Rock, 2007)



Comedia dramática alejada de las típicas payasadas protagonizadas por Chris Rock, acerca de un hombre casado que empezará a perder el foco de su vida cuando se encuentre con una seductora antigua novia y se sienta atraído por ella. Una buena película que aborda muy bien los problemas que enfrentan muchas parejas casadas.

Está basada en el filme francés El amor después del mediodía (L’amour l’après-midi, Eric Rohmer, 1972), uno de los más prestigiosos Cuentos morales de su director y guionista.

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CUANDO UN EXTRAÑO LLAMA / CUANDO LLAMA UN EXTRAÑO (When a stranger calls, Simon West, 2006)

Llama un extraño (When a stranger calls, Fred Walton, 1980), con guion del director y Steve Feke, es un regular slasher producido en pleno auge de este género y con algún que otro plagio de La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1978). La cinta se halla dividida en tres partes: en la primera, el psicópata asesina a unos niños y es detenido antes de que haga lo mismo con la niñera; en la segunda escapa del manicomio, apareciendo un inspector decidido a matarle en cuanto lo vea; en la tercera, la niñera con la que ocurriera el primer incidente, verá amenazados ahora a sus propios hijos.

Los mismos Fred Walton y Steve Feke realizaron una tardía secuela para televisión titulada La llamada de un extraño (When a stranger calls back, Fred Walton, 1993), con Charles Durning y Carol Kane recuperando sus papeles del filme original. Si bien no tan brutal como aquel, resulta más verosímil y contiene excelentes escenas escalofriantes.

Por su parte, la nueva versión de 2006 es uno de los más inoportunos e ineptos remakes perpetrados por Hollywood a inicios del nuevo milenio de miniclásicos del cine de terror de los años 70-80. Los cambios en la historia, a fin de contemporalizarla, pueden deducirse antes de ver el bodrio.

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CUANDO TÚ QUIERAS (Come as you are, Richard Wong, 2019)

La película belga Hasta la vista (Hasta la vista, Geoffrey Enthoven, 2011), escrita por Pierre De Clercq basándose en un caso real, nos habla de tres veinteañeros aún vírgenes que, con el pretexto de una ruta vinícola, emprenden un viaje a España con la esperanza de tener su primera experiencia sexual. Jozef es ciego, Philip está paralizado del cuello para abajo y Lars está en silla de ruedas con un tumor cerebral, pero no van a dejar que nada se interponga en su camino... Normalmente me gusta mucho más la película europea original que el remake estadounidense. Sin embargo, esta vez prefiero más la norteamericana. Aquí los personajes están menos desarrollados y no me importan tanto como esperaba. Su viaje es menos entretenido y divertido de ver.

Cuando tú quieras, en cambio, es toda una grata sorpresa. Las actuaciones son realmente buenas y el humor es excelente, en su justa medida, combinado con algunos momentos melodramáticos, haciendo una película llena de emociones, poseedora de una historia amena y con una moraleja inspiradora. Recomendable.

Ah, y hubo otros dos remakes inmediatos: la holandesa Adiós, amigos (Albert Jan van Rees, 2016) y la indonesia Why do you love me? (Herwin Novianto, 2023).​

 

[Soichiro]

LOS CUATRO FANTÁSTICOS / CUATRO FANTÁSTICOS (Fantastic Four, Josh Trank, 2015)



El cómic original del dibujante Jack Kirby y el guionista Stan Lee nos presenta las aventuras de un cuarteto de científicos que adquiere superpoderes a causa de una exposición a rayos cósmicos durante una misión al espacio exterior. Como otros populares superhéroes de cómic, tendrían sus periódicas incursiones en la animación catódica, protagonizando las, en general, estimables series homónimas de 1967-1968, 1978, 1994-1996 y 2006-2010. Sin embargo, sus adaptaciones a la pantalla grande no han sido muy afortunadas:

-Los Cuatro Fantásticos (The Fantastic Four, Oley Sassone, 1994), con Alex Hyde-White, Rebecca Staab, Jay Underwood y Michael Bailey Smith. Casposa versión a cargo del maestro de la serie B y el bajo presupuesto Roger Corman, quien la financió en parte como productor. La película está falta de tono, en ningún momento llega a coger el ritmo y mucho menos la cadencia de una cinta de acción, todo rodado de forma tosca y simplona. Una triste versión que no llegó a estrenarse en salas comerciales, más que nada porque solo fue realizada para no perder los derechos sobre los personajes, que estaban a punto de caducar.

-Los Cuatro Fantásticos (Fantastic Four, Tim Story, 2005), protagonizada por Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans y Michael Chiklis. Una de las adaptaciones de cómics Marvel realizadas tras el éxito de títulos como Spider-Man (Spider-Man, Sam Raimi, 2002) o Daredevil (Daredevil, Mark Steven Johnson, 2003), y de las de desarrollo más paupérrimo, tanto de guion como de realización. Especie de serie B cara, rozando el subproducto. Tuvo una secuela titulada Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer (Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer, Tim Story, 2007), que, como cabía temerse, es aún más inocua, majadera y prescindible. Ni siquiera incorporando otro superhéroe, Silver Surfer, la trama es digna de tal nombre.

-Cuatro Fantásticos, con Miles Teller, Kate Mara, Michael B. Jordan y Jamie Bell. Esta nueva versión tiene un tono más oscuro que las anteriores, con unos personajes que se sienten más cercanos y unas situaciones más creíbles. La lástima es que a partir del tercer acto pase de ser un elegante drama de superhéroes a un festival de efectos especiales exagerados y lleno de frases idiotas, volviéndose todo apresurado y desordenado, y donde la química entre los protagonistas, al principio verosímil y convincente, pasa a ser increíblemente forzada e incómoda.

Puntuales en su cita de cada diez años con el cine, la primera familia de superhéroes vuelve este 2025 con un nuevo reinicio titulado The Fantastic Four: First steps (Matt Shakman, 2025), protagonizado por Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn y Ebon Moss-Bachrach. Veremos.

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LOS FANTASMAS DE SCROOGE / NAVIDAD DIVERTIDA DE SCROOGE / CUENTO DE NAVIDAD (A Christmas carol, Robert Zemeckis, 2009)

Enésima adaptación de la célebre novela corta de Charles Dickens “A Christmas Carol”, esta vez a mayor gloria de Jim Carrey, mediante la técnica de animación de captura de imágenes en movimiento, dando vida con gran convicción, incluso maestría, al viejo avaro Ebenezer Scrooge, el cual será despertado en Nochebuena por los espíritus de la Navidad, quienes le rebelarán su miserable existencia, las oportunidades que desperdició en su juventud, sus crueldades actuales y el terrible destino que le aguarda si no cambia su comportamiento. Fiel en su mayor parte al original, no resulta tan festiva como cabría esperar, siendo una versión más oscura de lo habitual, pero sin cargar las tintas, con unos impactantes efectos especiales y una encantadora música de Alan Silvestri.

La versión más antigua que se conserva del clásico navideño de Dickens es el cortometraje Scrooge or Marley’s ghost (Walter R. Booth, 1901). Luego tendríamos una versión de 1908, dos de 1910, una de ellas italiana; la británica de 1913, otra de 1914, el primer largometraje, actualmente perdido, que es The right to be happy (Rupert Julian, 1916); y las de 1922, 1923 y 1928.

La británica Scrooge (Henry Edwards, 1935) está considerada como la primera versión importante, con Seymour Hicks dando vida al protagonista, papel que ya había interpretado en la versión de 1913. La Metro Goldwin Mayer lanzaría la reputada versión Cuento de Navidad (A Christmas carol, Edwin L. Marin, 1938), y después tendríamos una versión española titulada Leyenda de Navidad (Manuel Tamayo, 1947).

Tras la también muy elogiada Cuento de Navidad (Scrooge, Brian Desmond Hurst, 1951) y un cortometraje de 1960, llegaría la recomendable adaptación musical Muchas gracias, Mr. Scrooge (Scrooge, Ronald Neame, 1970), magníficamente interpretada por Albert Finney como el protagonista y Alec Guiness en el papel del fantasma de Marley, y con una conseguida mezcla de fantasía y estética decimonónica.

Los simpáticos Muppets de Jim Henson protagonizarían una versión cariñosamente irónica titulada Los Teleñecos en Cuento de Navidad (The Muppets in Christmas carol, Brian Henson, 1992), con Michael Caine encarnando a Scrooge.

De las adaptaciones televisivas mencionaremos el aceptable telefilme Cuentos de Navidad (A Christmas carol, Clive Donner, 1984), con George C. Scott como Scrooge; la también película catódica A Christmas carol (David Hugh Jones, 1999), con Patrick Stewart en su etapa de interpretar a personajes literarios clásicos; y la brillante en general, pero también algo irregular, miniserie Cuento de Navidad (A Christmas carol, Nick Murphy, 1019), protagonizada por Guy Pierce.

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CULPABLE (The guilty, Antoine Fuqua, 2021)

The guilty (Den skyldige, Gustav Möller, 2018), con guion del director y Emil Nygaard Albertsen, es un intenso thriller danés en el que un operador de la línea de emergencias recibe una llamada de una mujer que está siendo secuestrada. Una película emocionante y con un sorprendente desarrollo del personaje principal, a la que supo estar a la altura el remake estadounidense, tan tremendo o más que el original, donde sin duda destaca un excelente Jake Gyllenhal en el papel protagonista.

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CÓMO CASARSE CON UN MILLONARIO (Jak poslubic milionera?, Filip Zylber, 2019)

Sin nada qué ver con el clásico homónimo dirigido por Jean Negulesco y protagonizada por Lauren Bacall y Marilyn Monroe, esta es una intrascendente comedia romántica de origen polaco cuya chica protagonista conoce a una estrella de las redes sociales, que le anima a participar en un experimento en el que mujeres buscan un marido rico. Esta basada en la película holandesa Ellis in Glamourland (Pieter Kramer, 2004), escrita por Mischa Alexander, y la única conclusión que podemos sacar es que esto de las nuevas versiones no conoce límites entre países.

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D’ARTACÁN Y LOS TRES MOSQUEPERROS (Toni García, 2021)

Aburrida, monótona y horriblemente animada versión infantil de la célebre novela de Alejandro Dumas “Los tres mosqueteros”, una película mediocre que se basa en la nostalgia, no en la calidad. Y es que, de hecho, es un remake cinematográfico de la recordada serie hispano-japonesa homónima estrenada en 1981, la cual, desde luego, es una obra maestra en comparación con esto. Pero, en fin, al menos servirá como excusa para hacer un repaso a las versiones cinematográficas y televisivas de la obra de Dumas:

La primera adaptación data de 1903 y es francesa, de la que apenas existen datos; le siguieron las estrenadas en 1911 -en dos partes-, 1913, 1914, 1916 y 1921.

Los tres mosqueteros (The three musketeers, Fred Niblo, 1921) es la primera versión de cierta importancia, con Douglas Fairbanks de bravucón D’Artagnan; la francesa de 1933, seguida por las versiones de 1935, 1936 -italiana-, una versión cómica de 1939, la mexicana de 1942 con Cantinflas como D’Artagnan; y una argentina de 1946.

Llegamos a la deliciosa e inconfundible versión MGM de 1948, dirigida por George Sidney y protagonizada por Gene Kelly, con una Lana Turner espléndida en su papel de Milady de Winter y un Vincent Price genial como el cardenal Richelieu.

Tras la versión de 1953, y las francesas de 1959, con Jean-Paul Belmondo, y 1961, en dos partes, llegó la fallida superproducción de 1973 dirigida por Richard Lester, con un reparto estelar encabezado por Michael York como D’Artagnan. Tuvo dos secuelas, también basadas en novelas de Dumas: Los cuatro mosqueteros (The four musketeers, Richard Lester, 1974) y El regreso de los mosqueteros (The return of the musketeers, Richard Lester, 1989).

Después de un musical soviético de 1978, nos encontramos con la insoportable y descerebrada versión de 1993 dirigida por Stephen Herek y con Chris O’Donell como D’Artagnan; la absurda El mosquetero (The musketeer, Peter Hyams, 2001), más cercana al cine de artes marciales que a otra cosa; una nueva versión francesa de 2005; la extraña y sorprendente versión de 2011 dirigida por Paul W. S. Anderson, en un estilo clockpunk; y el díptico francés Los tres mosqueteros: D’Artagnan (Les trois mousquetaires: D’Artagnan, Martin Bourboulon, 2023) y Los tres mosqueteros: Milady (Les trois mousquetaires: Milady, Martin Bourboulon, 2023).

En televisión tenemos las series británicas de 1954 y 1966, la ya mencionada versión animada hispano-japonesa de 1981, la animada únicamente japonesa Las aventuras del joven D'Artagnan (Anime san jûshi, Monkey Punch, 1987-1989), una serie rusa de 2013, y la británica Los mosqueteros (The musketeers, Adrian Hodges, 2014-2016), una de las mejores plasmaciones de la obra original.

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EL DESPERTAR DE LOS MUERTOS VIVIENTES / DAY OF THE DEAD: BLOODLINE (Day of the dead: Bloodline, Héctor Hernández Vicens, 2017)

Como ocurrió con las otras dos partes de la trilogía zombi inicial de George A. Romero, La noche de los muertos vivientes (Night of the living dead, George A. Romero, 1968) y Zombi (Dawn of the dead, George A. Romero, 1978), El día de los muertos (Day of the dead, George A. Romero, 1985) también acabó teniendo su nueva versión -de hecho, ya se había hecho un primer remake, la película para vídeo Day of the dead (Steve Miner, 2008)-. Pero mientras las de aquellas resultaban bastante aceptables dentro de lo que cabe, la aquí comentada es horrible, con un pésimo guion lleno de inverosimilitudes y unas actuaciones que le van a la zaga. ¿Por qué la gente se empeña en malgastar dinero haciendo películas malas?

Nada que ver, pues, con la mencionada e injustamente infravalorada El día de los muertos, donde un grupo de científicos y oficiales del ejército conviven en un bunker mientras el apocalipsis zombi acontece en el exterior, según guion de su director. Una película descaradamente alegórica sobre la sociedad moderna, y con un implacable y personal concepto del horror y el mal.

Una nueva versión sería la serie Day of the dead (Day of the dead, Jed Elinoff y Scott Thomas, 2021), tan libre como terrible y decepcionante.

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DEATH NOTE (Death note, Adam Wingard, 2017)

Típica adaptación hollywoodiense de un éxito extranjero, en este caso el cómic de los japoneses Takeshi Obata y Tsugami Ôba, sobre un brillante estudiante que se topa con un cuaderno místico que tiene el poder de matar a cualquiera cuyo nombre escriba. Light, nuestro protagonista, decidirá lanzar una cruzada secreta para erradicar a los criminales de las calles. Pronto, el estudiante convertido en justiciero se verá perseguido por un famoso detective conocido solo por el alias L. En fin, el protagonista no es interesante, L no es interesante y la trama es un desastre. Le quitaron todo lo bueno al original, lo destrozaron y crearon otra mala adaptación estadounidense. Se anuncia un Death note 2. Temblemos.

Al menos en Japón se había realizado la imprescindible serie animada Death note (Death note, Takeshi Obata y Tsugumi Ôba, 2006-2007), ejemplar ejercicio de thriller sobrenatural, no sólo dentro de la animación japonesa, sino a nivel general, de impresionante ritmo narrativo, historia inteligente, imaginativa, profunda y maravillosamente escrita, y personajes muy bien trazados. Tendría una secuela en el telefilme Death note rewrite: Genshisuru kami (Tetsurô Araki, 2007).

También se había llevado a cabo en el país del Sol naciente una, en esta ocasión sí, genial adaptación en formato de película de imagen real, Death note: La película (Death note, Shûsuke Kaneko, 2006), seguida de varias continuaciones tituladas Death note: El último nombre (Death note: The last name, Shûsuke Kaneko, 2006), L: Change the world (Hideo Nakata, 2008), la miniserie Death note: New generation (Shinsuke Satô, 2016) y Death note: El nuevo mundo (Death note: Light up the new world, Shinsuke Satô, 2016).


CARRERA MORTAL / LA CARRERA DE LA MUERTE / DEATH RACE: LA CARRERA DE LA MUERTE (Death race, Paul W.S. Anderson, 2008)​

La carrera de la muerte del año 2000 (Death race 2000, Paul Bartel, 1975) es una de las peores producciones de Roger Corman y la New World Pictures, del todo desaprovechada, fallidamente irónica y más bien aburrida. Basada en un relato de Ib Melchior, nos sitúa en el año 2000 donde se organiza una carrera automovilística donde cada persona atropellada puntúa positivamente y cuyo premio es la dictadura de los Estados Unidos.

Su remake de 2008 no es que sea mucho mejor, pero podemos decir que tiene cierto encanto que su antecedente no posee. Sí, no es precisamente profunda y sofisticada, tenemos a Jason Statham, coches con pinchos y bazukas, y explosiones. Pero es una clásica película estilo videojuego que es puro entretenimiento. Si es lo que buscas, esta vez cumple su función. Contó con tres secuelas para vídeo ya sin ningún interés: Death race 2: La carrera de la muerte 2 (Death race 2, Roel Reiné, 2010), La carrera de la muerte: Inferno (Death race 3: Inferno, Roel Reiné, 2013) y Death race: Beyond anarchy (Death note: Beyond anarchy, Don Michael Paul, 2018).

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DEMASIADO AMOR (De Beentjes van Sint-Hildegard, Johan Nijenhuis, 2020)

Jan y Gedda están casados y se conocen desde hace muchísimo tiempo, y Gedda siempre intenta ir un paso por delante de Jan, quien anhela más libertad. Cuando su suegro fallece, decide hacer algo con esa relación asfixiante. Entonces finge que empieza a manifestar los primeros síntomas de Alzheimer.

Una de las mejores películas holandesas de los últimos años, con una historia bien escrita y bien interpretada, de esos filmes que te ponen una sonrisa en la cara durante todo su metraje. Literalmente, y por decirlo de alguna manera, un soplo de aire fresco. Se basa en la checa Teorie tygra (Redek Bajdar, 2016), con guion de su director y Mirka Vopavová.

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DESAPARECIDA (Angel of mine, Kim Farrant, 2019)

Noomi Rapace interpreta a una madre afligida cuya hija fue asesinada en el hospital donde nació. Ahora, tras ver a una niña en una fiesta a la que lleva a su hijo, cree que es en realidad su hija fallecida. A partir de ahí, comienza esta historia de suspense y caos psicológico con un giro final magnífico. Una película tan genial como la original francesa, La marca del ángel (L’empreinte de l’ange, Safy Nebbou, 2008), escrita por su director y Cyril Gomez-Mathieu, poseedora de una gran tensión, con algunas escenas puramente hitchcockianas y un gran trabajo de Catherine Frot y Sandrine Bonnarie.​

 

[Soichiro]

EL APOCALIPSIS / APOCALIPSIS / LA ÚLTIMA PROFECÍA / DESAPARECIDOS SIN RASTRO (Left behind, Vic Armstrong, 2014)



“Left behind” es una saga literaria de dieciséis novelas escrita por Jerry B. Jenkins y Tim LaHaye, de fuerte contenido cristiano e inspirada en el “Apocalipsis” del “Nuevo Testamento”, que nos narra una historia, ambientada en época contemporánea, sobre el fin de la Tierra, donde los verdaderos creyentes en Jesucristo han sido llevados al Cielo y los no creyentes son dejados atrás, en un mundo destrozado y caótico. En este argumento se basó una trilogía de películas compuesta por Desaparecidos (Left behind, Vic Sarin, 2000), Desaparecidos: La resistencia (Left behind II: Tribulation force, Bill Corcoran, 2002) y Desaparecidos: El mundo en guerra (Left behind III: World at war, Craig R. Baxley, 2005), que, pese a sus algo molestas connotaciones religiosas, acaba resultando más aceptable de lo que en un principio pudiera parecer, con mucho drama y un poco de acción mezclados con la trama de un mundo en guerra bajo el dominio del Diablo. Protagonizada por Kirk Cameron, Brad Johnson, Janaya Stephens y Clarence Gilyard Jr., una saga que destaca en el grueso de los filmes sobre el fin del mundo y el hombre contra el Diablo.

La primera novela volvería a ser contemplada en 2014 con Desaparecidos sin rastro, que, desde el principio, la dirección, la trama, la actuación y la música dan la impresión de ser de un telefilme de sobremesa. Y es que, con sus malas actuaciones -a pesar de tener un buen reparto encabezado por Nicolas Cage y Lea Thompson- y dirección, resulta un fracaso total. Se hace demasiado hincapié en los aspectos religiosos de la historia, lo que la hace parecer una auténtica película propagandística, arruinando cualquier posibilidad de sumergirse en la trama. Tiempo después, a alguien se le ocurrió que podría continuarse la saga, dando lugar a Left behind: Rise of the Antichrist (Kevin Sorbo, 2023), con su director de protagonista. Sin comentarios.


EL PASADO QUE NOS UNE / DESPUÉS DE LA BODA (After the wedding, Bart Freundlich, 2019)



La película danesa Después de la boda (Efter brylluppet, Susanne Bier, 2006), escrita por Anders Thomas Jensen, es un intenso y cautivador drama familiar, donde el gerente de un orfanato en India es enviado de vuelta a Copenhague, donde descubrirá un secreto familiar que le cambiará la vida. El principio -y el final- del filme revela las precarias condiciones de vida de la gente en la India y da la falsa impresión de que la trama gira en torno a las diferencias sociales entre India y Dinamarca, y, por extensión, entre el tercer y el primer mundo. Luego, la impredecible historia da un giro inesperado, centrado en la casualidad y los dramas personales, con muchos otros descubrimientos de los protagonistas y el ingenioso plan del astuto Jørgen. Todos los personajes son creíbles y humanos, respaldados por la magnífica dirección de Susanne Blier, que interpreta las emociones y sentimientos del espectador, con un guion impresionante y actuaciones de primera.

La versión de 2019 es otro de esos remakes estadounidenses que nadie había pedido, un aburrido, superficial e inverosímil melodrama lleno de clichés, del que solo puede destacarse la buena actuación de Julianne Moore y la espléndida fotografía.


DON (Don, Farhan Akhtar, 2006)



Vijay es reclutado por un policía para hacerse pasar por Don, el secretamente abatido líder de una banda internacional de contrabandistas, debido a su gran parecido físico con aquel. Pero el policía muere, y Vijay queda abandonado a su suerte...

Interesante thriller indio, elegante y con estilo, con un excelente trabajo en la dirección y de Shah Rukh Khan en el papel principal, al igual que el resto del reparto. El comienzo es un poco lento, pero se compensa con creces al final. Tuvo una secuela titulada Don 2 (Don 2, Farhan Akhtar, 2011), según parece a la altura de la anterior.

El original es el clásico en hindi, escrito por Salim Javed, Don (Chandra Barot, 1978), que, como suele ser habitual en la India, tuvo versiones en otros idiomas del país: en télegu Yugandhar (K.S.R. Das, 1979) y Billa (Meher Ramesh, 2009); en tamil Billa (R. Krishnamurthy, 1980), Billa (Vishnuvardhan, 2007) y su secuela Billa II (Chakri Toleti, 2012); y en malabar Sobharaj (Sasikumar, 1986).


DOS MÁS DOS (Dos más dos, Alfonso Pineda Ulloa, 2022)



Y seguimos con los remakes internacionales de películas argentinas. En esta ocasión tenemos esta película mexicana que nos habla de una pareja cuyo matrimonio se está volviendo monótono debido a la falta de afecto. Para intentar salvarlo, deciden practicar la poligamia y el intercambio de parejas, sin imaginar que todo empeorará.

El mayor problema de este filme es el guion, que no desarrolla del todo los temas que pretende dar a conocer, como las relaciones abiertas y todo lo relacionado con ellas, ni desarrolla plenamente a los personajes, lo que no ayuda a comprenderlos mejor. La premisa es interesante, al igual que el conflicto principal, pero la historia se vuelve cíclica y todo se resuelve con mucha facilidad. Además, el tono de comedia no tiene gracia y es muy forzado. Tratar un tema tabú es siempre algo muy atractivo, pero esta película no consigue hacerlo adecuadamente para abrir el debate sobre ello.

Con un guion de Daniel Cúparo y Juan Vera, mejor es la original Dos más dos (Dos más dos, Diego Kaplan, 2012), aunque tampoco mucho, no vayáis a creer, no pasando de ser simplemente entretenida, también sin profundidad y predecible, y sin mucha gracia. Si acaso se puede aprender que siempre es una mala idea hacer tratos con los amigos, sobre todo en el sexo.

Y sí, hubo al menos un remake más realizado en otro país: la brasileña Dois mais dois (Marcelo Saback, 2021).


DUMBO (Dumbo, Tim Burton, 2019)



Siguiendo la tónica de la Disney de entonces por adaptar a imagen real sus clásicos animados, en esta ocasión le tocó el turno a la discreta Dumbo (Dumbo, Ben Sharpsteen, 1941), basada en una novela de Harold Pearl y Helen Aberson, sobre el simpático elefante de grandes orejas que puede volar agitando estas.

Parte remake, parte nueva historia, el resultado es una película para toda la familia si no perfecta, sí muy disfrutable. Tiene un gran reparto, una historia interesante, unos efectos visuales impresionantes, unas dosis de drama, momentos tristes, momentos alegres y nostalgia, una banda sonora fantástica, elementos del original, un final cálido y tierno, y elefantes rosas. Y la dulce historia entre Dumbo y la Sra. Jumbo. ¿Que suena aburrido? ¿Qué tiene de emocionante tu vida para que te suene aburrido? Hay un par de circos y un elefante volador en esta película. Eso ya es bastante atractivo.

Aunque haya quienes no quieran reconocerlo, Tim Burton tiene aquí uno de sus mejores filmes, haciendo un trabajo maravilloso.


DUNA / DUNA: PARTE UNO / DUNE (Dune: Part one, Denis Villeneuve, 2021)



La novela original homónima de Frank Herbert, que sería la primera de toda una saga literaria, nos sitúa en una sociedad feudal interestelar, donde varias casas nobles controlan feudos planetarios, centrándose en el joven Paul Atreides, cuya familia acepta a regañadientes la administración del desértico e inhóspito planeta Arrakis, única fuente de melange o “especia”, una droga enormemente valiosa.

Una primera recreación de la novela fue la película Dune (Dune, David Lynch, 1984), uno de los proyectos más ambiciosos y mastodónticos de entonces, con su director abandonando el campo de las producciones independientes y adaptando el célebre original para el productor Dino de Laurentis. El resultado fue un filme tétrico y decadente, enormemente meritorio como adaptación y sin nada que ver con todo lo que la ciencia-ficción cinematográfica había ofrecido hasta entonces, virtudes que no bastaron para aliviar el fracaso crítico-comercial, fruto sin duda de la falta de concesiones, excesiva complejidad y excesos granguiñolescos del producto.

La miniserie Dune: La leyenda (Dune, John Harrison, 2000) es una absorbente versión, tal vez horrorosa visualmente, de limitado presupuesto -esos decorados…- y con unas interpretaciones poco sólidas, pero que trata la historia muy bien, en especial a los personajes y los acontecimientos, en una compleja trama que se sigue sin problemas, todo llevado a cabo con honestidad, lo que la hace, si no una de las mejores, sí de las más vivificantes producciones en su formato de la época. Le siguiría la también miniserie Hijos de Dune (Children of Dune, Greg Yaitanes, 2003), basada en la segunda y tercera novela, una atrapante y emocionante producción de ciencia-ficción con un buen ritmo y una deslumbrante música, aunque los efectos especiales por ordenador aún tenían mucho camino por recorrer.

Y finalmente llegamos al díptico formado por Dune (2021) y Dune: Parte dos (Dune: Part two, Denis Villeneuve, 2024), el cual supera a las anteriores versiones. Se trata de una excelente construcción de este universo, visualmente impactactante y con un estupendo reparto. Si la primera parte es una gran introducción para una universo potencialmente alucinante, la segunda, con un ritmo perfecto, una belleza extraordinaria, y una invitación a la reflexión, es más que emocionante, mejorando la anterior en todos los aspectos. El amor del director por “Dune” brilla en cada impresionante fotograma. La serie precuela Dune: La profecía (Dune: Prophecy, Alison Schapker y Diane Ademu-John, 2024-Presente), también basada en novelas de la saga, resulta menos épica y atractiva que las películas, lamentablemente.


DURGAMATI: THE MYTH (Durgamati: The myth, Ashok G., 2020)



En el turbio mundo de la política y el crimen, la inocente Chanchal debe arriesgarlo todo para demostrar su inocencia y hacer justicia. Enredada en una red de engaños, Chanchal deberá enfrentarse a poderes tanto naturales como sobrenaturales para cumplir su destino.

Extraña y mediocre intriga fantástico-terrorífica, uno de tantos remakes realizados en la India de películas nacionales recientes en otro idioma autóctono -en este caso, el filme Bhaagamathie (Ashok G., 2018), hablado en tamil y télugu-, lo que parece haberse convertido en norma en la industria cinematográfica hindi.


DÉJAME ENTRAR (Let me in, Matt Reeves, 2010)



La producción sueca Déjame entrar (Lat den räte komma in, Tomas Alfredson, 2008) es un relato de fantasía oscura basado en una novela de John Ajvide Lindqvist -quien también se encargó del guion-, sobre un tímido joven de 12 años que se hace amigo de una misteriosa vecina, cuya llegada coincide con una serie de extrañas muertes. Un destacable drama que es más que una película de vampiros al uso y que se centra sobre todo en temas como el acoso y la soledad.

El remake estadounidense está bien, pero resulta innecesario, pues no aporta nada y la mayoría de sus elementos no se encuentran a la altura de los originales. Los niños protagonistas están magníficos en sus papeles, pero la ambientación resulta artificiosa y las escenas sentimentales e íntimas, que se habían desarrollado con tanta belleza en el original, aquí carecen de toda fuerza. Reservada a un público norteamericano que no se molesta en ver películas con subtítulos.

La serie Déjame entrar (Let the right one in, Andrew Hinderaker, 2022) es una nueva adaptación de la novela, ahora centrada en la relación entre la niña y su padre, con un atrapante desarrollo de personajes, al igual que su cruda visión del mundo real y las decisiones que uno tiene que afrontar y tomar para sobrevivir en él. Una lástima que no lograra durar más de una temporada, dejando un final abierto.


EL CUERPO (Sarajim bam, Chang-hee Lee, 2018)



No es precisamente habitual que una película española sea objeto de remakes en otros países, y mucho menos que tenga hasta cinco versiones más. El cuerpo (Oriol Paulo, 2012) es un interesante filme de intriga escrito por su director y Lara Sendim, y protagonizado por José Coronado, Hugo Silva y Belén Rueda, que mantiene en vilo hasta el final. Lo que empieza como un misterio sobre la desaparición de un cadáver de la morgue pronto se convierte en un juego del gato y el ratón, pues nada es lo que parece y ni siquiera se puede confiar en los muertos. Un terror puro impregna toda la película y, al final, te deja con los pelos de punta y la sangre helada.

La sugerente historia, pues, atrajo a otras cinematografías, dando lugar a las indias Game (A.M.R. Ramesh, 2016) y The body (Jeethu Joseph, 2019), la italiana Il corpo (Vincenzo Alfieri, 2024), la indonesia Dendam malam kelam (Danial Rifki, 2025) y la tal vez más destacable, la surcoreana El cuerpo (2018), si bien no tan desarrollada como la original, sí que mantiene un atrapante nivel de intriga.


EL CUERVO (The crow, Rupert Sanders, 2024)



Un guitarrista de rock regresa de la muerte acompañado de un cuervo, para vengarse de los que le asesinaron a él y a su novia. Este es el planteamiento del cómic creado por James O’Barr, y que Alex Proyas convirtió en una fascinante obra de ambientes góticos y planificación visual efectista y efectiva titulada El cuervo (The crow, Alex Proyas, 1994), con el malogrado Brandon Lee en el papel protagonista. Después, el Cuervo siguió en el cine eliminando a sujetos peligrosos, siendo notables las escenas de acción de la segunda entrega, El cuervo: Ciudad de ángeles (The crow: City of angels, Tim Pope, 1996), protagonizada por Vincent Pérez. Le seguirían El cuervo: Salvación (The crow: Salvation, Bharat Nalluri, 2000), con el protagonismo de Eric Mabius y donde lo único destacable es la presencia de Kirsten Dunst, y El Cuervo 4: La plegaria maldita (The Crow: Wicked prayer, Lance Mungia, 2005), contando con Edward Furlong en el personaje principal. También cabe mencionar la serie de televisión El cuervo (The crow: Stairway to heaven, Bryce Zabel, 1998-1999), con Marc Dacascos de protagonista.

La obra de O’Barr fue nuevamente adaptada a la pantalla grande en 2024, esta vez de manera horrible, cuya pésima dirección opta por concentrarse en tomas artísticas de violencia gráfica que no dejan espacio para la esencia de la trama. Solo la salva de la quema el buen trabajo de Bill Skarsgard, interpretando a un alma pura pero torturada.

Como curiosidad, decir que existen otras dos adaptaciones de la historia, la desconocida Wings of the crow (Jack Williams, 2000), protagonizada por Jamie Taylor, y la inevitable versión india -imitación, mejor dicho- del éxito occidental de turno, Haya: The murder (Kader Kashmiri, 2004).​

 

[Soichiro]

EL GRINCH (The Grinch, Scott Mosier y Yarrow Cheney, 2018)



Famosa -al menos en Estados Unidos- novela ilustrada y escrita por Dr. Seus, “Cómo el Grinch robó la Navidad” nos relata la historia del Grinch, criatura peluda, verde, gruñona y solitaria que decidirá frustrar los planes navideños de los habitantes del cercano pueblo de Villa Quién en Nochebuena. Una primera adaptación fue el telefilme animado El Grinch (How the Grinch stole Christmas!, Ben Washam y Chuck Jones, 1966), todo un clásico navideño que no cae en la sensiblería y sabe transmitir su mensaje, con un Grinch con las alocadas cualidades de Bugs Bunny -no en vano, dirige Chuck Jones-, una música ingeniosa y una animación excelente, sin olvidar la narración y la voz para el protagonista de Boris Karloff, en una historia dulce, conmovedora y sencilla.

Luego el personaje protagonizaría una precuela, Halloween is Grinch night (Gerard Baldwin, 1977), y un crossover con otro personaje de Dr. Seuss, The Grinch grinches the Cat in the Hat (Bill Perez, 1982), ambos también telefilmes animados. Aunque quizá su adaptación más conocida sea la película de imagen real El Grinch (How the Grinch stole Christmas, Ron Howard, 2000), escorada hacia el clásico éxito prefabricado con vistas a la temporada navideña, así como acomadada a la personalidad actoral de Jim Carrey, encarnando al protagonista. Por lo demás, cae en todas las trampas que había sorteado el telefilme de 1966, o sea, es un engendro millonario insufriblemente meloso y que estira la escueta trama hasta la náusea.

En 2018 la productora Illumination se decidió a realizar una tan divertida como predecible nueva versión en dibujos animados, con Benedict Cumberbatch poniéndole la voz al personaje principal. Antes dicho personaje ya había regresado a la animación en la película para vídeo El Grinch (How the Grinch stole Christmas!, Ray Messecar, 1992), esta vez con Walter Matthau narrando y dando voz al protagonista.

Y, en fin, la popularidad del personaje le ha hecho protagonizar toda clase de homenajes, variantes, desmitificaciones y parodias, habitualmente en formato de cortometraje, aunque también tenemos curiosidades como el telefilme The Grinch musical! (Julia Knowles, 2020), filmación de la obra musical homónima, y el largometraje de terror The mean one (Steven LaMorte, 2022), con David Howard Thornton como un sangriento Grinch.

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EL REY MONO (The monkey king, Anthony Stacchi, 2023)

“Viaje al Oeste” es una novela china escrita en el siglo XVI y atribuida a Wu Cheng’en. En ella, Buda le encarga al monje Tripitaka viajar a la India, acompañado de tres protectores: el rey mono Sun Wukong, el cerdo antropomorfo Zhu Bajie y el kappa Sha Wuing. Considerada una de las grandes novelas de la literatura china y una de las obras literarias más populares del sudeste asiático, no es de extrañar que haya tenido infinidad de adaptaciones cinematográficas y televisivas -además de teatrales y musicales-, sobre todo en China y Japón. No voy a aburriros mencionándolas todas, así que haremos una pequeña lista de algunas de las más conocidas:

-Pan si dong (Duyu Dan, 1927), película muda china que pasa como la primera adaptación de la que se tiene constancia, aunque solo se basa en un capítulo de la novela;

-Alakazam el grande (Saiyûki, Daisaku Shirakawa y Taiji Yabushita, 1960), película animada japonesa basada en una adaptación en cómic de Osamu Tezuka;

-Saiyûki (1978-1980), tal vez la más popular de las series japonesas que han tratado el tema;

-Xi you ji (1986, 1988, 2000), quizás la más famosa de las series chinas que han adaptado la historia;

-Doraemon y el viaje a la antigua China (Doraemon: Nobita no parareru saiyûki, Tsutomu Shibayama, 1988), con los protagonistas de la popular serie animada japonesa Doraemon, el gato cósmico (Doraemon, Fujio F. Fujiko, 1979-2005) viviendo su propia versión del relato;

-Journey to the West: Legends of the Monkey King (1999), serie animada coproducida entre Canadá y China;

-Saiyuki (Gensomaden Saiyûki, Hayato Date, 2000-2001, 2003-2004), anime basado en el manga de Kazuya Minekura;

-Saiyûki (Kensaku Sawada, 2007), película secuela de la serie Saiyûki (Yuji Sakamoto, 2006);

-Las nuevas leyendas de Mono (The new legends of Monkey, 2018-2020), serie coproducida entre Australia y Nueva Zelanda;

-A Korean odyssey (Hwayugi, 2017-2018), serie surcoreana que nos presenta una versión situada en época contemporánea;

-Monkie kid (Monkie kid, Simon Lucas, 2020-Presente), serie animada basada en una línea del juego de construcción Lego inspirada en la historia;

-El rey mono, última versión hasta la fecha, es una película animada que se centra en el carismático Mono y su mágico bastón de combate en una búsqueda de la victoria sobre cien demonios y un excéntrico Rey Dragón, acompañado de una joven aldeana llamada Lin. Con un buen desarrollo del personaje principal, sin embargo no logra encontrar el tono, dando la sensación de estar incompleta, de que podría haber dado para más. Es una de esas películas que deberían haberse limitado a un solo género y un solo grupo demográfico en lugar de intentar abarcarlo todo, acabando por indefinirse.

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EL VALET / EL APARCACOCHES (The valet, Richard Wong, 2022)

Autor de teatro, guionista y escritor, Francis Veber es todo un talento francés cuya aportación cinematográfica es trascendental en la comedia europea de los últimos cincuenta años. Muchas de las películas francesas que parten de sus guiones, ya sea escritos directamente para la pantalla, en colaboración con otros autores o adaptados de sus obras de teatro, han tenido remake estadounidense, como se puede comprobar en esta recopilación. Una de las últimas es la muy divertida El juego de los idiotas (La doublure, Francis Veber, 2006), con guion original de su director, donde un millonario casado contrata a un aparcacoches para que se haga pasar por la pareja de su amante, una top model, y así encubrir dicha relación.

No obstante, El aparcacoches es una de las pocas ocasiones en que la adaptación estadounidense resulta superior al original de Veber, dando un título sorprendentemente competente para ser una comedia romántica absurda y desenfadada, con un guion sólido y definitivamente teniendo más corazón y profundidad de lo esperado.

La historia también tuvo un par de versiones indias, tituladas Do knot disturb (David Dhawan, 2009) y Disco singh (Anurag Singh, 2014).

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EL CALLEJÓN DE LAS ALMAS PERDIDAS (Nightmare alley, Guillermo del Toro, 2021)

El callejón de las almas perdidas (Nightmare alley, Edmund Goulding, 1947) es un espléndido melodrama que sortea los tópicos al uso y elude la tentación maniqueísta, a partir de un planteamiento de ciertos puntos en común con El filo de la navaja (The razor’s edge, Edmund Goulding, 1946), previo encuentro entre el realizador y el actor Tyrone Power -aquí, por cierto, en una interpretación insólita y excepcional-. Centrado en la ambigua y atormentada personalidad de un embaucador, se permite identificar psicoanálisis con farsa de barraca de feria y dotar a la historia de amargas connotaciones sociales, amén de ofrecer un desenlace magníficamente impreciso. Uno de los filmes más atípicos de su género y del cine estadounidense de la década de 1940.

La nueva adaptación de la novela de William Lindsay Gresham, si bien logra un excelente trabajo visual y captar una melancólica y sombría atmósfera, además de contener unas actuaciones muy buenas de un estupendo reparto encabezado por Bradley Cooper, se resiente por sus autocomplacientes larga duración y ritmo lento, lo que acaba fastidiando la historia.

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EL COLOR PÚRPURA (The color purple, Blitz Bazawule, 2023)

En 1909, Celie, una joven afroamericana, es entregada en matrimonio por su padre abusivo a Albert, un granjero local que la trata con crueldad. Celie es temerosa de Dios y la liberación llega en forma de un cantante de jazz.

Una de las películas basadas en obras musicales a su vez basadas en filmes de culto de pocas décadas antes, las cuales empezaban a asomarse en el cine de la época, y de las que menos sentido tienen.

Basada en la novela de Alice Walker, El color púrpura (The color purple, Steven Spielberg, 1985), la película original, no es, obviamente, un musical con tanto canto y baile constantes entre escenas. Es muy superior a esta. La clasificaría entre las películas que no deberían ser rehechas y, definitivamente, no convertidas en musicales. Uno se siente desanimado repetidamente en medio de una escena seria donde todos se ponen a cantar y a bailar por todas partes. La música y el baile arruinan la película. Es una pena, porque los actores y actrices son excelentes y habrían tenido un desempeño mucho mejor sin la distracción constante de la música y los bailes. Esto no es una comedia. Es un drama serio. Pero es difícil tomársela en serio con todas las tonterías entre las escenas dramáticas. Una decepción de remake en absoluto recomendable.

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EL CUENTO DE LAS COMADREJAS (El cuento de las comadrejas, Juan José Campanella, 2019)

Un grupo de cuatro viejos amigos, compuesto por un director de cine, un guionista, una actriz y su esposo, comparten una gran casa en el campo. Su convivencia se ve amenazada por una joven pareja que, con astucia y engaños, intenta que vendan la casa para desarrollar su propio proyecto inmobiliario.

Nueva versión de la película también argentina Los muchachos de antes no usaban arsénico (José A. Martínez Suárez, 1976), esta con guion original del director y Augusto Giustozzi, que nos da un extraño, ingenioso y sarcástico, aunque no menos conmovedor, drama de humor negro sobre estrellas en decadencia, ancianos excéntricos y jóvenes estafadores, en una historia magistralmente elaborada, donde el tan elegante como decadente escenario es un protagonista más en los eventos que se desarrollan, en lugar de un simple telón de fondo, y con unas excepcionales actuaciones.

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EL CURANDERO (Znachor, Michal Gazda, 2023)

Drama cálido, encantador y maravilloso, en una historia conmovedora sobre el destino y el amor que supera todos los obstáculos, acerca de un cirujano antaño respetado que perdió la memoria, y que años después, pobre y aún con amnesia, se reencuentra con alguien de su pasado. Si bien no del todo versosímil, en cualquier caso los actores están geniales y la banda sonora es fabulosa, con algunos personajes que transmiten muchísimas emociones y sentimientos.

El original es la película Znachor (Michal Waszynski, 1937), clásico también polaco basado en una novela de Tadeusz Dolega-Mostowicz, y que tuvo un par de continuaciones tituladas Profesor Wilczur (Michal Waszynski, 1938) y Testament profesora Wiczura (Leonard Buczkowski, 1942), además de un primer remake llamado Znachor (Jerzy Hoffman, 1981).

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EL DIARIO DE GREG (Diary of a wimpy kid, Gino Nichele y Swinton Scott, 2021)

El dibujante y escritor Jeff Kinney se dedicó a contarnos en veinte novelas ilustradas -hasta la fecha- las peripecias diarias del antiheroico Greg Heffley, estudiante de secundaria que ilustra su caótica vida cotidiana en un diario. El éxito de estas motivó, naturalmente, una saga de películas en imagen real protagonizadas por Zachary Gordon como Greg e iniciadas con El diario de Greg (Diary of a wimpy kid, Thor Freudenthal, 2010), estupenda adaptación de la primera novela, una comedia cotidiano-infantil cuyo protagonista nos lleva a una montaña rusa de emociones, en una historia divertida, ingeniosa y cercana que conmueve y entretiene a la vez. Luego vendrían Diario de Greg 2: La ley de Rodrick (Diary of a wimpy kid: Rodrick rules, David Bowers, 2011) y Diario de Greg 3: Días de perros (Diary of a wimpy kid: Dog days, David Bowers, 2012). Esta trilogía cinematográfica tuvo su éxito, aunque se decidió dejarla aquí, más que nada por esa fastidiosa manía que tienen los niños de crecer. Sin embargo, cinco años después llegó una nueva entrega titulada Diario de Greg: Carretera y manta (Diary of a wimpy kid: The long haul, David Bowers, 2017), con un nuevo reparto encabezado por Jason Drucker como Greg, pero su fracaso comercial impidió la realización de más partes.

En 2021 la Disney tomó las riendas y se decidió por realizar una nueva adaptación de las novelas originales, esta vez en dibujos animados. Con la intención de trasladar al cine toda la saga literaria, de momento llevan tres títulos: El diario de Greg, El diario de Greg: La ley de Rodrick (Diary of a wimpy kid: Rodrick rules, Gino Nichele y Luke Cornican, 2022) y El diario de Greg en Navidad: Atrapados en la nieve (Diary of a wimpy kid Christmas: Cabin fever, Luke Cormican, 2023). Lamentablemente, estos nuevos “Diarios de Greg” no están a la altura de los de imagen real, resultando tan mediocres como olvidables.

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EL ESTALLIDO DE LA NOTICIA (Dhamaka, Ram Madhvani, 2021)

Un frustrado presentador de radio verá tanto peligro como oportunidad cuando recibe la llamada en directo de un terrorista... Desperdiciado argumento que podría haber dado para algo realmente bueno, sobre la falta de escrúpulos de los medios de comunicación para subir los índices de audiencia y de los presentadores para lograr prestigio, pero se queda en una intriga llena de confusiones y defectos. En fin, para quien le interese, se trata de una película india basada en otra surcoreana, Deu tae-ro ra-i-beu (Byeong-woo Kim, 2013), según guion de su director.

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EL EXPERIMENTO DE STANFORD / EL EXPERIMENTO (The experiment, Paul T. Scheuring, 2010)

La novela original de Mario Giordano “Das experiment Black Box” se inspiraba en el caso real de un experimento realizado en 1971 en la Universidad de Stanford, donde se seleccionaron 24 hombres para participar como guardias y prisioneros en un estudio psicológico que finalmente se salió de control. La escalada representada en la novela va más allá de los hechos reales que tuvieron lugar.

La primera versión cinematográfica es la película alemana El experimento (Das experiment, Oliver Hirschbiegel, 2001), una cautivadora intriga tan inquietante como entretenida, que, si bien no es el filme más profundo sobre la condición humana, como thriller es de primera clase, y que hace interesarte por el experimento real, del cual sigue el patrón básico, y preguntarte honestamente qué harías en una situación similar. Una obra coral donde todos los actores están bien elegidos y resultan convincentes.

La versión estadounidense no es ni de cerca tan buena como la original, pues, como casi siempre, se centra en actores de renombre -en este caso Adrien Brody y Forest Whitaker-, grandes peleas y buenos ángulos de cámara, dejando completamente de lado la caracterización y el desarrollo de los personajes, que son los elementos que definen esta historia. Como consecuencia, la película se siente extremadamente apresurada, no hay tensión real y carece de ese toque crudo que tenía la original. Con todo, aún resulta bastante disfrutable.

Una dramatización directa de la historia real es la estadounidense Experimento en la prisión de Stanford (The Stanford prison experiment, Kyle Patrick Alvarez, 2015), muy bien realizada, pero que se siente muy lenta y poco interesante si la comparamos con la película alemana.​

 

[Soichiro]

EL HOMBRE DE ACERO (Man of steel, Zack Snyder, 2013)



Por supuesto, un personaje tan icónico como Superman ha tenido diversas versiones en el campo de la animación y de la ficción televisiva, pero para no extendernos demasiado nos centraremos en su pase por el séptimo arte:

Tras los seriales Superman (Spencer Gordon Bennet y Thomas Carr, 1948) y Atom Man vs. Superman (Spencer Gordon Bennet, 1950), interpretados por Kirk Alyn, y la curiosa película de serie B Superman y los hombres topo (Superman and the mole-men, Lee Sholem, 1951), con la primera actuación de Georges Reeves como el superhéroe, la superproducción Superman (Superman, Richard Donner, 1978) se convirtió en todo un referente de hasta dónde podían dar de sí los efectos visuales, en una excelente obra con el entonces desconocido Christopher Reeve de protagonista. Con un envidiable sentido del ritmo y un malo de antología interpretado por Gene Hackman, el filme resultó uno de los acontecimientos cinematográficos de la década de 1970. Por fin la tira de cómic ideada por Jerry Siegel y Joe Suster tomaba vida propia hasta identificarse plenamente el personaje de las viñetas con el cinematográfico. Algo que continuó en la segunda parte de la saga, Superman II (Superman II, Richard Lester, 1980), con un impresionante duelo de seres con poderes en medio de Metrópolis.

La obsesión por lo cómico de su director se hace evidente en la tercera parte, Superman III (Superman III, Richard Lester, 1983), con un prólogo de antología que homenajea al cine mudo y un decepcionante desarrollo en el comportamiento de los malos encabezados por un desagradable Richard Pryor.

Su cuarta entrega, Superman IV: En busca de la paz (Superman IV: the quest for peace, Sidney J. Furie, 1987), producida por la nefasta Cannon, presentaba a Superman como paladín de la paz mundial, resultando de un patetismo sin precedentes en el cine moderno a pesar de la recuperación de Gene Hackman como el malvado Lex Luthor.

La resurrección del personaje en Superman returns: El regreso (Superman returns, Bryan Singer, 2006), con Brandon Routh en el papel protagonista y remitiéndose a las dos primeras entregas, no tiene más aliciente que el propio regreso del personaje al cine y el carácter mesiánico que se le da. Por lo demás, constituye el típico despropósito millonario amorfo y oportunista -los superhéroes empezaban entonces a pegar fuerte en la pantalla grande-.

Una nueva película de orígenes significó El hombre de acero, esta vez con Henry Cavill en el papel de Superman y con un tono más oscuro, rico e interesante, dando un trabajo realmente disfrutable que encaja a la perfección como representante del universo DC. Cavill siguió dando vida al personaje en los crossovers con otros superhéroes de la editorial Batman v Superman: El amanecer de la justicia (Batman v Superman: Dawn of justice, Zack Snyder, 2016) y Liga de la Justicia (Justice League, Zack Snyder, 2017).

A abril de 2025 estamos ante la expectativa del estreno de Superman (James Gunn, 2025), con David Corenswet como el nuevo rostro del hijo de Kripton.

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EL HOMBRE LOBO (The wolfman, Joe Johnston, 2010)

El mito del hombre lobo parte de una leyenda que tiene lugar cuando un hombre es mordido por un lobo, en algún lugar de Europa del Este, sufriendo una maldición que le hará convertirse en dicho animal durante las noches de Luna llena.

La primera vez que apareció en el cine fue a través de El lobo humano (Werewolf of London, Stuart Walker, 1935), producción de serie B de La Universal con Henry Hull como el primer licántropo del cine.

Después, la misma productora decidió sacar más colmillos en pantalla a través del actor Lon Chaney Jr., quien encarnó al hombre lobo Lawrence “Larry” Talbot en cinco ocasiones: El hombre lobo (The wolf man, George Waggner, 1941), con un guion original de Curt Siodmak; Frankenstein y el hombre lobo (Frankenstein meets the wolf man, Roy William Neill, 1943), La zíngara y los monstruos (House of Frankenstein, Erle C. Kenton, 1944), La mansión de Drácula (House of Dracula, Erle C. Kenton, 1945) y la paródica Contra los fantasmas (Abbott and Costello meet Frankenstein, Charles Barton, 1948). Luego, el actor volvería a ponerse en la piel de un licántropo en Face of the screaming werewolf (Jerry Warren, 1964).

Un magnífico remake de la primera película de la saga es El hombre lobo (2010), con Benicio del Toro como el nuevo Lawrence Talbot. Un filme que lo tiene todo: excelentes actores, excelente música, una ambientación y atmósfera fantásticas y excelentes efectos especiales. Simplemente genial.

Uno de los iconos del cine de terror clásico, la figura del hombre lobo ha tenido muchas otras incursiones en el cine. Ya a principios de los 60, en plena recuperación de monstruos clásicos a cargo de la productora Hammer, el peludo apareció en La maldición del hombre lobo (The curse of the werewolf, Terence Fisher, 1961), con Oliver Reed brincando por ahí; y en la bestia debe morir (The beast must die, Paul Annet, 1974). Otras versiones destacables son Aullidos (The howling, Joe Dante, 1981), que tiene su propia saga; Un hombre lobo americano en Londres (An American werewolf in London, John Landis, 1981), original mezcla de terror y surrealismo cómico; Miedo azul (Silver bullet, Daniel Attias, 1985), lamentable adaptación de una novela de Stephen King; Lobo (Wolf, Mike Nichols, 1994), con Jack Nicholson; Un hombre lobo americano en París (An American werewolf in Paris, Anthony Waller, 1997) y Hombre lobo (Wolf man, Leigh Whannell, 2025).

Aunque si hay una saga dedicada al personaje que no podemos dejar de lado es la interpretada por el español Paul Naschy como el trágico Waldemar Daninsky. Iniciada con La marca del hombre lobo (Enrique L. Eguiluz, 1968), a lo largo de siete películas estrenadas entre 1968 y 1996 -si no contamos la infantil Buenas noches, señor monstruo (Antonio Mercero, 1982) y la comedia Aquí huele a muerto: Pues yo no he sido (Álvaro Sáenz de Heredia, 1989)- el personaje no se arrugó ante nada, y, contra viento y marea, Naschy lo hizo suyo como nadie lo ha conseguido en la historia del cine, convirtiéndose merecidamente en un mito en determinados foros internacionales.

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LA VENGANZA DEL JINETE / EL JINETE DEL AMANECER (Dawn rider, Terry Miles, 2012)

Tras el asesinato de su padre, John Mason está dispuesto a poner el mundo patas arriba para encontrar al responsable. Lo que no sabe es que el asesino podría estar en su propia casa.

Bueno, ¿qué puedo decir de este western de venganzas? Pues que es lo que es. Lo más seguro es que su presupuesto se destinó a pagar los salarios de sus cuatro actores principales. Si hay algo que destacar es la siempre genial Jill Hennessy, que es lo mejor de la película. Por lo demás, un filme inverosímil e involuntariamente risible, con un muy poco convincente Christian Slater en el papel principal -la verdad es que nunca me ha gustado cuando pasó a interpretar personajes adultos-.

El original es el pequeño clásico El jinete del alba (The dawn rider, Robert N. Bradbury, 1935), protagonizada nada menos que por John Wayne, principal atractivo de un título mediocre pero entretenido, y cuyo argumento ya había sido tratado en los filmes A son of the plains (Robert N. Bradbury, 1931), con guion original de su director, y Jack el terrible (Galloping thru, Lloyd Nosler, 1931), y volvería a hacerlo en Western trails (George Waggner, 1938).

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NADA QUE ESCONDER / EL JUEGO (Le jeu, Fred Cavayé, 2018)

La película italiana Perfectos desconocidos (Perfetti sconosciuti, Paolo Genovese, 2016) es una comedia negra, muy bien escrita por el director, Filippo Bologna, Paolo Costella, Paola Mammini y Rolando Ravello, que nos plantea una pregunta realmente interesante: ¿Qué pasaría si un grupo de amigos que afirman conocerse a la perfección dejaran sus teléfonos móviles donde todos pudieran escuchar las llamadas y leer los mensajes? Sí. Un desastre.

La brillante idea inicial se desarrolla en un maravilloso crescendo que transforma rápidamente la situación de una agradable cena con viejos amigos en un sangriento campo de batalla que revela los secretos más oscuros. La película es a la vez divertida y dramática, al igual que el agridulce final. Gran reparto, buena dirección y buena fotografía.

El éxito en su país natal y la originalidad del argumento llamó la atención de muchas cineastas, llegando a la friolera de veinticinco remakes inmediatos a nivel internacional, a saber: en Grecia (2016), España -la estimable Perfectos desconocidos (Álex de la Iglesia, 2017), aunque solo es una copia casi línea a línea de la italiana-, Turquía (2018), India, en idioma kannada (2018), Francia -la absolutamente cautivadora El juego, tanto en guion, trama como actuaciones-, México -la decente Perfectos desconocidos (Perfectos desconocidos, Manolo Caro, 2018), con una buena trama y excelentes actuaciones-, Corea del Sur (2018), Hungría (2018), China (2018), Rusia (2019), Armenia (2019), Polonia (2019), Alemania (2019), Vietnam (2020), Japón (2021), Rumanía (2021), Eslovaquia-República Checa (2021), Israel (2021), Holanda (2021), Egipto-Emiratos Árabes Unidos-Líbano -la absurda, irreal, incómoda y vergonzosa Perfectos desconocidos en el Líbano (Ashab wala aaz, Wissam Smayra, 2022), sin ningún relieve-, Noruega (2022), Indonesia (2022), Islandia (2023), Dinamarca (2023) e India de nuevo, esta vez en hindi (2024).

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EL APOSTADOR / EL JUGADOR (The gambler, Rupert Wyatt, 2014)

Aunque claramente inspirada en la novela homónima de Fiódor Dostoievski, El jugador (The gambler, Karel Reisz, 1974), sobre la historia de un profesor enloquecido por su pasión por el juego, solo atribuye el origen de su argumento al guion de James Toback -quien pronto pasaría a la dirección-, en un drama criminal donde James Caan se enfrentó con uno de los personajes más complejos de su carrera.

Su remake de 2014, a pesar de ser un tanto tedioso, consigue ser un drama excelente que logra un desenlace muy satisfactorio, con un Mark Wahlberg genial en el papel protagonista.

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DESEO DE MATAR / EL JUSTICIERO (Death wish, Eli Roth, 2018)

El justiciero de la ciudad (Death wish, Michael Winner, 1974) fue la primera de muchas películas de la época que presentaban a ciudadanos, a uno u otro lado de la ley, dispuestos a terminar como fuese con el caos criminal que asola su ciudad. La mayoría eran subproductos fascistas que solo buscaban violencia gratuita y cuyo mensaje era el “ojo por ojo”. La película de Winner no es que se distancie mucho de esa tendencia, pero al menos cuenta con una dura y contenida interpretación de Charles Bronson en el papel protagonista y algunos momentos especialmente brillantes. A partir de la novela de Brian Garfield, narra la venganza llevada a cabo por el arquitecto Paul Keiser cuando unos delincuentes asesinan a su mujer -Hope Lange- y violan a su hija. Su abrumador éxito dio para cuatro secuelas, donde Bronson / Keiser seguiría cargándose a los indeseables de turno: Yo soy la justicia (Death wish 2, Michael Winner, 1981), con una factura impecable en cuanto a escenas de acción se refiere, un reparto bastante bueno -Vincent Gardenia, Jill Ireland, Dyan Cannon, Anthony Franciosa- y algunas frases destacables como la clásica “¿Crees en Dios? Pues ve a reunirte con él”; El justiciero de la noche (Death wish 3, Michael Winner, 1985), un bodrio sin nada positivo; Yo soy la justicia II (Death wish 4: The crackdown, J. Lee Thompson, 1987), donde la saga recupera cierto brío con el nuevo director; y Venganza personal (Death wish V: The face of death, Allan A. Goldstein, 1993), en la cual, por supuesto, no queda ninguna de las buenas ideas de antaño, y a Bronson se le notan los veinte años que habían pasado desde que exterminó malhechores por primera vez.

Bruce Willis fue el elegido para interpretar a Kelsey, ahora cirujano, en el remake de 2018 de la primera película, donde el tono y el mensaje se mantienen prácticamente iguales, sin esconder su fidelidad al original, pero eso no impide que su simple historia logre ser impactante, dando una película de acción urbana por encima de la media, con actuaciones decentes, buena fotografía, buen ritmo y una banda sonora a la altura.

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EL LLANERO SOLITARIO (The Lone Ranger, Gore Verbinski, 2013)

El personaje de “The Lone Ranger” -conocido en los países de habla hispana como “El Llanero Solitario”- apareció por primera vez en el serial radiofónico homónimo estrenado en 1933. Ya fuera creado por el dueño de la emisora, George W. Trendle, o por Fran Striker, guionista del serial, lo cierto es que gozó de un enorme éxito y no tardó en pasar al cine, en los seriales The Lone Ranger (John English y William Witney, 1938) y The Lone Ranger rides again (John English y William Witney, 1939), en el primero con Lee Powell como el protagonista y en el segundo con Robert Livingston en el mismo papel, y en ambos con Chief Thundercloud como su fiel ayudante el indio Tonto.

Aunque su versión más recordada, sobre todo en Estados Unidos, es la mítica serie televisiva El Llanero Solitario (The Lone Ranger, 1949-1957), con Clayton Moore como el protagonista y Jay Silverheels como Tonto, quienes también interpretarían dichos papeles en las películas El guardián enmascarado (The Lone Ranger, Stuart Heisler, 1956) y El Llanero Solitario y la ciudad perdida de oro (The Lone Ranger and the lost city of gold, Lesley Selander, 1958).

El personaje reapareció en La leyenda del Llanero Solitario (The legend of the Lone Ranger, William A. Fraker, 1981), patético western crepuscular con Klinton Spilsbury como el protagonista y Michael Horse como Tonto, mientras que un nuevo intento de resucitarlo en 2013, contando con Armie Hammer y Johnny Deep en los pepeles principales, no logró convencer a casi nadie, a pesar de ser una película sorprendente y encantadora, con sus dosis de acción y humor, una buena trama y un reparto genial.

Otros títulos televisivos fueron los telefilmes Return of the Lone Ranger (1961), episodio piloto de una serie que no llegó a realizarse, con Tex Hill de protagonista; y El Llanero Lolitario (The Lone Ranger, Jack Bender, 2003), con Chad Michael Murray y Nathaniel Arcand como el héroe y su ayudante respectivamente. Y no nos olvidemos de la series animadas, la emitida durante 1966-1968, y la producida por Filmation durante 1980-1982.

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EL MONJE (La moine, Dominik Moll, 2011)

La novela original de Matthew G. Lewis es un relato de terror gótico que nos narra la historia de un virtuoso monje que cede a sus impulsos lujuriosos, desencadenando una serie de acontecimientos que acabarán condenándole. El relato ha tenido tres adaptaciones cinematográficas, y ninguna muy afortunada que digamos:

-La coproducción entre Alemania, Francia e Italia El monje (Le moine, Adonis Kyrou, 1972), escrita por Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière, y realizada por el prestigioso crítico Adonis Kyrou. La falta de solvencia profesional del realizador, que se traduce en una puesta en escena particularmente mala, la mediocridad de la fotografía, la pobreza de medios y la inesperada contradicción entre la fidelidad al original y cierto propósito crítico determinan el penoso fracaso artístico que supone la película, comprensiblemente maldita.

-La coproducción hispano-británica El fraile (The monk, Francisco Lara Polop, 1990) ni denota una solvencia mínima en cuanto transposición literaria -casi todas las incidencias terroríficas de la novela son descartadas, y los elementos eróticos se reflejan con un recato ridículo-, ni posee categoría propia como película -personajes estereotipados, todos los tópicos acerca de la inquisición, interpretación desvaída, realización mecánica-.

-La hispano-francesa El monje (2011), por comparación, resulta la mejor, pese a que podría ser más interesante, en un relato apresurado y descuidado, teniendo su mayor virtud en la interpretación de Vincent Cassel.

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ASESINO EN CASA / EL PADRASTRO (The stepfather, Nelson McCormick, 2009)

Y más remakes de pequeños clásicos del terror de las décadas de 1970 y 1980 realizados durante la década de los 2000. En esta ocasión es de El padrastro (The stepfather, Joseph Ruben, 1986), escrita por Donald E. Westlake, donde, tras asesinar a su familia, un psicópata decide cambiar de personalidad y contraer matrimonio de nuevo... Una película de resultados muy discretos, que, no obstante, se acabó convirtiendo en filme de culto, con sus respectivas secuelas: El padrastro II (Stepfather II, Jeff Burr, 1989) y el telefilme El padrastro III (Stepfather III, Guy Magar, 1992).

Por su parte, el remake -¿o es reinicio?- de 2009 no tiene nada que no hayamos visto antes, y, la verdad, solo vale la pena por su descarado enfoque en la sensualidad que destila Amber Heard.

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EL PAÍS DE LOS SUEÑOS (Slumberland, Francis Lawrence, 2022)

“Little Nemo in Slumberland” es un gran clásico del cómic escrito y dibujado por Winsor McCay, que nos relata las fantáticas aventuras que vive en el País de los Sueños el niño titular una vez se ha ido a dormir. El propio McCay ya había realizado un cortometraje de animación titulado Little Nemo (J. Stuart Blackton y Winsor McCay, 1911). Sin embargo, el primer largometraje no llegaría hasta el estreno de la película animada coproducida entre Estados Unidos y Japón El pequeño Nemo (Little Nemo, Masami Hata y William Hurtz, 1992), una encantadora, imaginativa y sorprendente fantasía infantil, si bien en su recta final acaba resultando convencional y previsible.

El filme de imagen real El país de los sueños resulta una adaptación libre, pero se deja ver con agrado, sabiendo ser tan creativa como emocional, tan dulce como desgarradora, tan sentimental como un poco predecible. La actriz adolescente Marlow Barkley resulta agradable en el papel de una versión femenina de Nemo y Jason Momoa está gracioso en una versión radicalmente alterada de Flip.​

 

[Soichiro]

UN VECINO GRUÑÓN / EL PEOR VECINO DEL MUNDO (A man called Otto, Marc Forster, 2022)



Otto Anderson es un tipo gruñón que ya no encuentra propósito en su vida tras la pérdida de su esposa. Otto está dispuesto a acabar con todo, pero sus planes de escape se ven interrumpidos cuando una familia joven y llena de vida se muda a la casa de al lado, donde conocerá a la horma de su zapato en la ingeniosa Marisol.

Basada en una novela de Fredrik Backman, la película sueca Un hombre llamado Ove (En man som heter Ove, Hannes Holm, 2015), una conmovedora y divertida historia sobre el amor, la pérdida y la vida, es una obra maestra, por lo que era justo pensar que el remake estadounidense podría ser deficiente en comparación con la profundidad del original. Si bien la producción presenta un ligero e inevitable acercamiento a la idiosincrasia estadounidense, resulta un alivio que los temas clave se transmitan bien y que los ajustes para “americanizar” la historia se apliquen con delicadeza y coherencia a lo largo de toda la película.

Es evidente que Tom Hanks estudió la película original al detalle; realmente hace justicia a la esencia del personaje, apoderándose de él, pero demostrando ser consciente de la brillantez con la que Rolf Lassgard, el actor sueco original, había plasmado los matices de este singular anciano deprimido y cascarrabias.

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EL REY LEÓN (The lion king, Jon Favreau, 2019)

Uno de los hitos del resurgir artístico y comercial de las películas animadas Disney en los años 90, El rey león (The lion king, Rob Minkoff y Roger Allers, 1994), según un guion de Irene Mecchi, Jonathan Roberts y Linda Woolverton, nos cuenta la historia de Simba, un joven príncipe león que es expulsado de su manada por su cruel tío, quien afirma haber asesinado a su padre.

Como ocurrió con otras exitosas producciones animadas Disney, la película contó por esos mismos años con varios derivados, las películas para vídeo El rey león 2: El tesoro de Simba (The lion king II: Simba’s pride, Darrell Rooney y Rob LaDuca, 1998) y El rey león 3: Hakuna matata (The lion king 1/2, Bradley Raymond, 2004), y la serie La guardia del león (The lion guard, Ford Riley, 2015-2019). Antes ya se había estrenado la serie Timon y Pumba (Timon & Pumbaa, Bobs Gannaway y Tony Craig, 1995-1996, 1999), protagonizada por los dos personajes titulares.

El éxito que iban teniendo los remakes de las películas animadas de Disney motivó para la realización en 2019 de una nueva versión de El rey león en imagen real -bueno, en realidad los personajes están realizados en animación fotorrealista-, resultando preciosa visualmente, pero careciendo de más interés, con unos protagonistas a los que les falta emoción. Con todo, se hace preferible a otras nuevas versiones de clásicos Disney. Tubo una precuela titulada Mufasa: El rey león (Mufasa: The lion king, Barry Jenkins, 2024), que, sin ser nada espectacular, resulta divertida y emocionante, aunque, para estar dirigida por Jenkins, sabe demasiado infantil.

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NUESTRO SECRETO / EL SECRETO (Si j’étais toi, Vincent Perez, 2007)

Una drama fantástico bastante artificioso, pero que es fácil de pasarlo por alto porque se centra más en la relación entre los personajes que en el misterio o lo que sea del espíritu de una madre atrapada en el cuerpo de su hija. Es una película que vale la pena ver por las magníficas actuaciones de David Duchovny y, especialmente, de Olivia Thirlby, quien interpreta convincentemente a esta alma adulta atrapada en un cuerpo adolescente.

Se trata de una coproducción entre Canadá y Francia que versiona la película japonesa Himitsu (Yôjirô Takita, 1999), basada en una novela de Keigo Higashino y que ya tuvo una primera nueva versión en la serie homónima de la misma nacionalidad de 2010.

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SECRETOS DE UNA OBSESIÓN / EL SECRETO DE UNA OBSESIÓN (Secret in their eyes, Billy Ray, 2015)

Ray y Jess, dos agentes del FBI, son relevados de sus puestos cuando aparece asesinada la hija de ella. Trece años después, Ray encuentra por fin una pista para resolver el caso, lo que hará que salgan a la luz secretos del pasado a medida que se acercan a la escalofriante verdad.

Un remake bastante bueno, no tanto como la película original, la hispano-argentina, basada en una novela de Eduardo Sacheri, El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, 2009), sin su ritmo pausado, pero sigue siendo una película bien hecha y entretenida. Es bastante similar a la original, pero su duración más corta implica un ritmo más rápido, lo que le resta sustancia.

Lo que hace que valga la pena verla, incluso para quienes ya vieron la original, son las actuaciones. Cuenta con un reparto de primera, con unos Chiwetel Ejiofor y Julia Roberts especialmente buenos.

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EL SECUESTRO DE STELLA (Kidnapping Stella, Thomas Sieben, 2019)

Secuestrada en plena calle y retenida para pedir un rescate, una mujer atada y amordazada usará sus limitados poderes para desbaratar los planes cuidadosamente trazados de sus dos enmascarados secuestradores.

Película alemana cuyo desarrollo de la trama ya lo hemos visto mil veces. El guion es ingenioso y contundente, con algo de tensión aquí y allá, pero al final resulta soso y muy obvio, sin que haya nada realmente inesperado. Ciertos personajes no se entienden, al igual que cómo se llegó a la situación. Los agujeros argumentales son alarmantes, y nunca llegamos a sentir lástima por el personaje principal. Al final lo único que se siente es indiferencia.

Y si la comparamos con la película original no hay color: La desaparición de Alice Creed (The disappearance of Alice Creed, J Blakeson, 2009), escrita por su director, fue posiblemente la mejor película británica de aquel año. Al ser un filme de tres personajes, podría haber ido para un lado u otro, bien o mal. Por suerte, salió bien. El guion y la dirección son precisos, y los giros son muy sorprendentes. La película se ve favorecida, por supuesto, por las impresionantes actuaciones de los tres actores. Martin Compston interpreta a Danny, el más joven e inquieto de los dos secuestradores, que no es tan dulce como parece. Eddie Marsan como Vic, el secuestrador mayor, es cruel e inteligente. Y Gemma Arterton interpreta a Alice, la niña rica y mimada en el centro de todo el revuelo. En fin, un thriller conciso y recomendable, con excelentes actuaciones.

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EL TELÉFONO (Kol, Chung-Hyun Lee, 2020)

La película británica de terror sobrenatural The caller (The caller, Matthew Parkhill, 2011) es la adaptación cinematográfica del episodio “Rose”, con guion de Sergio Casci, perteneciente a la serie antológica Two lives (1998). La historia comienza con una joven que se está divorciando de su exmarido y se muda a un nuevo apartamento. Todo empieza bien, excepto que, mientras se está instalando, contesta al teléfono donde una mujer mayor pregunta por un hombre que no vive allí. A partir de ahí, se construye una relación telefónica entre esta anciana aparentemente inestable y una joven solitaria que atraviesa un divorcio difícil. Con el tiempo, comienzan a suceder cosas extrañas y la película da un giro aterrador, volviéndose extremadamente intrigante y terrorífica, a pesar de la ausencia de sangre y violencia gráfica. Una película absorbente y muy entretenida, con personajes complejos y numerosos giros.

Su remake surcoreano, El teléfono, es de esas películas que hay que aceptar tal como son y no intentar analizar sus defectos demasiado a fondo, para poder sumergirse en sus profundidades y reconocer que ciertos subgéneros aún pueden dar lugar a la originalidad, aunque uno se pueda sentir un poco defraudado cuando empiecen a aparecer los créditos finales.

También se realizó una versión china, The caller (Dickson Leung, 2024).

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EL TREN DE LAS 3:10 A YUMA / 3:10: MISIÓN PELIGROSA / 3:10 A YUMA: MISIÓN PELIGROSA / FUGITIVOS / EL TREN DE LAS 3:10 (3:10 to Yuma, James Mangold, 2007)

La película El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, Delmer Daves, 1957), basada en un relato de Elmore Leonard, es un western sólido e intenso, de lo mejor que el género alumbró durante los años 50 y que su director filmó. En ella, un granjero intentará entregar al más famoso pistolero del contorno, para prosperar mediante la recompensa que por él ofrecen.

Su inesperado remake se dedica a contemporizar de manera zafia ciertos aspectos de la historia y explicitar otros, lo que determina que suponga una fastidiosa decepción, además de difusa y ampulosa. Contiene un papel secundario de un Peter Fonda patético e innecesario.

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EL ÚLTIMO BESO (The last kiss, Tony Goldwyn, 2006)

El último beso (L’ultimo bacio, Gabriele Muccino, 2001), con guion de su director, fue uno de los mayores éxitos del cine italiano de entonces, por su modo agridulce de reflejar la cotidianidad de un grupo mixto de jóvenes. Fluctuando entre la espontaneidad y la insustancialidad, entre la veracidad y el estereotipo, supone, con todo, un trabajo respetable. Tuvo una secuela titulada Baciami ancora (Gabriele Muccino, 2010), una mirada a lo que ha sido la vida de los personajes diez años después.

El remake estadounidense sigue sin problemas la misma línea del filme original, siendo igual de entretenido, maduro y reflexivo que aquel, profundizando en las inseguridades de sus personajes, planteando preguntas interesantes e importantes sobre la pareja, y sin ofrecer respuestas ni resoluciones fáciles. Lo que ya es digno de destacar, porque, ¿cuándo fue la última vez que una película de Hollywood hizo eso?

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LAZOS PROHIBIDOS / EL ÚLTIMO VERANO (L’étè dernier, Catherine Breillat, 2023)

La película danesa Reina de corazones (Dronningen, May el-Toukhy, 2019), escrita por su directora y Maren Louise Käehne, es uno de los espléndidos thrillers dramáticos surgidos en los países escandinavos por esos años, sobre una abogada de éxito que pondrá en peligro su carrera y amenazará con destrozar a su familia al tener un aventura con su hijastro adolescente.

Un filme impactante y turbador, donde la aterradora dinámica de la protagonista está retratada de maravilla, algo de lo que no tiene nada que envidiar la versión francesa, El último verano, tan poderosa como la danesa, tanto en su forma como en su temática, si bien tirando más hacia el drama erótico.

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CHICAS PESADAS / CHICAS MALAS (Mean girls, Arturo Perez Jr. y Samantha Jayne, 2024)

Chicas malas (Mean girls, Mark Waters, 2004), basada en una novela de Rosalind Wiseman, es una de las comedias juveniles merecidamente más celebradas del cierto resurgir del género a principios de los años 2000, en un inteligentemente satírico reflejo de la vida de instituto y de la fauna que lo puebla, a través de una chica que antes estudiaba en casa y que ahora tendrá que enfrentarse a un centro de educación secundaria por primera vez.

Con un estupendo reparto encabezado por Lindsay Lohan y Rachel McAdams, su éxito daría para una secuela televisiva, Chicas malas 2 (Mean girls 2, Melanie Mayron, 2011), estúpida producción cuyos artífices no parecieron haber entendido en absoluto la original, y hasta una adaptación teatral musical, que es en la que se basó la nueva versión de 2024. Por desgracia, dicha versión resulta horrible, básicamente intentando ser como la primera película, pero sin originalidad ni creatividad, con unas actuaciones vergonzosas y una parte musical también dura de ver.​

 

[Soichiro]

ELSA Y FRED / ELSA & FRED (Elsa & Fred, Michael Radford, 2014)



Una película humana, encantadora, cálida, divertida, triste, inspiradora, entrañable, con muchísimas cosas buenas, y en especial la maravillosa química entre unos brillantes Christopher Plummer y Shirley Maclaine. Son magníficos juntos y exhiben un "algo" especial que va más allá de sus formidables talentos interpretativos individuales, dando vida a dos personajes magníficamente trabajados. Un filme tan entretenido como humano.

Y la película original, la hispano-argentina Elsa & Fred (Marcos Carnevale, 2005), escrita por el director, Lily Ann Martín y Marcela Guerty, no tiene nada que envidiarle, en una hermosa historia sobre un anciano retraído que experimentará la vida de nuevas maneras cuando empiece a pasar tiempo con la mujer de espíritu libre que tiene de vecina. Con unas actuaciones de primera de Manuel Alexandre y China Zorrilla, una película que te abre el corazón a una realidad en la que a pocos nos gusta pensar, en una viaje de alegría y felicidad por un mundo tan lleno de problemas.

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EMBRIÓN (Gonzalo López, 2008)

Extraña producción española, consistente en una drama claustrofóbico y con pinceladas de terror sobre un joven con un trauma sexual que secuestra a una chica que trabaja con él. Durante el secuestro, la tensión sexual y la violencia harán que ambos cambien su perspectiva sobre la vida.

Para mayor desconcierto, está basada en una película japonesa titulada Taiji ga mitsuryô suru toki (Kôji Wakamatsu, 1966), con guion de Yoshiaki Ôtani, una de las pioneras del exploitation nipón.

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EMMANUELLE (Emmanuelle, Audrey Diwan, 2024)

Durante los años 60, una misteriosa escritora llamada Emmanuelle Arsan publicó en Francia “Emmanuelle”, novela erótica de la que se editaron 500 ejemplares de forma clandestina, y que tuvo cinco continuaciones. Se trataba de seguir las andanzas sexuales de un personaje femenino llamado Emmanuelle y que vivía el amor libre de forma natural.

Para su adaptación al cine, Emmanuelle (Emmanuelle, Just Jaeckin, 1974), se optó por suavizar los textos y, en lugar de un filme pornográfico, nació así el género erótico. Su director supo con habilidad lidiar entre ambos bandos -el erótico y el porno-, y consiguió que el público aceptase este tipo de sexo elegante, mórbido y visual. Parte de este éxito hay que atribuírselo a la bellísima actriz holandesa Sylvia Kristel, cuyo personaje practica sexo de todas las formas posibles: en un avión, tras un sudoroso partido de squash, y en un bucólico descanso junto a Christine Boisson -quien se masturba con una foto de Paul Newman-. Es cierto que puede que la película se haya quedado algo envejecida, pero no deja de tener un encanto especial.

La inevitable continuación sobre este personaje, Emmanuelle 2: La antivirgen (Emmanuelle 2: L’antivierge, Francis Giacobetti, 1975), se encargó de eliminar la sensibilidad del original e ir directamente al grano con escenas tan contundentes como el inolvidable masaje tailandés que una chica le realiza a una orgásmica Sylvia Kristel. La película pone toda la carne en el asador y acaba resultando una orgía de pasión como nunca se había visto en pantalla anteriormente, y sin dejar de tener un toque muy elegante.

Por supuesto, el asunto daría todavía para Adiós, Emmanuelle (Goodbye, Emmanuelle, François Leterrir, 1977), lamentable historia con la que Kristel se retiraría momentáneamente del personaje. Ya sin ella, pues, todavía subsistieron: Emmanuelle 4 (Emmanuelle 4, Francis Giacobetti, 1983), con la apática rubia Mya Nygren; Emmanuelle 5 (Walerian Borowczyk, 1986), con Monique Gabrielle; Salvajemente tuya (Emmanuelle 6, Bruno Zincone, 1988), con Natalie Uher; y Emmanuelle 7 (Emmanuelle au 7ème ciel, Francis Leroi, 1993), con Sylvia Kristel volviendo al personaje.

La actriz lo interpretaría de nuevo, esta vez en su etapa madura recordando su libertina juventud, en una saga de seis telefilmes iniciados con Eternamente Emmanuelle (Éternelle Emmanuelle, Francis Leroi, 1993), siendo Marcela Walerstein la que daría vida a la protagonista de joven.

Y, en fin, de remakes más o menos oficiales de la primera película tenemos la alemana Myriam (Myriam, Andreas Katsimitsoulas, 1982), la española Las orgías inconfesables de Emmanuelle (Jesús Franco, 1982), la italiana Voglia di guardare (Joe D’Amato, 1986) y la nueva adaptación francesa de 2024 de la novela original, una buena actualización de la historia, con un tono elegante, al igual que la actriz protagonista, Noémie Merlant. Y aunque no traspasa los límites actuales del erotismo como sí hizo en su día el clásico de 1974, se abstiene conscientemente de caer en la vulgaridad, limitando la desnudez y el sexo a lo que le parece apropiado. Sin embargo, el viaje de Emmanuelle hacia la iluminación sexual podría haber tenido una narrativa más clara. A destacar la presencia de Naomi Watts, quien lamentablemente no participa en ninguna escena sexual.

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LÍNEA MORTAL: AL LÍMITE / ENGANCHADOS A LA MUERTE (Flatliners, Niels Arden Oplev, 2017)

Línea mortal (Flatlinders, Joel Schumacher, 1990), con guion original de Peter Filardi, estaba protagonizada por un grupo de estudiantes de medicina que emprenden un peligroso experimento para situarse en un estado de muerte clínica. Una idea válida, y elogiable, que arroja un balance decepcionante: orientación tontamente adolescente, estética de vídeo-clip, ideas sin desarrollar o malgastadas, pseudomisticismo, interpretaciones superficiales, ideología moralista... Resumiendo, buena parte de los defectos e inconvenientes del cine fantástico estadounidense del momento.

De su remake de 2017 poco o nada podemos decir: otro de tantos de principios del siglo XXI que nos hace preguntarnos qué ha sucedido con las ideas originales, o al menos con las perspectivas nuevas y frescas, y qué sentido tienen estas nuevas versiones que tratan al público de idiota, porque si es esto lo que ofrecen, para eso ya vemos la original.

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ESCUELA DE TONTOS / ESCUELA PARA IDIOTAS / ESCUELA DE IDIOTAS / ESCUELA DE PRINGAOS (School for scoundrels, Todd Phillips, 2006)

Un joven con poca suerte se matricula en un curso para ganar confianza y así conquistar a la chica de sus sueños. Las clases resultarán ser algo muy diferentes a lo que imaginaba cuando el joven descubra que su profesor tiene la mira puesta en la misma chica.

Tomad una película británica muy superior de los años 60, School for scoundrels (Robert Hamer, 1960), basada en una serie de novelas de Stephen Potter; reempaquetadla para el crédulo mercado estadounidense, añadidle chistes de caca, culo, pedo, pis con un pseudo Benny Hill aplastando testículos, y ahí lo tenéis. No hace falta pagar guionistas, solo importan las caras de siempre. Aquí no hay humor inteligente, ni estrellas del calibre de Alastair Sim o Terry-Thomas. Por favor, buscad la versión original; no paguéis por ver esta, que les anima a seguir. Y, por favor, señores norteamericanos, dejen de destruir el patrimonio europeo; busquen sus propias películas para arruinarlas. ¿Qué tal Lo que el viento se llevó (Gone with the wind, Victor Fleming, 1939) con Ben Stiller, Whoopie Goldberg y Angelina Jolie? Podrían reemplazar el incendio de Atlanta con un montón de chistes malos. Diablos, tengo que patentar esta idea. ¿Alguien se anima a financiarme?

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ESCUPO EN TU TUMBA / DULCE VENGANZA / ESCUPIRÉ SOBRE TU TUMBA (I spit on your grave, Steven R. Monroe, 2010)

La violencia del sexo (Day of the woman / I spit on your grave, Meir Zarchi, 1978), con guion de su director, tiene un impacto visceral descomunal. Sí, obviamente es una película de terror de bajo presupuesto, pero es impactante y desafiante a un nivel emocional profundo; desafía todo lo que crees saber sobre la humanidad, la justicia, la violencia, la venganza y la retribución.

Cualquiera que vea el filme con la mente abierta encontrará, sin duda, una película poderosa y llena de furia, que no hace prisioneros ni intenta ir a lo seguro para la seguridad y comodidad del público. Su propósito es impactar, horrorizar y provocar fuertes reacciones y debates. Estos son aspectos que tiene en común con su remake de 2010.

Si bien comparten la misma trama -sobre una bella y joven novelista de ciudad, interpretada por Sarah Butler en este caso, Camille Keaton en la original de 1978, que se retira a un lugar remoto para escribir su última novela y es atacada por una banda de delincuentes del pueblo, de quienes posteriormente se venga brutal, sangrienta y sistemáticamente-, el remake sigue siendo una película muy diferente. Está mucho mejor hecho, con mejores actuaciones, guion y dirección, y con mejores efectos especiales. Es una película menos cruda y áspera, pero, en cierto modo, un poco más disfrutable.

Para empezar, la original y su remake son, en gran medida, productos de su época; Meir Zarchi realiza una película que, si bien cuenta con un presupuesto extremadamente bajo y actores desconocidos, es cautivadora, desafiante e impactante para el momento en que se rodó.

En comparación, la película de Monroe no tiene el mismo impacto visceral que la original de Zarchi. Es cruda, brutal y desagradable; y, como la original, también dice algo sobre las víctimas y sus agresores. Pero como entonces las películas de terror se habían vuelto cada vez más sangrientas tras Saw (Saw, James Wan, 2004), Hostel (Hostel, Eli Roth, 2005) y sus imitadoras del subgénero "torture porn", la violencia aquí no resulta tan impactante. La película original se las arregla solo con su intensidad cruda, un elemento que se ve enormemente favorecido por su bajo presupuesto, que le da un aire casi documental. Su único inconveniente es la demasiado conveniente transformación de la protagonista de víctima a vengadora en un lapso de tiempo demasiado corto.

Por lo tanto, la versión de 2010 parece ajustarse más o menos a los estándares del cine de “torture porn”, con el personaje interpretado por Sarah Butler torturando a sus atacantes de formas elaboradamente espantosas antes de finalmente ejecutarlos. La única ventaja de esto es que transcurre un tiempo mucho más largo antes de que la protagonista obtenga su dulce venganza, lo que hace que sus acciones y su posterior transformación de víctima a vencedora sean un poco más creíbles.

En general, aunque el remake está mejor hecho y es más disfrutable, no llega al espectador con la misma intensidad que la original. Al ajustarse más a los estándares del terror contemporáneo, le resta impacto. Aun así, sigue siendo un remake valiente que no es una completa pérdida de tiempo -como lo son la mayoría de los remakes de películas de terror de los últimos veinticinco años-.

La película original tendría una tardía secuela, I spit on your grave: Deja vu (Meir Zarchi, 2019), con Camille Keaton recuperando su personaje, mientras que la nueva versión tendría dos, Escupiré sobre tu tumba 2 (I spit on your grave 2, Steven R. Monroe, 2013) y Escupiré sobre tu tumba 3 (I spit on your grave III: Vengeance is mine, Richard Schenkman, 2015), con nuevas historias de violación y venganza.

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ESTÁ VIVO (It’s alive, Josef Rusnak, 2009)

Estoy vivo (It’s alive, Larry Cohen, 1974) es un clásico del cine de terror a pesar de su escasez de medios -o precisamente por eso-, basado en un guion original de su director, acerca de un bebé mutante que se convierte en un asesino. Entre sus puntos más curiosos está el siniestro maquillaje del niño, la música de Bernard Herrmann y esa persecución final rodada con una simpática hestética de homenajes varios.

El propio Cohen se hizo cargo de sus dos secuelas: en Estoy vivo 2 (It’s alive II, Larry Cohen, 1978) eran tres los retoños homicidas, esta vez protegidos por un científico; mientras que en Estoy vivo 3: La isla de los condenados (It’s alive III: Island of the alive, Larry Cohen, 1988), el padre del niño mutante acude a la Corte Suprema de los Estados Unidos para que se reconozca el derecho de su hijo a comerse a la gente, al tiempo que el niño, tan feo como siempre, está encerrado en una isla con otros engendros de su especie, hasta que se cansan de contemplar siempre las palmeras y deciden regresar a la civilización para armar la bronca de costumbre.

La trilogía en sí resulta tan disparatada y trastornada que hasta tiene cierta gracia. Igual que el remake, que es tan alucinante, exagerado y disparatado como era de esperar, cuya única y principal razón para verlo es el festival de sangre que presenta, no habiendo mucho que destacar en cuanto a actuación ni a historia. Sin duda que los aficionados a las salpicaduras lo disfrutarán bastante.

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FAMA (Fame, Kevin Tancharoen, 2009)

Un grupo de jóvenes trata de abrirse camino en el mundo artístico, la música, la danza... y conseguir el romántico sueño de ser una estrella. Para ello deben luchar con la realidad que les rodea, muy diferente de sus sueños, y luchar, sin ceder un instante, por triunfar en su ciudad, la gigantesca Nueva York.

La película Fama (Fame, Alan Parker, 1980) impactó mucho en su momento. Tal vez la razón sea que la madurez artística de los jóvenes es mucho más grande que el simple despertar sexual. Está llevada por impulsos más profundos, y al ver el espectro -teatro, música, danza-, algunos de ellos no se satisfacen para todos.

El filme está excelentemente hecho. Tiene fantásticas canciones y muchas historias entrelazadas con personajes de los que aprendemos lo suficiente como para interesarnos. Lo que impulsa toda la aventura es la energía abierta y libre de los protagonistas. Cada uno de ellos rebosa de energía conectiva, asumiendo riesgos promiscuos que se mencionan varias veces en el guion. El número final es una de las experiencias más emocionantes con una escena musical.

Su éxito dio origen a la no menos exitosa serie Fama (Fame, Chistopher Gore, 1982-1987), la cual recoge todo el espíritu de su antecesora. Tuvo un fallido “spin-off” titulado Fama: Los Ángeles (Fame L.A., Richard Barton Lewis, 1997-1998).

Y luego tenemos el remake. Es igual de asombroso que el filme original. Comparte muchos de los puntos de la trama, a veces curiosamente transformados. Tiene protagonistas jóvenes, canciones, bailes, actuación, etc. Pero nada de lo que funcionó en la original funciona aquí. No se trata de un intento fallido; más bien, sus artífices decidieron deliberadamente una estrategia diferente.

Lo que sucedió aquí es que, en lugar de centrarse en los protagonistas, quiénes son y qué hacen, la película se centra en el espacio entre ella y los espectadores. Es la cámara la que tiene energía. Son las imágenes mismas las que tienen carácter. Es el ritmo de lo que se inserta. El anhelo reside en el deseo de entrar en la película. Es realmente asombrosa, no solo por la efectividad del cine, sino por la clara intención de transformar la energía del emisor en un contacto con el receptor.

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FLICKA (Flicka, Michael Mayer, 2006)

La novela de Mary O'Hara "My friend Flicka" es la base de esta maravillosa película familiar de transición a la edad adulta, que nos ofrece una visión positiva de una adolescente que se siente más feliz en el rancho familiar que en el internado donde estudia, donde parece estar fuera de lugar. Cuando regresa a casa conoce un caballo salvaje que le salva la vida, desarrollándose un vínculo entre la joven y el animal. Estupendas actuaciones, fotografía y banda sonora para una película muy recomendable para toda la familia, y que contó con un par de secuelas para vídeo, Flicka 2 (Michael Damian, 2010) y Flicka: Country pride (Michael Damian, 2012).

La novela original ya había sido llevada al cine en la película My friend Flicka (Harold D. Schuster, 1943), la cual tuvo las continuaciones Thunderhead, son of Flicka (Louis King, 1945) y Los verdes pastos de Wyoming (Green grass of Wyoming, Louis King, 1948). Y en televisión se estrenó la serie Mi amiga Flicka (My friend Flicka, 1956).

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FOOTLOOSE (Footloose, Craig Brewer, 2011)

A un apartado lugar de Texas, excesivamente puritano y acobardado por una moral tiránica, llega una mujer separada de su marido con su hijo adolescente, ambos de mentalidad bastante más abierta, sobre todo en lo referente a gustos musicales.

Aunque la nostalgia pueda nublar la memoria de algunos, Footloose (Footloose, Herbert Ross, 1983), escrita por Dean Pitchford, no es más que una divertida distracción acompañada de una banda sonora pegadiza que sigue siendo genial hoy en día. Es una película bastante tonta, pero con la ayuda del encanto y el carisma del Kevin Bacon de 1983, sigue siendo divertidísima. Sin embargo, al rehacerla para el público de 2011, parece que los autores se saltaron varios pasos.

Seré el primero en admitir que este remake tiene varias escenas divertidas y una coreografía de baile asombrosa. Pero ahí termina el disfrute. El resto de la película que rodea estas escenas es monótona y sin vida, avanza a paso de tortuga y se limita a seguir los pasos establecidos. Hay muy poca diversión, y si alguien se aventura a ver la película sin haber visto la original, podría preguntarse en primer lugar por qué se quiso rehacer. En lugar de intentar mejorar y hacer la trama menos absurda, los cineastas dejaron la esencia de la película exactamente igual. Simplemente cambiaron algunos rasgos de los personajes, cambiaron algunos diálogos subidos de tono, quitaron los tractores y añadieron autobuses escolares. Le quitaron toda la diversión, y lo que queda parece un simple proyecto que se desarrolló sin pensar en lo que el público podría percibir como realmente agradable. Peor aún, la banda sonora es totalmente olvidable, y la mayoría de las actuaciones aún más decepcionantes, a excepción de Miles Teller, quien desprende una energía inigualable, y que salva la película de ser la pésima farsa que debería ser.​

 

[Soichiro]

FRANTZ (Frantz, François Ozon, 2016)



Remordimiento (Broken lullaby, Ernst Lubitsch, 1932) es uno de los escasos dramas rodados por su director, en el que un padre de familia acoge a un ex combatiente tras la firma del armisticio, ignorando que fue él quien mató su hijo, según la obra de teatro “The man I killed” de Maurice Rostand. Un eficaz alegato antibelicista, en el que aparte de algunos toques sardónicos típicos de Lubitsch, surge también una mano sensible para el drama.

El francés François Orzon rodaría una nueva versión sin ser exactamente un remake, ya que narra la película desde una perspectiva diferente. Mientras Lubitsch toma como protagonista al joven ex soldado francés, Ozon le da el protagonismo a la prometida del alemán fallecido -interpretada magníficamente por Paula Beer-. Ozon también adopta una postura más compleja -aunque no necesariamente negativa- sobre el valor de las mentiras piadosas frente a la verdad, mientras que las escenas de su película que muestran la persistencia de un nacionalismo virulento son muy perturbadoras.

En todo caso, las dos perspectivas de esta historia sobre dos personas afectadas por la guerra que intentan rehacer su vidas resultan igual de válidas, e incluso complementarias.

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JUEGOS SÁDICOS / JUEGOS MACABROS / FUNNY GAMES (Funny games, Michael Haneke, 2007)

Dos jóvenes de buena presencia se introducen en el seno de una típica familia burguesa, de vacaciones en una finca junto a un lago...

La austríaca Funny games (Funny games, Michael Haneke, 1997) es una especie de slasher de autor, que pretende trascender las formas al uso de representar la violencia y el sadismo, y sin embargo resulta, a su manera, tan morbosa y complaciente como los peores subproductos de sangre y tripas. Todo un ejemplo modélico de pretenciosidad nociva.

El mismo director y guionista realizaría un remake para Estados Unidos, sin revelar otro objetivo que el comercial. Solo cambia algo la factura -planificación más refinada, iluminación mejor trabajada, intérpretes conocidos-, por lo demás en poco difiere.

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FURIA DE TITANES (Clash of the titans, Louis Leterrier, 2010)

Furia de titanes (Clash of the titans, Desmond Davis, 1980), con guion de Beverley Cross, fue la última película en la participó el adorable Ray Harryhausen, maestro donde los haya de los efectos especiales, un título decepcionante al desaprovechar su prometedor argumento -el relato mitológico sobre las peripecias de Perseo para hacerse con la cabeza de la Gorgona e impedir así que su amada Andrómeda sea sacrificada a una horrorosa entidad marina- en manos de un realizador muy mediocre, que carece del brío preciso para transformar el material que maneja en la excitante historia de aventuras fantástico-mitológicas de desear.

Con todo, aún resulta interesante si la comparamos con su horrible remake de 2010, donde lo peor son sus patéticos personajes. Tuvo una secuela más aceptable, Ira de titanes (Wrath of the titans, Jonathan Liebesman, 2012), ofreciendo escenas de acción emocionantes, pero aún perjudicada por una trama pobre y unos personajes débiles.


LA VIGILANTE DEL FUTURO / GHOST IN THE SHELL: VIGILANTE DEL FUTURO / GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA (Ghost in the shell, Rupert Sanders, 2017)​

El manga de Masamune Shirow nos sitúa en un futuro inmediato dominado por la informática, la cibernética y la alta tecnología, siguiendo las misiones de la mayor Motoko Kusanagi y demás miembros de la Sección Policial de Seguridad Pública nº 9, especializada en crímenes tecnológicos y ciberterrorismo.

Su éxito llevó a la producción de varias adaptaciones al campo de la animación japonesa, destacando la película Ghost in the shell (Kôkaku kidôtai, Mamoru Oshii, 1995), una de las cumbres del anime, revelando sin duda cierta originalidad -un cruce entre la literatura de Philip K. Dick y diversas corrientes filosófico-religiosas- y virtudes parciales, pero también resultando farragosa y reiterativa. De clara influencia en posteriores producciones occidentales de ciencia-ficción -sin ir más lejos, El quinto elemento (The fifth element, Luc Besson, 1997) y Matrix (The Matrix, Lana Wachowski y Lilly Wachowski, 1999)-, tendría una secuela inferior pero muy digna, titulada Ghost in the shell 2: Innocence (Innocence, Mamoru Oshii, 2004).

Su adaptación estadounidense a imagen real es la mejor de las varias que se realizaron por esos años de populares manganimes, resultando un título intenso, visualmente soberbio y fiel al original.

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GLORIA BELL (Gloria Bell, Sebastián Lelio, 2018)

El director Sebastián Lelio retoma su éxito cinematográfico hispano-chileno Gloria (Sebastián Lelio, 2013), escrito por él mismo, y nos presenta esta adaptación estadounidense, una historia tan compleja en cuanto a perspectivas psicológicas como simple en su argumento.

Gloria Bell -Julianne Moore- está divorciada, sola, tiene un aburrido trabajo en una aseguradora, con hijos que crecen lejos, y se encuentra frecuentando clubes de baile y bares. Anhela el romance y casi accidentalmente lo encontrará en Arnold -John Turturro-. Los problemas de la soledad y el envejecimiento cobran protagonismo, y si bien la historia es bastante optimista en la puesta en escena y extravagante en las escenas de sexo, el trasfondo es triste.

La historia se centra en los clubes nocturnos de Los Ángeles y el esplendor de Las Vegas, y la acción es ágil y bien enfocada, especialmente por Julianne Moore, quien demuestra su capacidad para interpretar este triste papel con credibilidad, realzando el impacto de la imagen de una mujer soltera, mayor, solitaria pero hermosa. No es una comedia, ofreciendo la película una perspectiva de un sector de la población que sigue buscando el amor esquivo.

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GODZILLA (Godzilla, Gareth Edwards, 2014)

La producción estadounidense Godzilla (Godzilla, Roland Emmerich, 1998) rescataba al entrañable monstruo japonés creado por Takeo Murato e Inoshiro Honda en la película Japón bajo el terror del monstruo (Gojira, Inoshira Honda, 1954), en la cual un gran animal prehistórico era descubierto y resucitado, sembrando el terror por la calles de Tokio. Las producciones Toho de Japón, repletas de una ingenuidad sin límites y muchos destrozos, adquirieron gran resonancia internacional con su máxima figura, Gojira -o Godzilla según traducción occidental-, en una saga alargada de películas destinadas a que Godzilla, convertido con el tiempo en un monstruo bueno que salva la Tierra, luchase contra otros bichos de dimensiones parecidas. Además de la ya mencionada Japón bajo el terror del monstruo, la serie inicial se compone de: El rey de los monstruos (Gojira no gyakunshuu, Motoyoshi Oda, 1955), King Kong contra Godzilla (King Kong tai Gojira, Inoshiro Honda, 1962), Godzilla contra los monstruos (Mosura tai Gojira, Inoshiro Honda, 1964), Godzilla contra Ghidorah, el dragón de tres cabezas (San daikaijû: Chikyû saidai no kessen, Inoshiro Honda, 1964), Los monstruos invaden la Tierra (Kaiju daisenso, Inoshiro Honda, 1965), El hijo de Godzilla (Gojira no musuko, Jun Fukuda, 1967), Invasión extraterrestre (Kaiju sohingeki, Inoshiro Honda, 1968), La isla de los monstruos (Gojira, Minira, Gabara: Ôru kaijû daishingeki, Inoshiro Honda, 1969), Hedora, la burbuja tóxica (Gojira tai Hedora, Yoshimitsu Banno, 1971), Galien, el monstruo de las galaxias, invade la Tierra (Gojira tai Gaigan, Jun Fukuda, 1972), Gorgo y Superman se citan en Tokio (Gojira tai Megaro, Jun Fukuda, 1974), Godzilla contra Cibergodzilla, máquina de destrucción (Gojira tai Meka-Gojira, Jun Fukuda, 1974) y Godzilla contra Mechagodzilla (Mekagojira no gyakushu, Inoshiro Honda, 1975).

Curiosamente, de 1984 a 1995 el monstruo volvió con renovadas energías y elaborados efectos visuales. Los títulos fueron: El retorno de Godzilla (Gojira, Koji Hashimoto, 1984), Godzilla contra Biollante (Gojira tai Biorante, Kazuki Omori, 1989), Godzilla contra King Ghidorah (Gojira tai King Gidora, Kazuki Omori, 1991), Godzilla contra Mothra (Gojira tai Mosura, Takao Okawara, 1992), Gojira tai Mekagojira (Takaro Okawara, 1993), Gojira tai Spacegojira (Kenshô Yamashita, 1994) y Gojira tai Desutoroiâ (Takao Okawara, 1995).

Todo ello hizo que los estadounidenses produjesen su visión del bicho en 1998, aunque tantos millones de dólares gastados fueron un absoluto fracaso de taquilla. Y es que lo que propone la versión de Emmerich es una exhibición sin límites de fuegos de artificio y monstruos por ordenador, que no engañaron a la concurrencia.

Luego, los japoneses volvieron a la carga con una nueva saga de películas iniciada con Godzilla 2000: Millennium (Gojira ni-sen millennium, Takao Okawara, 1999), a la que siguieron cinco más hasta 2004. En los últimos años hemos tenido Shin Godzilla (Shin Gojira, Hideaki Anno y Shinji Higuchi, 2016) y Godzilla minus one (Gojira -1.0, Takashi Yamazaki, 2023), sin olvidar tres filmes animados, uno de 2017 y dos de 2018.

En Estados Unidos nos sorprendieron recuperando la criatura para una saga de películas en donde volvía a su papel de salvador de la humanidad enfrentándose / asociándose a otros monstruos del bestiario cinematográfico japonés, siendo su primera aparición en el Godzilla de 2014, en una historia bastante floja y llena de clichés, destacando si acaso una atmósfera y una ambientación general bastante oscuras y amenazantes, y, por supuesto, los magníficos efectos especiales, todo lo cual sería una constante en dicha saga.

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GRADO 3 (Grado 3, Roberto Artiagoitía, 2009)

Comedia romántico-sexual coral de nacionalidad chilena que sigue las relaciones entre un hombre gay y su amiga, un matrimonio caído en la rutina, tres compañeros de piso, un par de ex amantes que se han reunido de nuevo y un abuelo que decide celebrar su cumpleaños en compañía de una atractiva joven. Se trata de una nueva versión de la película canadiense Young people fucking (Martin Gero, 2007), escrita por su director y Aaron Abrams.

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HABITACIÓN EN ROMA (Julio Medem, 2010)

A pesar de presentar una situación que podría resultar tediosa, inútil y sencillamente claustrofóbica —dos desconocidos teniendo sexo y conversando durante una sola noche en una habitación de motel barato—, la coproducción entre Alemania y Chile En la cama (En la cama, Matías Bize, 2005), con guion de Julio Rojas, triunfa por su autenticidad y su enfoque sin tapujos, arrojando luz sobre dos individuos diferentes y la dinámica entre hombres y mujeres. La película es sensual, divertida y conmovedora.

Los actores Blanca Lewin y Gonzalo Valenzuela ofrecen una actuación magistral como la pareja de veinteañeros que pasa más de 80 minutos prácticamente desnudos en la cama, mostrando mucho más que sus cuerpos. A través de sus relaciones sexuales y conversaciones desinhibidas, la película explora la posibilidad de la verdadera comunicación, la intimidad y la plenitud sexual entre perfectos desconocidos; el hecho de que quizá nunca se vuelvan a ver les permite ser ellos mismos. Desde el poderoso erotismo de su primer coito hasta los momentos incómodos que siguen, pasando por sus cómicos defectos de carácter y la intensidad de sus revelaciones al final de la noche, la película no juzga a sus personajes ni se deja llevar por ideas románticas arrogantes ni sentimentalismo barato. Su enfoque lúcido y realista proporciona la visión que mantiene nuestro interés.

Protagonizado por Elena Anaya y Natasha Yarovenko, su remake español Habitación en Roma resulta igual de profundo y cautivador, recuperando todo el espíritu del original y dando un filme muy relajante, muy sexual, muy erótico, muy interesante.

También se realizaría una versión brasileña titulada Entre lençóis (Gustavo Nieto Roa, 2008), con Reynaldo Gianecchini y Paola Oliveira en los papeles principales.

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HACHIKO 2: SIEMPRE A TU LADO / HACHIKO: UNA HISTORIA VERDADERA / HACHIKO (Hachiko, Ang Xu, 2023)

La historia real cuenta que Hachiko, un perro akita, había forjado un vínculo inquebrantable con su dueño, el profesor Hidesaburo Ueno, en Tokio, Japón. Todos los días, Hachiko acompañaba fielmente a Ueno a la estación de Shibuya por la mañana y lo saludaba a su regreso por la tarde.

La tragedia golpeó en 1925 cuando Ueno falleció inesperadamente en el trabajo. Sin saber del fallecimiento de su dueño, Hachiko continuó con su rutina diaria, esperándolo en el mismo lugar de la estación de Shibuya todas las tardes. Esta leal vigilia duró más de nueve años, hasta su muerte en 1935.

La primera dramatización cinematográfica de esta historia fue la película japonesa Historia de Hachiko (Hachikô monogatari, Seijirô Kôyama, 1987), que, con un guion original de Kaneto Shindô y sin ser una gran película, resulta muy conmovedora y triste, incluso deprimente y dolorosa, en su valiosa lección sobre la lealtad de los perros en el sentido más elevado. Le seguiría el remake estadounidense Siempre a tu lado: Hachiko (Hachi: A dog’s tale, Lasse Hallström, 2009), perfectamente a la altura de su antecesora, donde el director y el reparto desarrollan la historia excepcionalmente bien, manteniendo sorprendentemente fascinado al espectador desde el minuto uno. Finalmente tenemos la versión china de 2023, tan conmovedora como las anteriores, explorando igual de bien la inquebrantable devoción de los perros por sus dueños.

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HAIRSPRAY (Hairspray, Adam Shankman, 2007)

Hairspray (Hairspray, John Waters, 1988) es la clásica extravagancia, peor o mejor resuelta, de su inefable director, igualmente guionista e intérprete de un personaje secundario. En este caso, conjuga, con desigual fortuna, el costumbrismo adolescente y la crítica social, a través de una historia ambientada en Baltimore a principios de los 60, donde una rebelde adolescente intentará ganar el codiciado título de “Miss Auto Show” mientras lucha contra la discriminación racial.

En todo caso, con sus defectos y limitaciones, la película brinda una personalidad fílmica y una gracia maliciosa que no se manifiestan por parte alguna en la versión de 2007, basada en la comedia musical de Broadway inspirada en el filme de Waters. Salvan la función, dentro de lo que cabe, Michelle Pfeiffer y Christopher Walken.

El musical volvería a ser adaptado en el telefilme Hairspray: El musical (Hairspray live!, Alex Rudzinski y Kenny Leon, 2016).​

 

[Soichiro]

HALLOWEEN: EL COMIENZO / HALLOWEEN: EL INICIO / HALLOWEEN: EL ORIGEN (Halloween, Rob Zombie, 2007)



La iniciada con el clásico La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1978) es una de las sagas de terror más rentables de todos los tiempos, que proviene de un sencillo guion original de John Carpenter y Debra Hill acerca de un asesino múltiple con una máscara blanca llamado Michael Myers que, aprovechando la fiesta de Halloween y armado con un cuchillo, iniciaba una peculiar carrera de crímenes.

Sus traumas familiares y otras exquisiteces se irían conociendo a lo largo de -por ahora- trece títulos, que abarcan nada menos que 44 años -y ni por él ni por Jamie Lee Curtis parece pasar el tiempo- y están agrupados en cuatro líneas temporales, entre ellas el díptico formado por el remake de la primera película titulado Halloween: El origen y su secuela Halloween II (Halloween II, Rob Zombie, 2009). Una nueva versión que no se encuentra entre las partes de la franquicia más apreciadas por los fans, más que nada porque su director, Rob Zombie, hizo su personal visión de la historia, como si la original de Carpenter nunca hubiera existido. En cualquier caso, este remake cuenta con una gran trama, que profundiza en la vida anterior y las motivaciones del asesino, nos regala unas geniales escenas de muertes violentas y un Myers que esta vez sí da miedo de verdad, además de un gran final inesperado.

Hay que comentar que la tercera, Halloween III (Halloween III: The season of the witch, Tommy Lee Wallace, 1983), no tiene nada que ver con esta trama asesina, sino que era una curiosa historia sobre un juguetero que pretendía abducir la mente de la gente por medio de mensajes subliminales televisivos.

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HARA-KIRI: MUERTE DE UN SAMURÁI (Ichimei, Takashi Miike, 2011)

Una historia de venganza, honor y desgracia, centrada en un samurái que descubre el destino de su yerno ronin, lo que desencadena un tenso enfrentamiento de venganza contra la casa de un señor feudal.

El cine japonés solía ser mucho más potente en el pasado. Este remake de la obra maestra clásica Harakiri (Seppuku, Masaki Kobayashi, 1962), basada en la novela “Ibun rônin ki” de Yasuhiko Takiguchi, es mucho peor en muchos aspectos. Suaviza la crítica a la autoridad, que es la esencia de la película original. La historia principal es exagerada y no aporta gran cosa. Lo nuevo en esta versión casi es inexistente, salvo una estructura algo más simple. La actuación también es mejor en la original. Pero lo más molesto es que faltan algunos puntos sutiles clave en esta versión, casi como si no se hubieran comprendido, o peor aún, como si se quisiera encubrir la hipocresía de las autoridades, tan bien reflejada en la original. Es una versión mucho menos impactante de la historia; carece de la autenticidad que Kobayashi dio en sus comentarios de la época.

Uno de los peores y menos justificados remakes. Una decepción viniendo de un director que tuvo mejores días, y sobre todo de una cinematografía que parece cansada, superada por la de Corea del Sur, y también por la de China en cierta medida.

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HASTA QUE LA BODA NOS SEPARE (Dani de la Orden, 2020)

La película francesa La wedding planner (Jour J, Reem Kherici, 2017), escrita por su director, Philippe Lacheau y Stéphane Kazanfjian, es una comedia desenfadada y sorprendentemente grata acerca de una joven que encuentra la tarjeta de presentación de una organizadora de bodas en el bolsillo de su novio, asumiendo que este está planeando una propuesta de matrimonio y acepta al instante. Sin embargo, la tarjeta era en realidad de la amante del novio, quien ahora está contratada para organizar una boda no deseada.

El remake español, Hasta que la boda nos separe, es igualmente disfrutable, sin caer en la cursilería y con unos personajes divertidos y simpáticos, hilarantemente atrapados en incómodas situaciones.

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HAZME VOLAR (Envole-moi, Christophe Barratier, 2021)

Thomas es un treintañero que se pasa las noches de club en club y los días durmiendo, hasta que su padre, el Dr. Reinhard, cansado de su actitud, decide obligarlo a cuidar a uno de sus jóvenes pacientes. Marcus tiene doce años y vive solo con su madre. Desde su nacimiento, padece una grave enfermedad que marca sus días, entre el centro de acogida donde va, la escuela y las repetidas estancias en el hospital. Este encuentro trastocará la vida cotidiana de ambos y, sencillamente, les cambiará la vida.

Conmovedora y hermosa comedia dramática francesa, nueva versión de la alemana Un corazón extraordinario (Dieses bescheuerte herz, Marc Rothemund, 2017), otra asombrosa historia sobre la amistad y el cuidar a alguien, basada en el libro autobiográfico de Daniel Meyer y Lars Amend.

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HELLRAISER (Hellraiser, David Bruckner, 2022)

La saga “Hellraiser” está basada en una historia de Clive Baker en la cual demonios del infierno, los llamados “cenobitas”, regresan a la Tierra para crear un caos considerable.

La primera entrega, Hellraiser: Los que traen el infierno (Hellraiser, Clive Baker, 1987), está cercana a la obra maestra, destacando el maquillaje de los demonios y, sobre todo, esa asombrosa Clare Higgins asesinando a los hombres a martillazo limpio para atrapar su energía vital con que resucitar a su amante. La segunda y tercera parte, Hellbound: Hellraiser II (Hellbound: Hellraiser II, Tony Randell, 1988) y Hellraiser III (Hellraiser III: Hell on Earth, Anthony Hickox, 1992), contienen buenos momentos de terror. A partir de aquí, la mayoría fueron pobres producciones para vídeo de las que más vale olvidarse: Hellraiser 4: El final de la dinastía sangrienta (Hellraiser: Bloodline, Kevin Yagher, 1996), Hellraiser: Inferno (Hellraiser: Inferno, Scott Derrickson, 2000), Hellraiser: Hellseeker (Hellraiser: Hellseeker, Rick Bota, 2002), Hellraiser: Deader (Hellraiser: Deader, Rick Bota, 2005), Hellraiser: Hellworld (Hellraiser: Hellworld, Rick Bota, 2005), Hellraiser: Revelations (Hellraiser: Revelations, Víctor Garcia, 2011) y Hellraiser: Judgement (Hellraiser: Judgement, Gary J. Tunnicliffe, 2018).

El remake de 2022 es sangriento, tiene muchos efectos especiales, una escenografía magnífica y cierta atención al detalle; el problema es que resulta un producto superficial, insustancial y sin vida, sin las capas ni la profundidad al tratar la naturaleza humana de la película original. Ni siquiera es interesante desde la perspectiva de la historia. Solo es una película de terror común y corriente, con cenobitas persiguiendo personajes vacíos por el bosque.

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HERMANAS / HERMANAS DIABÓLICAS / HERMANAS DE SANGRE (Sisters, Douglas Buck, 2006)

Filme de horror de abierta inspiración hitchcockiana -música de Bernard Herrman, además-, Hermanas (Sisters, Brian de Palma, 1972) nos habla de una joven que fue separada de su hermana siamesa en el momento de nacer y que ahora se ve imbuida por el espíritu de aquella, ya fallecida, pasando a cometer todo tipo de crímenes. La película significó la revelación internacional del progresivamente mediocre director Brian de Palma, también guionista junto a Louisa Rose.

Pese a que al principio parecía que iba a ser un buen thriller de misterio y terror lento e interesante, su remake de 2006 acaba resultando tan decepcionante como patético. No es de extrañar que tardara tanto en estrenarse.

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PACTO SECRETO / SECRETO DE SANGRE / HERMANDAD DE SANGRE (Sorority row, Stewart Hendler, 2009)

Siete mujeres atrapadas (The house on sorority row, Mark Rosman, 1981), con guion de Bobby Fine y el director, es un discreto filme de terror estadounidense de serie B, donde el grupo de alumnas que estuvo implicado en una broma macabra gastada a la directora del centro van pereciendo asesinadas. Una más del entonces en alza subgénero slasher.

Con su trama excesivamente absurda, un asesino desquiciado armado con un arma particularmente poco práctica, escenas de muerte exageradas, una cuota desmesurada de chicas tetonas maleducadas -incluyendo a la obligatoria nerd sexy- y sus novios igualmente desagradables, y una buena dosis de desnudez gratuita, estoy bastante seguro de que su nueva versión de 2009 pretendía parodiar los innumerables y estúpidos remakes de películas de terror para adolescentes que arruinaron el género en los años 2000. Sin embargo, parece que su propósito puede haber pasado desapercibido para muchos espectadores, quienes parecen haber confundido la explotación deliberada de estereotipos del género y el uso excesivo de clichés absurdos con un ejemplo de mala cinematografía. Y es una pena, porque sabiendo que gran parte de la aparente mediocridad de la película es intencional, uno puede divertirse bastante con Hermandad de sangre, observando los intentos deliberados de los creadores por ridiculizar las convenciones más absurdas del slasher, a la vez que se deleita con la violencia brutal y se come con lascivia a las numerosas chicas atractivas. No es un filme brillante -si lo fuera, el contenido paródico habría sido obvio para todos-, pero no es ni de lejos tan terrible como muchos podrían hacer creer.

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EL MUNDO DE LOS OLVIDADOS / HIDE AND SEEK (Hide and seek, Joel David Moore, 2021)

Noah, quien busca reconectar con su hermano marginado tras la muerte de su padre, espera enmendar la situación y compartir la fortuna familiar, pero en cambio se encuentra en un oscuro submundo que amenaza con destrozar a su familia. Mientras lucha por mantener la cordura, Noah es guiado por un aterrador camino hacia la verdad a través de una serie de pistas crípticas.

Extraña y pésima intriga llena de cabos sueltos y cosas sin sentido. Una verdadera lástima, porque podría haber sido algo bueno. Es una nueva versión de la película surcoreana Sum-bakk-og-jil (Jung Huh, 2013), escrita por su director, que ya tuvo un primer remake en la producción china Zhuo mi cang (Jie Liu, 2016).

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ICEMAN (Gap tung kei hap, Wing-Cheong Law, 2014)

Espadas a través del tiempo (Gap tung kei hap, Clarence Fok, 1989) es una de las joyas del cine de artes marciales de Hong-Kong, una historia de acción, fantasía y viajes en el tiempo escrita por Johnny Mak y Stephen Siu, bellamente filmada y coreografiada. En ella tenemos a un guardia de palacio de la dinastía Ming que retoma en el siglo XX la persecución de un cruel asesino, después de que sus cuerpos, durante mucho tiempo envueltos en hielo, se descongelan.

Sin embargo, la nueva versión resulta sumamente deficiente, con una historia terrible y carente por completo de sentido, sin explicar adecuadamente la lógica tras los orígenes y motivos de los personajes, lanzándose directamente a las partes esenciales extraídas de la película original, todo rematado por mucho humor absurdo y actuaciones incoherentes, sin lograr equilibrar la seriedad y la comedia -algo que sí consigue Espadas a través del tiempo-, y quedando un producto de narración confusa y reiterativa. Su único punto fuerte son las coreografías de acción, creativas y filmadas excepcionalmente bien. Pero no son suficientes para sostener la película.

Tiene una secuela titulada Bing feng: Yong heng shi men (Wai-Man Yip, 2018).

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LOS INFILTRADOS / INFILTRADOS (The departed, Martin Scorsese, 2006)

Asombroso y fantástico thriller, intenso, trepidante, crudo y violento, que no se detiene ni un segundo. En él, la policía de Boston intenta desmantelar al jefe de la mafia, Frank Costello. Billy Costigan se infiltra para intentar atraparlo desde dentro, pero sus acciones son contrarrestadas por Colin Sullivan, un criminal infiltrado en la policía, quien le entrega información a Costello. Con unas secuencias de acción tremendas, unas pinceladas de humor sutil y un reparto que está absolutamente genial -Jack Nicholson, Matt Damon, Leonardo DiCaprio, Ray Winstone...-, una de esas películas que mejoran a cada visionado.

Es un remake de la película honkonesa Juego sucio (Mou gaan dou, Alan Mak y Andrew Lau, 2002), escrita por Alan Mak y Felix Chong, aunque también toma partes de las secuelas Juego sucio 2 (Mou gaan dou II, Alan Mak y Andrew Lau, 2003) y Juego sucio 3 (Mou gaan dou III: Jung gik mou gan, Alan Mak y Andrew Lau, 2003), trilogía fresca y estimulante, formando unos thrillers melancólicos, elegantes y llenos de tensión, al mejor estilo de la nacionalidad.

Otros remakes fueron la surcoreana Yugamseureoyun doshi (Kim Dong-won, 2009) y el telefilme japonés Double face: Sen’nyû sôsa hen (Eiichirô Hasumi, 2012).​

 

[Soichiro]

INSTINTO SATÁNICO / TERROR EN LA OSCURIDAD / INSIDE (Inside, Miguel Ángel Vivas, 2016)



Durante su último mes de embarazo, la joven Sarah sufre un terrible accidente automovilístico que le cuesta la vida a su esposo. Viuda, sola y emocionalmente traumatizada, Sarah está a punto de pasar su primera Nochebuena tras el terrible incidente sin sus seres queridos; cuando, de repente, un golpe a la puerta en medio de una noche lluviosa provocará un asalto a su hogar de pesadilla. Ahora, una obsesiva mujer vestida de negro quiere algo preciado de ella, empeñada en conseguirlo a toda costa. ¿Podrá Sarah sobrevivir a esta sangrienta noche de terror?

Bueno, si la película original, la francesa Al interior (À l’intérieur, Alexandre Bustillo y Julien Maury, 2007), escrita por sus directores, nunca hubiese existido, la aquí comentada podría considerarse una película loca, divertida y exagerada. Sin embargo, la original sí existe y este remake hispano-estadounidense es simplemente triste. El nivel de terror y sorpresa es muy superior en la original y realmente es mucho más recomendable. Pero si nunca has visto la primera versión, puede que encuentres un poco de placer culpable en este remake lamentablemente poco elaborado.

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ENTREVISTA / INTERVIEW (Interview, Steve Buscemi, 2007)

Steve Buscemi interpreta a un arrogante periodista político que recibe una misión trivial: entrevistar a una celebridad de telenovelas y películas de serie B -Sienna Miller-. Es grosero desde el principio, pero gracias a su aspecto de abuelo y a su ingenio sarcástico y autocrítico, posee un encanto especial que resulta divertido de ver. Es un personaje que nos encanta odiar, y eso es lo que hace que esta película funcione.

Sienna Miller está bien elegida para interpretar a la estrella joven conocida por sus amoríos y su busto más que por su talento. Sin embargo, se muestra inteligente y bondadosa, por lo que, una vez más, nos encariñamos rápidamente con su personaje, a pesar de ser un cliché de Hollywood.

Lo que sigue, en una obra minimalista y teatral, es la tórrida lluvia de bromas de amor-odio entre estos dos egos, cada uno buscando dominar al otro. Si te gustan los personajes, te espera una aventura divertida y a veces llena de suspense. Si no te gustan, entonces puedo imaginar que te aburras o te molestes. En serio, ¿a quién no le gustan Steve Buscemi y Sienna Miller? Aquí tienen una química interesante, a veces padre-hija, a veces más como ex novios en disputa. Y siempre uno intenta superar al otro. En la segunda mitad, suben la apuesta, ganando impulso hasta un gran final muy satisfactorio.

Por su parte, la película original, la holandesa Interview (Interview, Theo van Gogh, 2003), escrita por Theodor Holman, no resulta tan convincente, pese al talento de su director y el excelente trabajo de los actores, además de la buena fotografía. El problema de la película reside en su guion. Sí, Holman crea unos personajes con cierta gracia y les da diálogos confrontativos y brutalmente honestos que sin duda son dignos de mención, pero no resultan psicológicamente válidos, especialmente el del personaje femenino. Nunca parecen personas reales. Holman no demuestra una verdadera comprensión de la psique humana, lo cual es lamentable para un drama psicológico. Podría haber sido mejor -como demuestra el remake estadounidense-.

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JACK EL CAZAGIGANTES (Jack the giant slayer, Bryan Singer, 2013)

Aunque menos popular que otros cuentos tradicionales, “Jack y las judias mágicas”, cuyo primera versión escrita, anónima, data de 1734, también ha tenido el honor de ser versionado muchas veces a lo largo de la historia del cine y la televisión. La película que nos ocupa se sitúa en un momento de cierto auge por realizar versiones fantástico-oscuras de cuentos de hadas -otras fueron Caperucita Roja (Red Riding Hood, Catherine Hardwicke, 2011), Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the huntsman, Rupert Sanders, 2012) o Hansel y Gretel, cazadores de brujas (Hansel & Gretel, witch hunters, Tommy Wirkola, 2013)- y resulta una de las más refrescantes y mejor trazadas, sobre el muchacho al que le dan un puñado de frijoles mágicos, los cuales echarán raíces con un tallo enorme que le llevará a un país de gigantes, con intención de rescatar a la princesa que acababa de conocer.

Y ahora una selección de otras adaptaciones del cuento:

-Jack and the beanstalk (Edwin S. Porter y George S. Fleming, 1902), cortometraje que significó la primera versión, a cargo de la compañía de Thomas Alva Edison;

-Jack y las habichuelas mágicas (Jack and the beanstalk, Jean Yarbrough, 1952), disparatada comedia con el protagonismo del mediocre dúo cómico Bud Abbott y Lou Costello;

-Jack y Gene Kelly (Jack and the beanstalk, Gene Kelly, 1967), pequeña joya televisiva producida por Hanna-Barbera que combina imagen real y dibujos animados. Por supuesto, Gene Kelly, en el papel de un inventado compañero de fatigas del protagonista, se marcará unos fantásticos pasos de baile;

-Jack to mame no ki (Gisaburô Sugii, 1974), versión animada japonesa de la historia;

-Jack y las judías mágicas (Jack and the beanstalk, Brian Henson, 2001), mágica y maravillosa miniserie que sabe profundizar en temas como el origen de las judías mágicas y de las leyendas en general, además de dibujar muy bien el carácter del protagonista, todo de forma encantadora e inteligente, y con el lujoso reparto de turno en irónicas y magníficas interpretaciones;

-Jack y las judías mágicas (Jack and the beanstalk, Gary J. Tunnicliffe, 2009). Versión ligera y bastante tonta, estrictamente reservada al público infantil. Quizá algunos adultos aprecien sus referencias a la cultura pop de los 80 y los 90.

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JACOB’S LADDER (Jacob’s ladder, David M. Rosenthal, 2019)

Tras el regreso de su hermano a casa tras la guerra, Jacob Singer lucha por mantener la cordura. Atormentado por alucinaciones y recuerdos, Singer se desmorona rápidamente a medida que el mundo y la gente que lo rodea se transforman y distorsionan en imágenes perturbadoras.

Si bien es cierto que la cinta de terror psicológico La escalera de Jacob (Jacob’s ladder, Adrian Lyne, 1990), con guion de Bruce Joel Rubin, no tuvo mucho éxito en su estreno y no fue, ni mucho menos, un éxito de taquilla, se ha convertido en una película de culto entre muchos cinéfilos. Con su cinematografía y montaje extraordinarios y de pesadilla, su ingenioso argumento y su impresionante reparto -la escena de Danny Aiello en la que explica sus pensamientos sobre ángeles y demonios a Tim Robbins es un clásico-, te mantiene en vilo. Atracción Fatal (Fatal attraction, Adrian Lyne, 1987), el éxito de taquilla del director, nominado al Oscar, es bueno, pero algo predecible, y La escalera de Jacob es mejor película. No es predecible y es más absorbente.

La versión de David Rosenthal parece querer ser una película extraordinaria en la narrativa, con una trama similar a la original, pero con algunos factores clave modificados. Sin embargo, al hacerlo, incorpora elementos de la primera película, como destellos de imágenes horrorosas y grotescas, entre otros, a la historia, como para recordarnos, por alguna razón, que es un remake. Además de los cambios argumentales, que no logran elevar ni realzar la nueva versión en absoluto, carece del suspense o el terror que su predecesora transmite con tanta maestría. Aunque Michael Ealy es un gran actor y su esfuerzo es digno de mención, en comparación con Tim Robbins no está a la altura.

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WE’RE GOING TO TEAM BUILDING / JEDEME NA TEAMBUILDING (Jedeme na teambuilding, Zuzana Marianková, 2023)

No puedo decir que esté muy familiarizado con el cine rumano, pero si todo es así, apaga y vámonos. Teambuilding (Teambuilding bet, Alex Cotet, Cosmin Nedelcu y Matei Dima, 2022) es un completo desastre que combina todos los estereotipos sociales con algunos corporativistas, además de tener que aguantar un lenguaje vulgar innecesario, publicidad indirecta y una actuación de los actores que es, en el mejor de los casos, amateur. El argumento, desperdiciado, va de que el protagonista es nombrado líder del peor departamento de la empresa donde trabaja para motivar a sus miembros, un grupo que no está mucho por la labor, en una sátira sin ninguna gracia, según un guion de Alex Cotet.

Al año siguiente se realizaría un remake checo, Jedeme na teambuilding, que, por lo visto, no parece tener ningún aliciente para atreverse uno a verlo.

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JUEGO DE NIÑOS (Juego de niños, Makinov, 2012)

La española ¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976), basada en la novela "El juego de los niños" de Juan José Plans, nos sitúa en una islita mediterránea donde los niños han decidido rebelarse sangrientamente contra sus mayores. Un argumento interesante y prometedor, destrozado por la falta de imaginación y brío narrativo de su realizador -que no se priva de su hitchcockiana aparición, faltaría más-, que dilata inútilmente la acción, plagia de todos los sitios imaginables y nos da un prólogo ejemplarmente demagógico, encima. Así y todo, es un título de culto para muchos.

El remake mexicano intenta no andarse con rodeos, pero recurre a algunos clichés de películas de terror que hacen que no puedas dejar de sacudir la cabeza. Además, por desgracia, los personajes ni te impactan ni te hacen animarlos, haciendo que el viaje que emprenden y las alegorías que se intenta que representen nuncan cumplen su objetivo.

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JUGADA SALVAJE (Wild card, Simon West, 2015)

Jason Statham interpreta a un adicto al juego en recuperación, que trabaja como guardaespaldas en Las Vegas, y que se acaba metiendo en problemas con la mafia. Para ser una película de su protagonista, está brillantemente escrita y dirigida, con algunas de las mejores escenas de lucha vistas en un filme con Statham dentro, contando este con un gran apoyo del resto del reparto. La película tiene prácticamente todo lo que se puede desear en un thriller policíaco genial, sobre todo si eres fan de Jason Statham.

El original, basado en una novela de William Goldman, es Acorralado en Las Vegas (Heat, Dick Richards, 1986), un filme concebido a la medida de Burt Reynolds, y de menores connotaciones autoirónicas de lo habitual. Producido por la Cannon y realmente tópico, pasó absolutamente desapercibido.

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KABIR SINGH (Kabir Singh, Sandeep Reddy Vanga, 2019)

Remake en hindi de la película india en idioma télugu Arjun Reddy (Sandeep Reddy Vanga, 2017), con guion del director y Mandela Pedaswamy, y que también tiene otra versión en tamil titulada Adithya Varma (Gireesaaya, 2019). La trama gira en torno a un cirujano alcohólico que lucha contra sus problemas de temperamento. Las cosas empeorarán al ver al amor de su vida casarse con otro hombre. Con una carga emocional y una acción impresionantes, la película resulta de lo más intensa.

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KANG MAK (Kang Mak from Pee Mak, Herwin Novianto, 2024)

Tras regresar de la guerra, Makmur descubre que Sari, su esposa, ha muerto y se ha convertido en un fantasma...

Deliciosa y entretenida combinación de romance, comedia y terror sobrenatural, al mejor estilo oriental, pese a algunos momentos de vergüenza ajena -sobre todo algunos gags humorísticos-. Se trata del remake indonesio de la película tailandesa Pee mak phrakanong (Banjong Pisanthanakun, 2013), que también cuenta con un par de versiones indias, Bayama irukku (Jawahar, 2017), en idioma tamil, y Kinavally (Sugeeth, 2018), en idioma malabar.

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KICKBOXER: LA VENGANZA / KICKBOXER: VENGANZA (Kickboxer: Vengeance, John Stockwell, 2016)

El propio protagonista, Jean-Claude Van Damme, en colaboración con Mark DiSalle, ideó la historia en que se basa Kickboxer (Kickboxer, David Worth y Marc DiSalle, 1989), la venganza que lleva a cabo un luchador de esta modalidad contra el que dejó incapacitado a su hermano. Visto lo visto, no se puede decir que Van Damme se espachurrase mucho la cabeza en una idea original.

De todas formas, la película obtuvo cierto prestigio entre aficionados al deporte del kickboxing -es que si encima no tiene éxito entre ellos...-, lo que dio lugar a tres secuelas cinematográficas -de 1991, 1992 y 1994, respectivamente- y una para vídeo, de 1995.

El remake es más de lo mismo: pura acción, sin que importen los diálogos, los giros argumentales y demás porquerías que no sirven para nada -nótese el sarcasmo-. Tiene una secuela titulada Kickboxer: Contraataque (Kickboxer: Retaliation, Dimitri Logothetis, 2018), y se anuncia una tercera parte.​

 

[Soichiro]

LA REINA DE LA MAGIA NEGRA (Ratu ilmu hitam, Kimo Stamboel, 2019)



La reina de la magia negra (Ratu ilmu hitam, Liliek Sudjio, 1981), según un guion de Imam Tantowi, es una película indonesia mala desde cualquier punto de vista, pero a la vez una de las experiencias más hilarantemente entretenidas y excesivamente dementes que uno pueda vivir. La trama es más débil que una top model anoréxica y carece por completo de coherencia; tanto los diálogos como las actuaciones son pésimos, y no hay el más mínimo rastro de tensión ni desarrollo de personajes. Pero todos estos "pequeños defectos" se ven ampliamente compensados por la enorme cantidad de efectos especiales exagerados, imágenes demenciales y, simplemente, ¡la locura total! Sobre todo a altas horas de la noche, con un grupo de amigos y un montón de cerveza fría en la nevera, ver La reina de la magia negra (1981) es diversión garantizada. La película cuenta la desgarradora historia de Murni, una hermosa joven que, a regañadientes, ofrece su virginidad al hombre que ama, solo para ser abandonada por este en favor de la hija del jefe de la aldea. Por si fuera poco, la pobre Murni es posteriormente acusada falsamente de hechizar a la aldea y arrojada por un precipicio. Sobrevive y cae directamente en los brazos de un auténtico mago negro que la anima fanáticamente a buscar venganza y se ofrece a ser su maestro.

Su remake de 2019 no está mal, pero a estas alturas resulta demasiado formulario para considerarse algo más que un intrascendente pasatiempo.

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UNA CENA PARA TONTOS / LA CENA / LA CENA DE LOS IDIOTAS (Dinner for schmucks, Jay Roach, 2010)

Un argumento atrayante y con posibilidades -un grupo de personas se reúne periódicamente para cenar acompañados cada uno de ellos de la persona más idiota que hayan conocido- en una comedia llena de defectos, en absoluto divertida y mal escrita casi desde principio a fin. Y con la presencia del irritante Steve Carell, además, donde muy pocas de sus estupideces son realmente graciosas.

Por suerte, el original francés La cena de los idiotas (Le diner de cons, Francis Veber, 1998), basado en la obra de teatro homónima de su director, es fresco y divertido, a pesar de la naturaleza ligeramente cruel de la trama. Su satírico humor se basa principalmente en las situaciones y se apoya en los actores y en los recursos argumentales para avanzar, ofreciendo una película muy disfrutable. Uno de los mayores éxitos del cine francés de la época, justo y justificado.

En la India se realizaron dos remakes más: Bheja fry (Sagar Ballary, 2007), en hindi, y April fool (Viji Thampi, 2010), en malabar.

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LA CHICA QUE SALTÓ A TRAVÉS DEL TIEMPO / LA CHICA QUE SALTABA A TRAVÉS DEL TIEMPO (Toki o kakeru shôjo, Mamoru Hosoda, 2006)

Cuando Makoto, una estudiante de secundaria, descubre que ha adquirido la habilidad de saltar -literalmente- hacia atrás en el tiempo, inmediatamente comienza a usarla a su favor, sin importarle cómo ni por qué obtuvo este misterioso poder. Ningún problema es demasiado trivial como para resolverse con un pequeño viaje en el tiempo, desde exámenes sorpresa hasta conversaciones incómodas. Pero nada del pasado puede cambiarse sin consecuencias, y el uso frívolo que Makoto hace de su habilidad puede resultar en la pérdida para siempre de uno o más de sus amigos.

La chica que saltaba a través del tiempo es uno de los animes más convencionales y accesibles que existen. Los personajes son bastante normales, simpáticos y cercanos. Hay mucho humor en la primera mitad de la historia, mientras que la segunda mitad es bastante seria, sincera y conmovedora. La animación y el diseño de los personajes son limpios y fluidos, y tienen un atractivo muy moderno. La banda sonora incluye muchas piezas de piano que, en ocasiones, resultan muy agradables.

Recomendable tanto a los fans del anime como a quienes no estén familiarizados con la animación oriental. La historia es una entretenida mezcla de momentos sombríos y alegres, los personajes son geniales y el apartado visual es de primera. La chica que saltaba a través del tiempo no es solo una buena película de animación, es buena en todos los sentidos.

Se basa en un novela de Yasutaka Tsutsui, la cual ya había sido llevada en varias ocasiones al cine y la televisión japoneses en imagen real: la primera adaptación fue la serie Taimu toraberâ (1972), seguida, siempre con el título de Toki o kakeru shôjo, por la película de 1983 dirigida por Nobuhiko Ôbayashi, una serie de 1994 y un filme de 1997 dirigido por Haruki Kadokawa. Posteriormente, se estrenaría la película de 2010 con dirección de Masaaki Taniguchi, además de una miniserie en 2016.

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LA CLAVE DEL CORAZÓN (Keys to the heart, Kerwin Go, 2023)

Atribulado y solo, un boxeador se muda con su madre, a quien no veía desde hacía mucho tiempo, y su hermano pianista autista, teniéndose que integrar en una familia que apenas conoce.

Comedia dramática filipina que se esfuerza mucho por incorporar varios elementos con los que parecer una buena película, pero que acaba caótica y decepcionante, por dejar tantas tramas abiertas -primero se centra en la madre, lo que da la impresión de que la película va a tratar sobre ella. Luego, parece que va a tratar sobre la reconexión entre ella y el hijo boxeador. Después se centra en dicho hijo; luego en la conexión entre este y su hermano; y luego en el hermano como pianista talentoso- y no salir de los clichés de esperar.

Se trata de una nueva versión de la película surcoreana Geugeotmani nae sesang (Sung-Hyun Choi, 2018), con guion de su director.

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UNA PELIGROSA CRIADA / LA CRIADA (Hanyeo, Im Sang-soo, 2010)

La película surcoreana La criada (Hanyeo, Kim Ki-young, 1960) funciona como una excelente pieza de música clásica: tiene un comienzo lento que parece eterno, luego añade algunos crescendos aquí y allá que nos alarman, creando un suspense emocionante y una situación dramática que conduce a un final poderoso y mortal. La criada del título es una peligrosa joven que se mete en la vida de un profesor de piano casado intentando conseguir su amor, sin importarle si su esposa e hijos sufren para poder estar juntos. El profesor está controlado tanto por la criada como por su esposa, y necesita tomar una decisión rápido antes de que las cosas empeoren para todos. Esta es una historia sobre el valor de la familia en medio de traiciones, delirios, obsesiones, tradición, amor verdadero contra formas psicóticas de amor, y muchas más palabras clave que podríamos pensar.

Si bien la original se trata claramente de un thriller de suspense, en cambio su nueva versión de 2010 no es tan fácil de identificar. Aunque tiene aspectos de thriller erótico, también es en parte un estudio de personajes y una sátira sobre la lucha de clases. Todo en un aire oscuro, excéntrico y cínico, con elementos demasiado exagerados como para tomarlos en serio. El resultado se queda en demasiado simple y muy poco convincente, lo que, sin embargo, dio para una secuela, titulada Donui mat (Im Sang-Soo, 2012).

La película original ya había sido versionada anteriormente en dos ocasiones, Hwanyeo (Kim Ki-young, 1971) y Hwanyeo ‘82 (Kim Ki-young, 1982), mientras que posteriormente se realizaría un nuevo remake, la filipina The housemaid (Roman Perez Jr., 2021).

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LA DAMA Y EL VAGABUNDO (Lady and the tramp, Charlie Bean, 2019)

Esta historia de amor entre dos perros de muy distinta condición social, según el relato de Ward Greene, ya había dado la afamada producción animada La dama y el vagabundo (Lady and the tramp, Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wilfred Jackson, 1955), que, sin encontrarse entre las mejores películas Disney, no dejaba de tener su gracia y encanto. Sin embargo, la nueva fórmula de la productora de rehacer todos sus clásicos animados con CGI puede que no sea la mejor solución. La escena de los espaguetis, por ejemplo, no tiene la misma magia. Aquí no hay encanto, ni romance, ni alegría, dando una fría película familiar sin ápice de diversión. Preferiríamos que hubiesen sido perros de verdad.

En fin, para quien le interese, la película original tuvo una secuela para vídeo titulada La dama y el vagabundo 2: Las aventuras de Golfillo (Lady and the tramp II: Scamp’s adventure, Darrell Rooney y Jeannnine Roussel, 2001), una de las más aceptables continuaciones de clásicos de la Disney que se realizaron por entonces.

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LA DESPEDIDA / BLACKBIRD / LA DECISIÓN (Blackbird, Roger Michell, 2019)

Un drama quizá demasiado directo, pero realmente emocional, sobre una madre con una enfermedad terminal que organiza una última reunión familiar antes de morir. Una película que realmente te desafía con su moralidad y que, además, cuenta una gran historia sobre el amor y los lazos familiares. Las actuaciones son magníficas, destacando Susan Sarandon que finalmente vuelve a aparecer en un papel importante, y lo clava. Le añade mucho sarcasmo, lo que ayuda a que su personaje sea atractivo y convincente, especialmente considerando la lucha que lleva dentro. Una película muy íntima que merece mucha más atención de la que recibió. Sí, te deja deprimido. Y sí, te deja con muchas preguntas, pero importantes. Una obra coral realmente conmovedora y bien interpretada.

La original es la no menos excelente película danesa Corazón silencioso (Stille hjerte, Bille August, 2014), basada en un guion de Christian Torpe.

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AL FILO DE LA MENTIRA / LA DEUDA (The debt, John Madden, 2010)

La trama de La deuda es bastante enigmática y algo confusa debido a la técnica de alternar entre el pasado y el presente. A esto se suma un factor aún más problemático: las contrapartes jóvenes y mayores no se parecen en nada, por lo que identificarlas por sus nombres puede distraer al espectador.

Más allá de los problemas de guion, cabe destacar que las actuaciones son de un nivel excelente, y la historia resulta especialmente atractiva durante las primeras secuencias situadas en 1967. Esto se debe en parte a que Jessica Chastain como Rachel ofrece la actuación más impresionante de la película y te sumerge de inmediato en la historia. Más adelante, adquiere la imagen de Helen Mirren, lo cual no resulta del todo creíble. Mirren hace un excelente trabajo como la Rachel madura, y sus escenas con el hombre al que ha estado persiguiendo están escenificadas de forma realista y con una violencia desgarradora.

Más allá de los problemas de reparto, la historia está llena de suspense, pero se narra con un ritmo bastante pausado. Dar caza a un excirujano nazi que ha cometido crímenes de guerra siempre es una idea narrativa interesante, pero en este caso hay demasiados fallos para que la película sea redonda.

Con todo, se hace preferible a la película original, la israelí The debt (Ha-hov, Assaf Bernstein, 2007), escrita por su director e Ido Rosenblum, que, aunque es un thriller de espías inteligente y sólido, con interesantes connotaciones morales, resulta menos impactante. Pero vale la pena si para ti ver dos versones de una buena historia es divertido y no una tarea pesada.

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EL GRAN CASAMIENTO / MEJOR NI ME CASO / LA GRAN BODA (The big wedding, Justin Zackham, 2013)

Una pareja hace tiempo divorciada fingirá seguir casada cuando la familia se reúna para una boda...

Sin duda, una de las peores películas de los últimos tiempos. No me extrañaría que hubiera sido escrita en el reverso de una servilleta en algún bar cutre durante un par de horas. Y es que el desarrollo de los personajes es extremadamente superficial e inconsistente, y la cohesión y el desarrollo de la historia son prácticamente inexistentes. Uno se pregunta con qué debieron chantajear a actores como Robert de Niro, Diane Keaton, Susan Sarandon o Robin Williams para aparecer en semejante bodrio.

Nada que ver con la original, la franco-suiza Mi hermano se casa (Mon frère se marie, Jean-Stéphane Bron, 2006), con guion del director y Karine Sudan, una agridulce y potente comedia tan emocional como hilarante, con unas excelentes actuaciones.

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JUEGO MACABRO / JUEGOS SINIESTROS / LA HUELLA (Sleuth, Keneth Branagh, 2007)

Un acaudalado escritor de novelas policíacas invita a su estrafalaria mansión al seductor de su esposa, con objeto de proponerle un diabólico plan.

La huella (Sleuth, Joseph L. Mankiewicz, 1972) es una obra mayor en el cine de su director. En su nivel más superficial es un thriller construido a partir de la lucha de clases, más sutilmente una fascinante reflexión sobre la ambigüedad, el juego -en su aceptación casi metafísica- como una de las bellas artes, y la equívoca frontera que divide realidad y apariencia. A destacar el espléndido diseño de producción, su ritmo sin desmayo y el soberbio tour de force de Laurence Olivier y Michael Caine, protagonistas únicos.

En el irritante remake de 2007, el inefable Kenneth Branagh, diríase que celoso de la brillantez del filme de Mankiewicz, aplica una planificación artificiosa y enfática, para demostrar que quien importa es él, subrayando su fin mediante una risible escenografía tecnológica y un zafio embrutecimiento del original. Ni siquiera los actores están bien, salvo algunos momentos de Michael Caine, que en la versión anterior encarnó al otro personaje, al cual aquí da vida Jude Law.

Como curiosidad, decir que la serie india Tiktiki (Soumitra Chatterjee, 2022) también se basa en la obra de teatro original de Anthony Shaffer.​