Original vs Remake

[W.Howlett]

Díganme, a cuantos de ustedes les a pasado que quieren ver una película, pero se entera que es un remake de una que ya se había hecho antes, a mi me paso cuando vi robocop, casafantasmas y cementerio de mascotas, aunque claro, ya sabia que las 2 primeras pertenecían a películas que tenían su franquicia.

Aun así, ustedes creen que es necesario ver la versión original, solo con el fin de compararlas o creen que deberían disfrutarse a pesar de no haber visto la versión anterior de ella?

También me gustaría saber, tienen alguna película que les gusto mas el remake que la original? Por favor dejen sus comentarios, sin despreciar la opinión de otros, después de todo, para cada quien los gustos de uno.

 

[Hikari]

Disfrutar de cada una, aunque verlo o no ya es una elección personal de gustos.

 

[𝑹𝑶𝒀]

Si el original está bien no lo tocas, mejor creas algo nuevo.

Prefiero los reboots en los que prácticamente es lo mismo, un reinicio o retransmisión pero con mejoras gráficas y actualizadas a la época que se vive tipo lo que se hace con obras anime como lo que va a pasar con Ranma1/2 o algunos videojuegos.

 

[Soichiro]

Los diez mejores remakes, no necesariamente en este orden:

BEN-HUR (Ben-Hur, William Wyler, 1959)



Todo lo que se puede decir sobre este magno espectáculo, ganador de once Oscars, ya se ha escrito por algún sitio, así que solo confirmar que es una de las mejores películas de todos los tiempos, recordable no solo por su carrera de cuádrigas sino por cronometrar si Judah Ben-Hur -Charlton Heston- está más tiempo con o sin camisa, y por uno de los más alucinógenos malvados de la historia del cine como el romano Messala -Stephen Boyd-. Antes de ser contratado Heston, el papel fue tanteado para Rock Hudson, lo que hoy en día hubiese sido un buen tema de conversación entre la ambigüedad que siempre rodeó la relación entre Ben-Hur y Messala.

Aunque existe una desconocida versión de 1907 producida por Kalem Pictures, la que siempre se consideró como original adaptación de la novela de Lew Wallace es Ben-Hur (Ben-Hur, Fred Niblo, 1926), con Ramón Novarro -Ben-Hur- enfrentado a Francis X. Bushman -Messala-, considerada como la película muda más espectacular nunca realizada.

Otras versiones son una película de 2016 dirigida por Timur Bekmambetov, una miniserie de 2010 y una película animada para vídeo de 2003.



CABARET (Cabaret, Bob Fosse, 1972)



Uno de los hitos de la historia del cine musical, galardonado con 8 Oscars. Cabaret parte de la novela "Goodbye to Berlin", en cierta forma autobiográfica, escrita en 1939 por Christopher Isherwood y adaptada al teatro en 1952 por John van Druten, con Julie Harris en el papel de la norteamericana Sally Bowles, una cantante atrapada en el Berlín de antes de la guerra. Julie Harris participó en la versión cinematográfica de la obra, Soy una cámara (I am a camera, Henry Cornelius, 1955).

Broadway se fijó en dicha novela durante los 60 para transformarla en un musical, con canciones compuestas por John Kander con letras de Fred Ebb, nuevo libreto de Joe Masteroff y dirigido por Harold Prince, que se convirtió en todo un acontecimiento con 1.165 representaciones en Broadway y 336 en Londres -con Judi Dench en el papel principal-, consiguiendo 8 premios Tony. Y de este espectáculo musical surgiría el clásico de Bob Fosse y Liza Minelli.



CAPITÁN SANGRE / EL CAPITÁN BLOOD (Captain Blood, Michael Curtiz, 1935)



"La odisea del Capitán Blood" es una de las más trepidantes novelas de aventuras escritas por Rafael Sabatini, captada por el cine en una primera versión muda, El capitán Blood (Captain Blood, David Smith, 1924), con J. Warren Kerrigan como el intrépido Peter Blood, quien escapa de su condición de esclavo para convertirse en un gran capitán al servicio de Inglaterra en la lucha contra los galeones españoles y franceses.

Por supuesto, la maestría de Curtiz y la personalidad de Errol Flynn convirtieron El capitán Blood (1935) en una de las obras cumbres del cine de aventuras, conociendo una extravagante secuela en la coproducción hispano-italiana El hijo del Capitán Blood (Tulio Demicheli, 1962), con Sean Flynn, hijo de su padre, de atolondrado protagonista.

Otras versiones de la novela de Sabatini son Fortunes of Captain Blood (Gordon Douglas, 1950) y su secuela Bandera negra (Captain pirate, Ralph Murphy, 1952), ambos filmes con Louis Hayward y Patricia Medina de pareja.



LA CARTA TRÁGICA / LA CARTA (The letter, William Wyler, 1940)



Aunque ya existía una versión cinematográfica anterior, La carta (The letter, Jean de Limur, 1929), los productores Hal B. Wallis y Jack L. Warner siempre tuvieron la idea de volver a adaptar al cine esta obra de teatro, entre el melodrama y el thriller, escrita por W. Somerset Maugham.

En su trama se recoge cómo Leslie, la dueña de una plantación, mata de un tiro a un íntimo amigo de la familia con la excusa de que este intentó atacarla. Sin embargo, mientras se está a la espera del juicio, aparece una misteriosa carta escrita por Leslie donde se especifica que el fallecido era su amante.

La nueva versión Warner de 1940 es todo un clásico del melodrama, y en su reparto se dio la curiosidad que Herbert Marshall, quien aquí interpretaba al engañado marido de Leslie, había sido el amante asesinado en la mencionada versión de 1929.

Una nueva adaptación tendría lugar con el telefilme La carta (The letter, John Erman, 1982).



TERROR EN EL MUSEO DE CERA / MUSEO DE CERA / LOS CRÍMENES DEL MUSEO DE CERA (House of wax, André del Toth, 1953)



Una de las joyas del cine de terror, sobre la locura del dueño de un prestigioso museo de cera, quien asesina personas para convertirlas en realistas figuras. Durante el rodaje de Los crímenes del museo de cera, producida en Technicolor con el formato 3-D, su director, André del Toth, sufrió un accidente que le dejó ciego de un ojo. Eso no le impidió crear un ambiente tétrico, sugerente y malsano, lúcidamente interpretado por Vincent Price, quien comenzaba así su prestigiosa carrera en el género de terror. A destacar la aparición de Charles Bronson como macabro ayudante mudo. Su primera versión es Los crímenes del museo (The mystery of the wax museum, Michael Curtiz, 1933), con Lionel Atwill y Fay Wray, basada en una obra teatral de Charles S. Belden. Tiempo después se estrenaría la norteamericana La casa de cera (House of wax, Jaume Serra, 2005), una producción de Robert Zemeckis y Joel Silver dirigida por el debutante Jaume Serra.



DELATOR / EL DELATOR (The informer, John Ford, 1935)



Estupenda revisión del filme El delator (The informer, Arthur Robinson, 1929), inspirado en una novela de Liam O'Flaherty.

En la Irlanda de la década de 1920, un hombre delata a su mejor amigo, un miembro del IRA, provocando su muerte. Señalado como traidor y repudiado por todos, es solo cuestión de tiempo que sea asesinado. John Ford logró un admirable retrato de un asustado hombre sin cultura y corto de reflejos víctima de sus propias ambiciones, ayudado por una magnífica interpretación de Victor McLaglen. El actor ganó el premio de la Academia para una película que, además, se llevó el Oscar a la Mejor Dirección, Guion -Dudley Nichols- y Música -Max Steiner-.

Uptight (Jules Bassin, 1968) es una versión racial de la historia del delator, adaptándola a otros tiempos y otros lugares, ya que en esta ocasión el chivato era un negro que traicionaba al grupo contestatario al que pertenecía con las mismas terribles consecuencias para él.



LA BESTIA HUMANA / DESEOS HUMANOS (Human desire, Fritz Lang, 1954)



Basada en la novela de Emile Zola, es la clásica historia de mujer fatal que utiliza a los hombres a su antojo para sus maquiavélicos fines. Aunque su argumento ha servido para muchas y variadas versiones cinematográficas, lo que es el libro original se adaptó por primera vez en Francia con La bestia humana (La bête humaine, Jean Renoir, 1938), con Jean Gabin y Simone Signoret como la pareja de amantes. Su remake estadounidense vino a demostrar la maestría de Lang en cuanto a fusionar cine negro y melodrama romántico, con Glenn Ford como un conductor de trenes absolutamente fascinado por la mirada -y algo más- de una arrebatadora Gloria Graham en uno de sus grandes papeles.



AYUNO DE AMOR / MI ASISTENTE FAVORITA / LUNA NUEVA (His girl Friday, Howard Hawks, 1940)



Explosiva obra de teatro escrita por Ben Hecht y Charles MacArthur acerca del cínico mundo de la prensa, que ellos tan bien conocían. Una ejecución en la prisión del Estado da pie para toda una interminable retaíla de diálogos brillantes, gags hilarantes y situaciones descabelladas. La obra original contaba cómo un perverso director de periódico impedía, usando todo tipo de tretas, que su mejor reportero le abandonase. Después, en sus adaptaciones al cine, el reportero cambió de sexo en varias ocasiones, añadiéndose, entonces, una historia de amor.

El cine siempre ha tratado la obra con respeto y dedicación, y cada versión aporta algo nuevo, mejorándola y ampliando su horizonte de miras. Tanto que, puestas así las cosas, y exceptuando el insuperable remake de Howard Hawks con una pareja revolucionaria como Cary Grant y Rosalind Rusell, resulta complicado decir cuál es la mejor del resto de versiones:

-Un gran reportaje (The front page, Lewis Milestone, 1931), con la pareja de actores Adolphe Menjou y Pat O'Brian;

-Primera plana (The front page, Billy Wilder, 1974), interpretada por Jack Lemmon y Walter Matthau;

-Interferencias (Switching channels, Ted Kotcheff, 1988), con un terceto antológico formado por Burt Reynolds, Kathleen Turner y Christopher Reeve.

Como curiosidad, mencionar los telefilmes The front page (Ed Sobol, 1945) y The front page (Alan Handley, 1970).


MI BELLA DAMA / MY FAIR LADY: MI BELLA DAMA / MY FAIR LADY (My fair lady, George Cukor, 1964)



En el Londres de la época Victoriana, el profesor de fonética Henry Higgins encuentra una alumna ideal en Eliza, una harapienta e inculta vendedora de violetas. El profesor apuesta con sus amigos a que es capaz de convertir a la muchacha en una dama de la alta sociedad.

El guionista Alan Jay Lerner consideró que este argumento, basado en la obra teatral de George Bernard Shaw "Pygmalion", podría ser una excelente idea para un musical. Así, Lerner escribió un excelente libreto que, con música de Frederic Loewe, se convirtió en el espectáculo de Broadway "My fair lady", estrenado en 1956. Su adaptación cinematográfica se realizó a todo lujo, con Audrey Hepburn y Rex Harrison -quien repetía su papel del musical- de protagonistas y ganando 8 premios de la Academia.

Anteriormente, la obra de Bernard Shaw ya había sido llevada al cine en Alemania en 1935, en Holanda en 1937 y en Gran Bretaña con el título de Pygmalion (Pygmalion, Anthony Asquith, 1938), con el mismo director y Wendy Miller de protagonistas. Luego tendríamos el telefilme Pygmalion (Alan Cooke, 1983) y una versión cinematográfica rumana titulada My fair lady de 2019.



SUBLIME OBSESIÓN / OBSESIÓN (Magnificent obsession, Douglas Sirk, 1953)



Basada en la espiritual novela de Lloyd C. Douglas, una historia imposible que gira sobre el perdón y la culpa y que nos presenta a un playboy que mata accidentalmente al marido de una mujer y decide hacerse cirujano para curarla a esta de su ceguera. Sobre este texto se filmó Sublime obsesión (Magnificent obsession, John M. Stahl, 1935), con Irene Dune y Robert Taylor de protagonistas.

Su nueva versión, protagonizada por Rock Hudson y Jane Wyman, supuso uno de los grandes éxitos de la historia de la Universal, aceptando Sirk el proyecto con tal de trabajar con Wyman, una actriz que siempre había admirado. Para ello, el director decidió abandonar las tesis del libro y centrarse más en el guion de la película anterior.​

 

[MKV]

Yo diría que si no viste la versión original previamente sería bueno que veas el remake, ya si quieres comparar puedes ver la versión original, y si viste la versión original primero entonces probablemente no disfrutes del remake, porque inevitablemente te centrarás más en juzgar al remake teniendo como base a la version original en vez de disfrutar la película, así que eso no lo recomendaría si lo que buscas es disfrutar.

 

[Soichiro]

Otros diez remakes que tampoco están mal:

PETER PAN (Peter Pan, Clyde Geronimi, Hamilton Luske y Wilfred Jackson, 1953)



Maravillosa visión de los estudios Disney sobre la obra de teatro de James M. Barrie acerca de Peter Pan, el niño que no quería crecer y que voló con sus amigos hasta el país imaginario de Nunca Jamás, donde vivieron grandes aventuras contra el malvado Capitán Garfio. Parábola de la magia de la infancia, la película de dibujos animados mantiene intacto todo su encanto más de medio siglo después de su estreno, y ha condenado al olvido a una primera versión muda titulada Peter Pan (Peter Pan, Herbert Brenon, 1924), de la que no se acuerda ni la bisnieta del director.

Disney produjo una sorprendentemente bien hecha secuela de su clásico de animación, lanzada directamente al mercado del vídeo aunque estrenada en salas comerciales españolas, Peter Pan en Regreso al País de Nunca Jamás (Return to Never Land, Donovan Cook y Robin Budd, 2002), en la que Peter regresaba a un Londres devastado por la II Guerra Mundial para salvar a la hija de Wendy del malvado pirata.

Sin embargo, el primer intento serio de trasladar este mágico universo a imágenes reales llegó con la infravalorada Hook: El Capitán Garfio (Hook, Steven Spielberg, 1991), donde un amnésico y adulto Peter Pan -insoportable como de costumbre Robin Williams- debía recuperar el amor de sus hijos, su infancia perdida y mantener un último duelo con Garfio -Dustin Hoffman-.

Peter Pan: La gran aventura (Peter Pan, P. J. Hogan, 2003) es, esta vez sí, una adaptación en toda regla de la historia del niño que perdió su sombra, con Jeremy Sumpter -Peter-, Jason Isaacs -Capitán Garfio- y Rachel Hurd-Wood -Wendy-.

Y, en fin, de la infinidad de otras versiones cinematográficas, videográficas y televisivas, ya sean en dibujos animados o en imagen real, destacaremos las precuelas Pan: Viaje a Nunca Jamás (Pan, Joe Wright, 2015) y Érase una vez... (Come away, Brenda Chapman, 2020), el telefilme de la NBC Peter Pan (Vincent J. Donehue, 1960) y la versión en imagen real que hizo Disney de su clásico animado, Peter Pan y Wendy (Peter Pan & Wendy, David Lowery, 2023).


EL PRISIONERO DE ZENDA (The prisoner of Zenda, John Cronwell, 1937)



La novela de Anthony Hope nos lleva al imaginario reino de Ruritania, donde tiene lugar un complot en el cual el príncipe es secuestrado antes de su coronación y sustituido por otra persona.

En el cine mudo se realizaron diversas versiones, siendo principalmente conocidas The prisoner of Zenda (Edwin S. Porter y Hugh Ford, 1913), The prisoner of Zenda (George Loane Tucker, 1915) y El prisionero de Zenda (The prisoner of Zenda, Rex Ingram, 1922), con Lewis Stone y Ramón Novarro.

Sin embargo, la más popular es El prisionero de Zenda (The prisoner of Zenda, Richard Thorpe, 1952), protagonizada por un trío de lujo como Stewart Granger, Deborah Kerr y James Mason. Se da la curiosidad que su banda sonora es la misma que Alfred Newman compuso para el filme de 1937, protagonizado por Ronald Colman, Douglas Fairbanks Jr. y Madeleine Carroll.

Finalmente, El estrafalario prisionero de Zenda (The prisoner of Zenda, Richard Quine, 1978) trató el tema de forma paródica, con Peter Sellers de protagonista.

De las versiones televisivas, destaquemos la miniserie The prisoner of Zenda (Leonard Lewis, 1984).


LA NOVICIA REBELDE / SONRISAS Y LÁGRIMAS (The sound of music, Robert Wise, 1965)



La verídica historia de Maria von Trapp -una novicia que en 1936 entró como gobernanta en una mansión con objeto de cuidar y educar a los siete niños del rígido Capitán von Trapp- se había adaptado en dos famosas películas alemanas: La familia Trapp (Die Trapp-familie, Wolfgang Lieberneiner, 1956) y La familia Trapp en América (Die Trapp-familie in Amerika, Wolfgang Lieberneier, 1958). Con estos antecedentes, la actriz de teatro y cantante Mary Martin se empeñó en este personaje, contactó con la auténtica baronesa y convenció a sus amigos Rodgers y Hammerstein para que le escribiesen un musical a su medida. Así, en 1959 "The sound of music" se estrenó en Broadway.

Después llegó la mítica película de la Fox, ganadora de cinco Oscars, y durante muchos años convertida en la segunda película más taquillera de todos los tiempos tras Lo que el viento se llevó (Gone with the wind, Victor Fleming, 1939).

Como curiosidad, mencionar la serie animada japonesa Sonrisas y lágrimas (Trapp ika monogatari, 1991), basada en la novela autobiográfica de Maria von Trapp.


EL PIRATA HIDALGO / EL TEMIBLE BURLÓN (The crimson pirate, Robert Siodmak, 1952)



Este clásico del cine de aventuras, que le sirvió a Burt Lancaster para ejercitarse gimnásticamente, tiene su antecedente en la película muda El pirata negro (The black pirate, Albert Parker, 1926), con Douglas Fairbanks también brincando lo suyo. Ambos filmes parten de la historia de un pirata dispuesto a vengarse de los barcos españoles que mataron a su padre, y los piratas protagonistas caen rendidamente enamorados de una muchacha española.


EL SABOR DE LA INFIDELIDAD / UN TOQUE DE INFIDELIDAD (Cousins, Joel Schumacher, 1989)



Durante un tiempo, las comedias francesas fueron una inagotable fuente para nuevas versiones estadounidenses, como lo muestra esta magistral comedia romántica protagonizada por Ted Danson, Isabella Rossellini y Sean Young, que nos cuenta diversos romances de apabullante buen gusto. Su original, nominada al Oscar como mejor película extranjera y mejor guion original, es Primo, prima (Cousin, cousine, Jean-Charles Tacchella, 1975), escrita por su director y con un reparto compuesto por Marie-Christine Barrault, Victor Lanoux y Guy Marchand, resultando menos elegante y divertida que la norteamericana.


VICTOR/VICTORIA / VICTOR O VICTORIA (Victor/Victoria, Blake Edwards, 1982)



La última gran película de Blake Edwards. Un espectacular despliegue de ingenio, espectáculo y humor que, al mismo tiempo que una gran comedia, se erige en un canto a la busca de la felicidad por encima de las barreras que pueda o quiera imponer la sociedad. Victor o Victoria nos traslada al París de la década de 1920 para ofrecernos un filme mágico.

La historia de la mujer que tiene que travestirse para encontrar trabajo y que, dado el éxito que obtiene como cantante masculino pero afeminado, se ve obligada a seguir representando su papel de hombre. La cuidada ambientación, los números musicales y las magníficas interpretaciones de Julie Andrews, James Garner, Alex Karras y sobre todo un sorprendente Robert Preston hacen de esta película una pequeña joya a la que Blake Edwards supo pulir, arrancándole los más exquisitos brillos.

Es la adaptación de la película alemana Viktor und Viktoria (Reinhold Schünzel, 1933), escrita por su director, que tuvo un inmediato remake por parte del cine británico, First a girl (Victor Saville, 1935). Una nueva versión alemana se estrenaría en 1957, dirigida por Karl Anton, y, curiosamente, Julie Andrews repetiría su personaje en un telefilme remake de 1995, dirigida de nuevo por Blake Edwards junto a Goro Kobayashi y Matthew Diamond.


EL AGENTE SECRETO (The secret agent, Christopher Hampton, 1996)



Basada en la novela de Joseph Conrad, El agente secreto relata la convulsa situación social del Londres de finales del siglo XIX con una extraña organización anarquista cometiendo atentados por la ciudad. En este punto encontramos la historia del activista Verloc, quien, sin proponérselo, se convierte en un criminal dentro de su propia familia. La adaptación de Hampton es elegante, sobria y con un gran trabajo de todo el reparto.

Su primera versión es Sabotaje (Sabotage, Alfred Hitchcock, 1936), brillante en su tono de suspense y magistral en algunos aspectos técnicos, ya habituales en su director.

Por lo demás, versiones para televisión: un telefilme de 1967 y dos miniseries, una de 1992 y otra de 2016.


RELACIONES PELIGROSAS / LAS AMISTADES PELIGROSAS (Dangerous liaisons, Stephen Frears, 1988)



Proviene de una perniciosa obra clásica de Pierre Choderlos de Laclos, encuadrada antes de la Revolución Francesa y donde dos aristócratas corruptos emprenden un macabro juego consistente en pervertir la inocencia de una doncella. Curiosamente este argumento volvería a ser adaptado al cine un año después en Valmont (Valmont, Milos Forman, 1989), mucho más elegante aunque menos maliciosa, con el trío Colin Firth, Annette Bening y Meg Tilly de protagonistas.

Las amistades peligrosas es un gran muestrario de maldades cuyo éxito en taquilla fue debido a un inconmensurable reparto liderado por John Malkovich, Glenn Close y Michelle Pfeiffer, en el que estas dos últimas fueron nominadas al Oscar, además de poder destacar presencias como Uma Thurman y Keanu Reeves.

Anteriormente ya había sido llevado al cine en Francia como Relaciones peligrosas (Les liasons dangereuses, Roger Vadim, 1959), con el trío Jeanne Moreau, Gérard Philippe y Annette Stoyberg.

Después, en plan más moderno, se rodó Crueles intenciones (Cruel intentions, Roger Kumble, 1999), con los morbosos Ryan Philippe, Sarah Michelle Gellar y Reese Witherspoon, a lo que habría que añadir sus dos secuelas para vídeo, de 2000 y 2004, y un tardío telefilme de 2016, con Gellar recuperando su papel.

Otras versiones: un telefilme francés de 1980, una miniserie franco-británico-canadiense de 2003, una serie estadounidense de 2022 y una película francesa del mismo año.


LA PANDILLA GRISSOM / LA BANDA DE LOS GRISSOM (The Grissom gang, Robert Aldrich, 1971)



Inspirado en la novela de James Hadley Chase, cuenta la historia de una heredera secuestrada en manos de una banda de criminales capitaneados por un desquiciado líder. La primera versión de esta película, No orchids for Miss Blandish (St. John L. Clowes, 1948), era tan mala que tenía hasta su gracia. En su remake, dirigido por el nervioso Robert Aldrich, se incorporaron personajes, como una psicópata anciana que es la jefa del grupo de secuestradores.


LA MARCA DE LA PANTERA / LA GENTE GATO / EL BESO DE LA PANTERA (Cat people, Paul Schrader, 1981)



La mujer pantera (Cat people, Jacques Tourneur, 1942) es uno de los clásicos del cine de terror de la RKO, magnetizado por la sensualidad de su actriz principal Simone Simon, que intervendría también en su secuela, La venganza de la mujer pantera (The curse of the cat people, Gunther von Fritsch y Robert Wise, 1944). Ambos filmes están escritos por De Witt Bodeen, con unos ambientes realmente tenebrosos.

La nueva versión de esta mujer maldita que se transforma en pantera no solo se basa en unos renovados efectos especiales, sino que ofrece una visión atormentada del personaje, además de impagables desnudos integrales de Nastassja Kinski en su mejor momento -si es que alguna vez ha tenido alguno malo-.​

 

[W.Howlett]

Hablando de remake, hace poco se estreno la película el cuervo y estoy pensando en ir a verla.

Ustedes me recomiendan ver la original primero??

 

[misfret]

Cuando su habla de remakes siempre es una moneda al aire llámenme puritana pro las originales siempre son las mejores casi una encuentro un remake que sea mejor o igual que la original

 

[Soichiro]

Diez remakes notables:

LAS AVENTURAS DE DON JUAN / EL BURLADOR DE CASTILLA (Adventures of Don Juan, Vincent Sherman, 1948)



Aventuras del famoso personaje según la obra teatral de Molière, inolvidable por sus escenas de acción y con el protagonismo de Errol Flyn y Viveca Lindfords. Anteriormente, las andanzas de este personaje habían sido llevadas al cine en la época muda en los años 1905, 1907, 1911, 1922 y 1928, siendo su obra cumbre Don Juan (Don Juan, Alan Crosland, 1926), con John Barrymore y Mary Astor.

Otra versión del seductor personaje es Don Juan (Don Juan, Jacques Webber, 1998), con Penélope Cruz, Ariadna Gil y Emmanuelle Béart.


LOS CABALLEROS LAS PREFIEREN RUBIAS (Gentlemen prefer blondes, Howard Hawks, 1953)



Lorelei Lee es una chica lista que tiene muy claro qué es lo más importante de la vida: un marido rico, y para conseguirlo utilizará todas sus armas de seducción, que no son pocas. La premisa básica de esta novela de Anita Loos inspiró Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen prefer blondes, Malcolm St. Clair, 1928), una película bastante popular en su tiempo, aunque ha sido completamente eclipsada por el coloreado filme dirigido por Howard Hawks. En esta inolvidable película, Marilyn Monroe y Jane Russell -dos chicas "insumergibles", parafraseando uno de los diálogos del filme- son las dos artistas de music hall que se embarcan en un crucero dispuestas a triunfar en la vida. Con un ritmo endiablado y salpicada de canciones míticas -entre ellas, "Diamonds are a girl's best friend" y "Two little girls from Little Rock"-, se convirtió en un gran éxito y en uno de los títulos más famosos de la mítica actriz rubia.

Aprovechando el tirón del filme, se rodó una floja secuela: Los caballeros se casan con las morenas (Gentlemen marry brunettes, Richard Sale, 1956), con Jane Russell -que repetía papel- y Jeanne Crain.

En 1998 se estrenaría una nueva versión, esta vez en formato de telefilme, dirigido por Norb Joerder y con Barbara Eden y Rita McKenzie en los papeles protagonistas.


LA MENTIRA INFAME / LA CALUMNIA (The children's hour, William Wyler, 1961)



La obra teatral de Lilian Hellman "Children's hour" era un duro alegato sobre la mentira, la maldad infantil y el lesbianismo, en tanto que dos profesoras eran acusadas por una vengativa niña de mantener relaciones en el colegio, lo que llevará al cierre del centro y al suicidio de una de ellas. Por supuesto, en su adaptación al cine durante 1936, el estricto código de censura obligó a cortar toda alusión al escabroso tema y Wyler convirtió el melodrama en una agradable comedia centrada en un triángulo amoroso convencional, titulada Esos tres (These three, William Wyler, 1936), con Miriam Hopkins, Merle Oberon y Joel McCrea de protagonistas.

Eso sí, el director se tomó cumplida venganza veinticinco años después al volver a adaptar la obra de teatro en el excelente filme La calumnia, con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine como las profesoras.

Destacar que los guiones de ambos filmes fueron escritos por Hellman -la segunda versión junto a John Michael Hayes-; que en la película de 1936 es particularmente brillante la interpretación de Bonita Granville como la perniciosa niña causante del rumor; y que en el remake Wyler recuperó a una de las protagonistas originales, Miriam Hopkins, esta vez en el papel de tía algo ingenua de una de las profesoras.


LA CARGA DE LOS 600 DRAGONES / LA CARGA DE LA BRIGADA LIGERA (The charge of the Light Brigade, Michael Curtiz, 1936)



Los avatares de un regimiento del ejército británico que ha de luchar primero contra un grupo de rebeldes en la India y más tarde contra las tropas rusas, todo ello dentro de un tono lírico y aventurero perfectamente ensamblado por el trío Curtiz-Errol Flynn-Olivia de Havilland, en lo que es considerado un clásico de la historia del cine.

De ahí que sus otras adaptaciones, tanto en el cine mudo como el sonoro, pasasen más desapercibidas. De la primera etapa destacamos películas de 1903, 1912, 1914 y 1928; mientras que la posterior es la producción británica La última carga (The charge of the Light Brigade, Tony Richardson, 1968), la cual cuenta con un competente reparto: Trevor Howard, Vanessa Redgrave, John Gielgud, Harry Andrews y David Hemmings.


LA CASA DEL SOL NACIENTE / LA CASA DE BAMBÚ (House of bamboo, Samuel Fuller, 1955)



La calle sin nombre (The street with no name, William Keighley, 1948) es un excelente filme negro dirigido por el especialista en el género William Keighley, con el villano excelentemente interpretado por Richard Widmark. En los años 50, el director Sam Fuller llevaba tiempo con la idea de rodar un filme en Japón, hallando la forma de realizarlo en la adaptación del argumento de La calle sin nombre, aunque situando la acción en Tokio. Nace así La casa de bambú: historia de un agente de policía que se hace pasar por un gángster para desmontar una banda de peligrosos delincuentes desde dentro. Los mejores logros de esta segunda versión proceden del brío narrativo y la fuerza visual que Fuller sabe imprimir a algunas secuencias, destacando los vibrantes travellings durante el asalto a una fábrica y la ejecución del presunto traidor a manos de Robert Ryan, agujereando sin piedad la tina de madera donde este se daba un baño.


PASIÓN DE ODIO / CERCO DE ODIO (The dark past, Rudolph Maté, 1948)



"Blind alley" es el título de la obra de teatro escrita por James Warwick, donde por primera vez se utiliza el psicoanálisis como un efectivo componente de lucha contra el delito. Todo comienza cuando un criminal y su banda escapan de la policía refugiándose en casa de un afamado psiquiatra de Long Island. Durante ese tiempo, el médico analiza la mente del delincuente hasta rebuscar en su pasado y llevarle hasta extremos insospechados.

La primera versión cinematográfica, Rejas humanas (Blind alley, Charles Vidor, 1939), contó con Chester Morris como el asesino y Ralph Bellamy en el papel del psiquiatra. El remake de 1948 obtuvo unas excelentes críticas, sobre todo debido a la tensión que se establece entre William Holden como el gángster y Lee J. Cobb como médico.


ASESINOS / CÓDIGO DEL HAMPA (The killers, Donald Siegel, 1964)



Basada en una historia original de Ernest Hemingway, mejorada en su adaptación cinematográfica por un no acreditado John Houston en su guion, "The killers" es una turbulenta historia en la que una hermosa mujer provoca el asesinato de su amante, que se deja matar para encubrirla de un delito. La versión original, Forajidos (The killers, Robert Siodmark, 1946), es una obra maestra del cine negro, con Burt Lancaster en el papel del sentenciado Ole "Swede" Anderson y la morbosa Ava Gardner llevándolo a la perdición como la letal Kitty Collins, prototipo de femme fatale.

Código del hampa es un más que digno remake -originalmente concebido para televisión, pero desterrado al cine por su alto contenido violento- donde Lee Marvin y Angie Dickinson retoman los principales personajes de la historia, mientras que Ronald Reagan, en su última intervención delante de las cámaras, borda su papel de jefe mafioso.


COMENZÓ EN EL TRÓPICO (Swing high, swing low, Mitchell Leisen, 1937)



Sobre la obra teatral "Burlesque", original de George Manker Watters y Arthur Hopkins, se rodaron tres filmes. En todos ellos se mantiene la trama original: la historia de un matrimonio dedicado al mundo del espectáculo, hasta que el éxito del marido cambia el carácter de este y les lleva al divorcio. El primer largometraje es The dance of life (John Cromwell, 1929), con Hal Skelly y Nancy Carroll, teniendo como curiosidad la inclusión de dos números musicales en color; Comenzó en el trópico, la mejor de las versiones, acentúa su tono de comedia, con Carole Lombard y Fred MacMurray de protagonistas; y When my baby smiles at me (Walter Lang, 1948), una producción de la Fox con los números musicales de rigor para permitir el lucimiento de la estrella Betty Grable, acompañada en esta ocasión por Dan Dailey.


LAS CUATRO PLUMAS (The four feathers, Zoltan Korda, 1939)



Las cuatro plumas, protagonizada por Ralph Richarson, C. Aubrey Smith y John Clements, es una gran obra del cine de aventuras, inspirada en una novela de Alfred Edward Woodley Mason, donde un oficial acusado de cobarde por sus tres mejores amigos y su novia restituirá su honor, y devolverá una a una las cuatro plumas que le habían entregado como símbolo de su supuesta falta de valentía.

Aunque existen dos versiones anteriores, la británica The four feathers (René Plaissetty, 1921) y la estadounidense Las cuatro plumas (The four feathers, Ernest B. Schoedsack, Lothar Mendes y Merian C. Cooper, 1929), es este trepidante filme de 1939 el que se ha convertido por méritos propios en todo un clásico del género.

Después se rodarían nuevos filmes sobre el tema:

-Tempestad sobre el Nilo (Storm over the Nile, Terence Young y Zoltan Korda, 1955), con Anthony Steed, Laurence Harvey y James Robertson Justice. Como volvía a ser dirigida por Korda, este reutilizó material de su anterior película, desde planos sueltos a toda la secuencia de la batalla final, una curiosa forma de ahorrar presupuesto y, de paso, de desconcertar al cinéfilo.

-Las cuatro plumas (The four feathers, Don Sharp, 1977), producción británica para la televisión, aunque estrenada en salas comerciales españolas. Con Beau Bridges, Robert Powell y Simon Ward como el trío principal.

-Las cuatro plumas (The four feathers, Sekhar Kapur, 2002), que, a pesar de contar con todas las innovaciones de la cinematografía del tercer milenio, palidece ante la épica romántica que posee la película de 1939.


EL DIARIO DE UNA RECAMARERA / DIARIO DE UNA CAMARERA / EL DIARIO DE UNA CAMARERA / DIARIO DE UNA DONCELLA / EL DIARIO DE UNA DONCELLA (Journal d'une femme de chambre, Luis Buñuel, 1964)



La adaptación de la novela de Octave Mirbeau, en la que una sirvienta oportunista despierta pasiones entre la familia adinerada para la que trabaja, inauguró la etapa francesa de Luis Buñuel, con el protagonismo de Jeanne Moreau y Pichel Piccoli.

Los tintes de denuncia social ya aparecían en la versión original que otro director comprometido, Jean Renoir, llevó a cabo, Memorias de una doncella (The diary of a chambermaid, Jean Renoir, 1946), con Paulette Goddard y Burguess Meredith. Sin embargo, Buñuel potenció los aspectos sociales a la vez que aumentó la implícita carga sexual en la película, dando cabida a muchas de sus obsesiones.

Una nueva versión se estrenaría en 2015, coproducida entre Bélgica y Francia, y dirigida por Benoît Jacquot.

 

[Soichiro]

Otros diez remakes notables:

LOS DIEZ MANDAMIENTOS (The ten commandments, Cecil B. de Mille, 1956)



De Mille es uno de los pocos que se atrevió a dirigir sus películas dos veces, una en el cine mudo y otra en el sonoro, logrando con sus revisiones no solo adaptarse al nuevo medio, sino superar el listón marcado por sus precedentes con una utilización cumplida y espectacular de los nuevos recursos de los que disponía. Arropado por un impresionante reparto y un presupuesto de altura, De Mille consigue dotar de inusitada fuerza algunos de los pasajes bíblicos, como el grandilocuente momento en que Moisés, apoyado por la fuerza de un Dios representado por un tormentoso cielo de colores morados, abre las aguas del mar Rojo para permitir a los judíos huir de los opresores egipcios. No cayó maná del cielo, aunque sí siete nominaciones al Oscar de las que solo conseguiría convertir en premio la de mejores efectos especiales.

La primera vez que De Mille se acercó a los mandamientos fue con Los diez mandamientos (The ten commandments, Cecil B. de Mille, 1923), y, aunque no disponía de Vistavisión, logró, como en la mayoría de sus películas, un resultado considerablemente espectacular y entretenido.

Otras versiones con el título de Los diez mandamientos son una película animada de 2007 dirigida por Bill Boyce y John Stronach y una miniserie de 2005-2006. Luego tenemos las también miniseries Moisés (Moses, Gianfranco de Bosio, 1974) y La Biblia: Moisés (Moses, Roger Young, 1995-1996), la película Exodus: Dioses y reyes (Exodus: Gods and kings, Ridley Scott, 2014) y la comedia cinematográfica Santísimo Moisés (Wholly Moses!, Gary Weis, 1980).


DOBLE SACRIFICIO / UN DÍA DE NAVIDAD (A bill of divorcement, George Cukor, 1932)



Soterrado drama, muy bien resuelto por Cukor, basado en una obra teatral de Clemence Dane, donde una joven debe renunciar a su matrimonio e hijos por la posibilidad de tener una enfermedad mental hereditaria. La fuerza que desprende el dúo John Barrymore-Katharine Hepburn -esta en su debut en pantalla- oculta algunos excesos del asunto. También con el título original de la obra, A bill of divorcement, existen otras dos películas: la producción británica A bill of divorcement (Denison Clint, 1922), con Malcolm Keel y Constance Binney en los papeles principales; y posteriormente Nota de divorcio (A bill of divorcement, John Farrow, 1940), con guion de Dalton Trumbo y protagonismo para Adolphe Menjou y Maureen O'Hara.


MILAGRO POR UN DÍA / UN GÁNGSTER PARA UN MILAGRO (Pocketful of miracles, Frank Capra, 1961)



Dama por un día (Lady for a day, Frank Capra, 1933) es una de esas películas de Frank Capra que, al verlas, uno se siente mejor persona y recupera la fe en la humanidad. La dirigió adaptando el relato "Madame La Gimp", escrito por Damon Runyon. En ella, Annie Manzanas, una simpática pordiosera, consigue, gracias a un supersticioso delincuente, hacerse pasar por una dama de la alta sociedad y mantener la ilusión a su hija, que está a punto de visitarla con su millonario novio, de que vive mucho mejor de lo que lo hace en realidad.

Su nueva versión, rodada en color por el mismo Capra en la recta final de su carrera, surgió en medio de un rodaje tortuoso, con Glenn Ford y Bette Davis tirándose los trastos a la cabeza y con muchos obstáculos para el director. La crítica, además, no la recibió con agrado. Pasados los años, nadie que vea la película se da cuenta de todos esos problemas, ni se acuerda de la opinión de aquellos críticos.

Una nueva versión sería la película hongkonesa Gángster para un pequeño milagro (Kei zik, Jackie Chan, 1989).


EL HALCÓN DE LOS MARES / EL HALCÓN DEL MAR (The sea hawk, Michael Curtiz, 1940)



Las aventuras del pirata inglés Geoffrey Thorpe ocupan la trama de las dos versiones fílmicas de la novela de Rafael Sabatini.

Michael Curtiz consiguió, con su característico estilo, una película bella y estilizada, que rezuma aventura por las grietas del casco del "Albatros", ese barco comandado por Errol Flynn como Geoffrey Thorpe, "el Halcón del Mar", que era como se denominaba a los capitanes que ejercían la piratería con el consentimiento de la reina. Aunque mantiene puntos de contacto argumental con su precedente El gavilán de los mares (The sea hawk, Frank Lloyd, 1924), las posibilidades del cine sonoro hicieron que la historia creciera y se acompañara de intrigas palaciegas y diálogos satíricos e ingeniosos que daban un nuevo sesgo más lúdico a la historia narrada. Memorable la secuencia de la batalla naval, así como el duelo final que enfrenta a Thorpe con el traidor Lord Wolfingham -encarnado por Henri Daniell-.


NACE UNA ESTRELLA / HA NACIDO UNA ESTRELLA (A star is born, William A. Wellman, 1937)



Este ejemplar melodrama, repleto de bajas y excelsas pasiones sobre el mundo del cine y el fulgor deslumbrante pero efímero de sus estrellas, ha gozado de hasta cinco adaptaciones cinematográficas:

-Ha nacido una estrella, dirigida con oficio por William A. Wellman, resultó un rotundo éxito. Protagonizada por Janet Gaynor y Fredric March, fue nominada a cuatro Oscars, siendo finalmente William A. Wellman y Robert Carson quienes resultaron galardonados con el Oscar al mejor guion original.

-Hollywood al desnudo (What price Hollywood?, George Cukor, 1932), primera película encargada de transmitirnos las desventuras de Esther Blodget en su camino al estrellato. Escrita por Adela Rogers St. John y dirigida por George Cukor, quien no debió quedarse satisfecho del todo ya que repitió la experiencia años después.

-Cukor reincidió con Ha nacido una estrella (A star is born, George Cukor, 1954), adaptando la historia al musical y con el protagonismo de Judy Garland y James Mason.

-Ha nacido una estrella (A star is born, Frank Pierson, 1976), con Barbra Streissand y Kris Kristofferson y cambiando el telón de fondo del mundo del cine por el de la música pop.

-Ha nacido una estrella (A star is born, Bradley Cooper, 2018), protagonizada por Lady Gaga y Bradley Cooper.


EN MANOS DEL DESTINO / EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO (The man who knew too much, Alfred Hitchcock, 1956)



Alfred Hitchcock realizó una nueva versión de uno de sus éxitos británicos de 1934 al que no le cambió ni el título, pero sí le añadió el Technicolor y la canción de Doris Day "Qué será, será".

Realizado a partir de un guion original de Edwin Greenwood, Emlyn Williams y A. R. Rawlinson, el argumento de ambas películas sigue las peripecias de un matrimonio envuelto en una intriga para asesinar a un político durante una actuación en el Albert Hall. La resolución del drama, precisamente en medio del concierto, es sin duda uno de los grandes momentos del maestro del suspense, y se mantiene casi plano a plano en la nueva versión, que fue protagonizada por un adecuado James Stewart y una no tanto Doris Day, posiblemente la rubia menos hitchcockiana de todas.


IMITACIÓN DE LA VIDA / IMITACIÓN A LA VIDA (Imitation of life, Douglas Sirk, 1959)



Imitación de la vida (Imitation of life, John M. Stahl, 1934) es un clásico del melodrama, producido por la Universal y con Claudette Colbert y Warren William en sus papeles centrales.

Veinticinco años después, los mismos estudios decidieron renovar la historia, basada en una novela de Fannie Hurst, y contar en Technicolor y con el protagonismo de Lana Turner y John Gavin Imitación a la vida, que contiene las mismas pasiones y sufrimientos de sus personajes: la joven viuda Lora, aspirante a actriz y con una hija de corta edad, acoge en su casa a Annie, una mujer negra de buen carácter, y a su hija Sarah Jane.


NOCHES BLANCAS / INSOMNIA / INSOMNIO (Insomnia, Christopher Nolan, 2002)



Insomnia (Insomnia, Erik Skjoldbjaerg, 1997) es una producción noruega escrita por Erik Skjoldbjaerg y Nikolaj Frobenius. Para su nueva versión estadounidense se buscó el enfrentamiento entre dos estrellas como Al Pacino -policía que acude a Alaska para investigar un crimen, viéndose superado por el clima del lugar- y Robin Williams -en un papel de criminal muy alejado de su imagen convencional-, aunque, afortunadamente, ambos están al servicio de la inteligente narración del realizador Christopher Nolan.


LOS USURPADORES DE CUERPOS / INVASIÓN DE LOS SUPLANTA CUERPOS / USURPADORES DE CUERPOS / LA INVASIÓN DE LOS EXHUMADORES / LA INVASIÓN DE LOS ULTRACUERPOS (Invasion of the body snatchers, Philip Kaufman, 1978)



La novela de Jack Finney es un clásico de la ciencia-ficción donde se relata una invasión extraterrestre que se apodera de los cuerpos de los humanos mientras estos duermen. Don Siegel transforma el relato en una obra maestra: La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the body snatchers, Don Siegel, 1955), cuya acción transcurre en un pequeño pueblo donde solo el protagonista Kevin McCarthy consigue salir indemne del lugar para alertar al resto del mundo. El director Sam Peckinpah era uno de los actores del filme.

Protagonizada por Donald Sutherland, la nueva versión de 1978 se decanta, sin embargo, por localizar el foco invasor en la ciudad de San Francisco, lo que proporciona escenas de masas persiguiendo a los protagonistas. Su ritmo es trepidante y contiene momentos de máxima tensión, además de tener un final diferente donde triunfan las tesis alienígenas. Para homenajear a su antecesora, Don Siegel y Kevin McCarthy aparecen en la película.

La novela de Finney conocería una tercera versión que, sorprendentemente, y a pesar de su calidad, se estrenó directamente en vídeo en algunos países europeos -entre ellos Gran Bretaña y España-: Secuestradores de cuerpos (Body snatchers, Abel Ferrara, 1993), con un reparto encabezado por Meg Tilly y Gabrielle Anwar.

Una cuarta, e innecesaria, versión llegaría con Invasión (The invasion, Oliver Hirschbiegel, 2007), que procura trascender las versiones anteriores para plantear la epidemia como un fenómeno científico plausible. Nicole Kidman interpreta al personaje principal.


IVANHOE (Ivanhoe, Richard Thorpe, 1952)



Clásico del cine de aventuras que aún hoy mantiene su encanto a pesar de las acartonadas interpretaciones de su trío protagonista, que parece no creerse nada de lo que pasa en la pantalla. El núcleo central de la historia lo constituye el triángulo amoroso entre Robert Taylor, Joan Fontaine y una inolvidable y bellísima Elizabeth Taylor como la sufrida Rebecca, que, incomprensiblemente, es abandonada por Ivanhoe en favor de la mucho más sosa Fontaine.

Inspirado en la novela romántica de Sir Walter Scott, cuenta las aventuras del caballero Wilfrid de Ivanhoe que busca conseguir el dinero necesario para rescatar a Ricardo Corazón de León con la oposición del usurpador del trono Juan y sus seguidores.

Muy poco tienen que ver dos olvidados filmes británicos titulados Ivanhoe, rodados en 1913 y dirigidos por Herbert Brenon y Leedham Bantock. Otras versiones de las aventuras de este caballero sajón, tan valiente como poco acertado con la elección de sus chicas, fueron rodadas en 1911, 1912 y 1964, además de un telefilme de 1982, dos miniseries de 1970 y 1997, y una serie televisiva de 1958-1959.

 

[Soichiro]

Más remakes notables:

JUNTOS HASTA LA MUERTE (Colorado territory, Raoul Walsh, 1949)



Magistral adaptación, en clave de western trágico, de la novela de W. R. Burnett, que ya había inspirado el clásico de cine negro dirigido por el propio Raoul Walsh El último refugio (High Sierra, Raoul Walsh, 1941).

El argumento de las dos películas es muy similar: un ex convicto planea con dos delincuentes más jóvenes un atraco perfecto que resulta ser un desastre. Muertos sus dos ayudantes, el ex presidiario huye con una chica mestiza hasta que, acorralado, muere acribillado a tiros.

A pesar de su notable interpretación, Joel McCrea no tiene el carisma que su predecesor en el papel, Humphrey Bogart. No sucede lo mismo, en cambio, con Virginia Mayo, muy superior a la Ida Lupino del original, ambas interpretando a las fieles acompañantes de un hombre odiado por todos y condenado a morir.


CÓDIGO DE HONOR / ASESINO OCULTO / EL JURAMENTO (The pledge, Sean Penn, 2001)



La novela de Friedrich Dürrenmatt es un duro alegato sobre un policía obsesionado con un asesino de niños que, para capturarle, es capaz de todo, incluso de poner a una niña como cebo. El filme de Sean Penn es una proeza narrativa que cuenta con la sensibilidad atormentada de Jack Nicholson en todo su esplendor.

Su primera versión es El cebo (Ladislao Vajda, 1958), otra excelsa obra en una coproducción entre Alemania, España y Suiza.


EL LADRÓN DE BAGDAD (The thief of Bagdad, Alexander Korda, Ludwig Berger, Michael Powell, Tim Whalen, William Cameron Menzies y Zoltan Korda, 1940)



Mágica adaptación del universo de los cuentos de Las 1.001 noches. El ladrón de Bagdad es una lujosa versión, servida por una auténtica colección de directores que aportan su talento particular para conseguir una película de abundantes momentos mágicos, de sorprendentes efectos especiales y de desbordada fantasía. En este libre remake, el malvado interpretado por Conrad Veidt usurpa el trono del califa de Bagdad, y será un niño al que da vida Sabu, ayudado por un gigantesco genio que ha liberado de la botella en la que se encontraba preso, quien tendrá que volver a poner las cosas en su sitio.

Sin entrar en comparaciones sobre la mayor o menor calidad de cada película, es necesario recordar que el precedente, El ladrón de Bagdad (The thief of Bagdad, Raoul Walsh, 1924), con un altísimo presupuesto de dos millones de dólares y producido y protagonizado por un espléndido Douglas Fairbanks, fue una de las películas más importantes del período mudo, con unos efectos especiales más que sorprendentes para la época que incluyen monstruos gigantes, caballos con alas y alfombras voladoras.

En plena época de recuperar los clásicos del género de aventuras por parte del cine italiano, se estrenó El ladrón de Bagdad (Il ladro di Bagdad, Arthur Lebin, 1960), con el habitual Steve Reeves, mientras que para televisión tuvimos el intento Las aventuras del ladrón de Bagdad (The thief of Bagdad, Clive Donner, 1978), protagonizado por Kabir Bedi.

En España se estrenó un filme de animación con el título de El ladrón de Bagdad (Arabian knight, Richard Williams, 1995), que no tiene mucho que ver con la historia que nos ocupa.


EL LIBRO DE LA SELVA (Jungle Book, Wolfgang Reitherman, 1967)



Estupenda y animosa versión de dibujos animados producida por los estudios Disney, retomando los personajes de la novela del escritor británico Rudyard Kipling. Salpicada de entrañables canciones de los hermanos Sherman, el filme se centra en las aventuras de Mowgli y sus amigos -una pantera y un oso- en la selva, y en su combate con el malvado tigre Shere-Khan. En el 2003 se estrenó una anodina secuela, El libro de la selva 2 (Jungle Book 2, Steve Trenbirth, 2003), y en 2016 una nueva versión en imagen real dirigida por Jon Favreau.

Fuera de las adaptaciones Disney, la versión de personajes de carne y hueso es El libro de la selva (Jungle Book, Zoltan Korda, 1942), bastante fiel a la novela y explicando cómo Mowgli -interpretado por Sabu- es un niño criado por lobos que tiene el don de hablar con los animales.

En 1994 tuvo lugar una nueva adaptación de la novela, también con personajes reales, titulada El libro de la selva: La aventura continúa (The Jungle Book, Stephen Sommers, 1994), con un crecidito Jason Scott Lee en el papel de Mowgli. Película que conoció una precuela titulada Mowgli y Baloo (Second Jungle Book: Mowgli & Baloo, Duncan McLachlan, 1997), donde se explican las aventuras de un adolescente Mowgli, al que quieren convertir en una atracción de circo.


ÉCHALE LA CULPA A RÍO / LÍO EN RÍO (Blame it on Rio, Stanley Donen, 1984)



Incisiva comedia, repleta de diversión, frescura y jovencitas en bikini, donde un preocupado padre de familia intenta encontrar al amante de su adolescente hija, que acaba siendo su mejor amigo. Los enredos son muestra de la vitalidad de su director, Stanley Donen.

Su antecedente es el filme francés Un moment d'égarement (Claude Berri, 1977), escrito y dirigido por Claude Berri, que tuvo un nuevo remake en la película franco-belga Una semana en Córcega (Un moment d'égarement, Jean-François Richet, 2015).


LA LEY DE LA SANGRE / UN GRITO EN LA SELVA / LA LLAMADA DE LA SELVA (The call of the wild, William A. Wellman, 1935)



Asombrosa película de aventuras en torno al perro Buck, un San Bernardo que vivirá toda clase de aventuras en las frías tierras de Alaska, contando con las actuaciones de Clark Gable, Loretta Young y Jack Oakie.

La famosa novela de Jack London ya había sido llevada al cine mudo en versiones de 1917 y 1923 -dirigida por Fred Jackman-; y posteriormente conocería bastantes adaptaciones más, siendo la mejor La selva blanca (Ken Annakin, 1971), coproducción entre Alemania, España, Francia, Gran Bretaña e Italia, con Charlton Heston de esforzado protagonista, y donde la raza de perro se sustituía por la de Pastor Alemán. Otra vuelta de tuerca sobre el perro es la trilogía europea formada por Colmillo Blanco (Zanna Bianca, Lucio Fulci, 1974), con Franco Nero y Virna Lisi, Colmillo Blanco al rescate (Zanna Bianca alla riscosa, Tonino Ricci, 1974) y La llamada del lobo (Gianfranco Baldanello, 1975), con Jack Palance y Joan Collins. Luego regresó innecesariamente como Colmillo Blanco (White Fang, Randal Kleiser, 1991) y su secuela Vuelve Colmillo Blanco (White Fang II: Myth of the white wolf, Ken Olin, 1994), y como La llamada de lo salvaje (The call of the wild, Chris Sanders, 2020).

De las versiones animadas destaquemos la producción para vídeo Colmillo Blanco (White Fang, Jim Tsenng y Michael Sporn, 1997).


EL LOBO DEL MAR / LOBO DE MAR / EL LOBO DE MAR (The sea wolf, Michael Curtiz, 1941)



Adaptada con frecuencia a la gran pantalla, la versión de Michael Curtiz, con Edward G. Robinson encarnando al conflictivo capitán de barco Wolf Larsen, es la más aplaudida de las adaptaciones de la novela de Jack London. Los tonos sórdidos y sombríos y el ambiente de cine negro se dejaron sentir y la película se convirtió en una de las más desesperadas manifestaciones del cine de aventuras.

Precedentes de la misma los encontramos en la película muda The sea wolf (Ralph Ince, 1926) y en la posterior sonora de idéntico título, dirigida por Alfred Santell en 1930. Además, la novela ha conocido más películas: una traslación al western -Barricade (Peter Godfrey, 1950)-, otras más fieles como Wolf Larsen (Harmon Jones, 1958); coloristas como la producción italiana La leyenda del lobo de mar (Il lupo dei mari, Giuseppe Vari, 1975), con Chuck Connors; la extravagante coproducción entre Alemania y Rumanía El lobo de mar (Deer seawolf, Wolfgang Staudte, 1972); El lobo de mar (The sea wolf, Michael Anderson, 1992), con Charles Bronson y Christopher Reeve, y Lobo de mar (The sea wolf, Gary T. MacDonald, 1997), protagonizada por Stacy Keach.


AMBICIONES QUE MATAN / UN LUGAR BAJO EL SOL / UN LUGAR EN EL SOL (A place in the Sun, George Stevens, 1951)



Una de las más aclamadas novelas de su tiempo fue "An American tragedy", de Theodore Dreiser, que tuvo una compleja adaptación cinematográfica titulada Una tragedia humana (An American tragedy, Josef von Sternberg, 1931), con Phillips Holmes, Sylvia Sidney y Frances Dee de trío protagonista. La historia cuenta cómo un joven ahoga a su novia embarazada cuando se enamora de una joven dama de la alta sociedad. El filme fue un absoluto fracaso comercial, ya que el público no aceptó el final infeliz.

Su remake, un fascinante melodrama protagonizado por Montgomery Clift, Shelley Winters y Elizabeth Taylor, cambió el nombre de los personajes originales, aumentó la sensualidad de los amantes y suavizó el carácter criminal del protagonista.


LA LUZ QUE AGONIZA / LUZ QUE AGONIZA / LUZ DE GAS (Gaslight, George Cukor, 1944)



Obra teatral de Patrick Hamilton titulada "Angel Street", donde una joven y sensible esposa cree volverse loca ante los extraños acontecimientos que suceden en su casa: ruidos, cosas que desaparecen y luces que se hacen más débiles -de ahí el título-. En realidad, todo viene provocado porque su marido es un asesino en busca de las joyas desaparecidas de su víctima y no tiene ningún reparo en desquiciar -y asesinar si se tercia- a su mujer.

En Luz que agoniza, George Cukor dirigió con maestría a los actores, como es habitual en él: Charles Boyer estaba impresionante como el ambicioso esposo sin escrúpulos, mientras que Ingrid Bergman ganó un Oscar interpretando a la candorosa víctima. Anteriormente había sido rodada una también notable versión británica, Luz de gas (Gaslight, Thomas Dickinson, 1940).


EL EMBAJADOR DEL MIEDO / EL CANDIDATO DE MANCHURIA / EL MENSAJERO DEL MIEDO (The Manchurian candidate, Jonathan Demme, 2004)



La desesperada situación política estadounidense llevó al aviso de una nueva manipulación de sus dirigentes en forma de remake de un clásico como El mensajero del miedo (The Manchurian candidate, John Frankenheimer, 1962), un inteligente thriller político con Frank Sinatra, según la novela de Richard Condon. Su argumento versa sobre el lavado de cerebro a un ciudadano para que asesine a un político liberal.

Su nueva versión, protagonizada por Denzel Washington, es un arriesgado aviso a la disparatada política norteamericana de entonces.​

 

[Franco Simplemente]

Te gusto el cuervo?

 

[W.Howlett]

Por desgracia, aun no he podido verla.
Pero preguntas por la que se estreno hace poco o de la versión original?

 

[Soichiro]

Otros diez remakes muy buenos:

MOGAMBO (Mogambo, John Ford, 1953)



Divertimento aventurero en Kenia a cargo de John Ford, adornando las cacerías con un triángulo amoroso entre un cazador -Clark Gable-, la delicada esposa de un arqueólogo inglés -Grace Kelly- y una cabaretera bastante díscola -Ava Gardner-. El largometraje es uno de los más entretenidos y ligeros de la filmografía de su autor.

Anteriormente, la obra teatral de Wilson Collison había servido de excusa para rodar Tierra de pasión (Red dust, Victor Fleming, 1932), cuya acción transcurría en China con el triángulo formado por el propio Gable -veinte años más joven, claro-, Jean Harlow y Mary Astor.


MUJERCITAS (Little women, Mervyn LeRoy, 1949)



La célebre novela de Louise May Alcott conoció en 1949 una gran superproducción MGM, con una vitalista fotografía y un elegante diseño de producción, contando con el protagonismo de June Allyson, Elizabeth Taylor, Margaret O'Brien y Janet Leigh. La historia de las cuatro hermanas de Massachussets durante los turbulentos años de la Guerra Civil Americana ya había conocido anteriormente una versión sonora con el título de Las cuatro hermanitas (Little women, George Cukor, 1933), con Katharine Hepburn, Joan Bennett, Jean Parker y Frances Dee de protagonistas. Después conoció otra versión, Mujercitas (Little women, Gillian Armstrong, 1994), con un reparto formado por las nuevas estrellas Winona Ryder, Kirsten Dunst, Claire Danes y Trini Alvarado.

Además hay que citar también la miniserie Mujercitas (Little women, David Lowell Rich, 1978). El cine mudo realizó dos versiones: una británica de 1917 dirigida por Alexander Butler y una estadounidense de 1919 dirigida por Harley Knoles. Del resto de versiones destaquemos -sería el cuento de nunca acabar apuntarlas todas- una película de 2019 dirigida por Greta Gerwig y una miniserie de 2017.


LA GRAN ESTAFA / OCEAN'S ELEVEN: HAGAN JUEGO (Ocean's eleven, Steven Soderbergh, 2001)



Ocean acaba de salir de la cárcel y ya está preparando un espectacular golpe a un casino de Las Vegas. Para ello recluta a una serie de delincuentes, cada uno el mejor en su especialidad. Todo ello dentro de una gran comedia sobre atracos, dirigida con mucho ritmo por Soderbergh, con unos brillantes diálogos, una apabullante selección musical, un excelente reparto -George Clooney, Julia Roberts, Matt Damon, Brad Pitt, Andy Garcia, Carl Reiner...- y una estética de talentosa modernidad. Tanto éxito tuvo el filme que el mismo equipo técnico y artístico se embarcaron en toda una -decepcionante- saga: Ocean's twelve - Uno más entra en juego (Ocean's twelve, Steven Soderbergh, 2004), Ocean's thirteen (Ocean's thirteen, Steven Soderbergh, 2007) y Ocean's eight (Ocean's eight, Gary Ross, 2018).

El original es la divertida farsa La cuadrilla de los once (Ocean's eleven, Lewis Milestone, 1960). Según un guion original de Harry Brown y Charles Lederer, está al servicio del "Clan Sinatra", encabezado por el propio Frank junto a Dean Martin, Sammy Davis Jr. y Peter Lawford, a los que hay que añadir presencias como Angie Dickinson, Richard Conte, César Romero, Joey Bishop, Patrice Wymore, Henri Silva y Akim Tamiroff.


LAS OCHO MUJERES DE BARBA AZUL / LA OCTAVA MUJER DE BARBA AZUL (Bluebeard's eighth wife, Ernst Lubitsch, 1938)



Deliciosa comedia de Lubitsch gracias a un guion perfecto de Billy Wilder y Charles Brackett que adaptaba la novela de Alfred Savoir sobre un millonario estadounidense a punto de casarse por octava vez. La pareja formada por Gary Cooper y Claudette Colbert se adapta perfectamente al estilo del director.

Anteriormente había sido llevada al cine en una también divertida versión muda, La octava mujer de Barba Azul (Bluebeard's eighth wife, Sam Wood, 1923), con Huntley Gordon y Gloria Swanson como pareja central.


OLIVER (Oliver, Carol Reed, 1968)



El remake musical de "Oliver Twist", una de las novelas más famosas de Charles Dickens, corrió a cargo de Carol Reed y obtuvo cinco premios de la Academia. Mark Lester encarnó al ingenuo niño "adoptado" por una banda de carteristas en los barrios bajos londinenses de finales del siglo XIX, y Ron Moody fue el delgaducho timador líder de los ladrones, Fagin. En 1948 David Lean dirigió la adaptación más culta y prestigiosa de esta obra, con un memorable Alec Guinness como Fagin y Robert Newton en el papel del brutal Bill Sykes.

Anteriormente, en 1933, la Monogram también había llevado a la pantalla al personaje; del mismo modo que la First National Pictures hizo lo propio en 1922, con un gran reparto dirigido por Frank Lloyd en el que destacaron Lon Chaney como Fagin y Jackie Coogan como uno de los Oliver Twist mejor caracterizados.

Más versiones mudas fueron: la estadounidense de 1909 dirigida por J. Stuart Blackton; la británica también de 1909, de Ian Fordyce; una francesa de 1910, de Camille Morlhon; otra danesa ese mismo año -¿qué les importaría a los daneses el niño pobre de Londres?-; otras dos USA en 1912, y otra en 1916 dirigida por James Young.

Todo ello sin olvidar un remake francés de 1962 dirigido por Jean-Paul Carrère; varios de televisión y dibujos animados, siendo el más célebre de estos últimos Oliver y su pandilla (Oliver and company, George Scribner, 1988), donde Oliver estaba representado por un gatito y los demás personajes por perros.

Su última adaptación es la producción europea Oliver Twist (Oliver Twist, Roman Polansky, 2005), dirigida convencionalmente por Roman Polansky.


LA PASIÓN MANDA / PASIÓN CIEGA / LA PASIÓN CIEGA (They drive by night, Raoul Walsh, 1940)



Intensa producción de Hal B. Wallis, con George Raft y Ann Sheridan y basada en la novela "Loung Haul" de A. I. Bezzerides, que ya había sido llevada al cine con el título de Barreras infranqueables (Bordertown, Archie Mayo, 1935), con una pareja no menos estelar de la Warner formada por Paul Muni y Bette Davis. El melodrama parte de dos hermanos camioneros, uno de los cuales pierde un brazo mientras que el otro se ve atrapado por las redes de una mujer desequilibrada.


LA TIENDITA DEL HORROR / LA TIENDA DE LOS HORRORES (Little shop of horrors, Frank Oz, 1987)



Extraordinaria revisión musical de un clásico de la serie B fantástica: La pequeña tienda de los horrores (Little shop of horrors, Roger Corman, 1960). Inspirada a su vez en un relato de Charles B. Griffith, esta película, rodada en dos días y medio, trata de una planta carnívora sedienta de sangre humana que se sirve del infeliz dependiente de una floristería para que le proporcione alimento.

El remake aligera la carga dramática del original y la transforma en una inmensa comedia, con hilarantes interpretaciones de Rick Moranis y Steve Martin, y canciones de Howard Ashman y Alan Menken.


EL PEQUEÑO LORD / PEQUEÑO LORD FAUNTLEROY (Little Lord Fauntleroy, John Cronwell, 1936)



"Little Lord Fauntleroy" es un clásico de la literatura escrito por Frances Hodgson Burnett, sobre la dramática historia del joven Cedric, que vive con su madre en los barrios más miserables del Nueva York de 1880 y que, de repente, es trasladado junto a su progenitora a un suntuoso castillo de Inglaterra debido a que descienden de la alta nobleza británica. Aunque no serán precisamente bien recibidos, el niño endulzará el corazón de los estrictos propietarios del castillo.

La primera aproximación la encontramos en Gran Bretaña en 1914, aunque la verdaderamente importante es la que dio la oportunidad a Mary Pickford de aparentar ser un niño en El pequeño Lord Fauntleroy (Little Lord Fauntleroy, Alfred E. Green y Jack Pickford, 1921). Tras la versión de 1936, protagonizada por Freddie Bartholomew, la historia volvería para ser objeto de un telefilme estrenado en las salas comerciales españolas como El pequeño Lord (Little Lord Fauntleroy, Jack Gold, 1980), con el nuevo -y breve- niño prodigio Ricky Schroder, acompañado de Alec Guinness como el abuelo gruñón de turno. La novela también sería objeto de un par de miniseries, de 1976 y 1995.


MALA MUJER / PERVERSIDAD (Scarlett street, Fritz Lang, 1945)



Todo un ejemplo del mejor cine negro de la época, con un insuperable retrato de un pintor humillado y degradado -Edward G. Robinson- por una mujer sin demasiados escrúpulos -exquisita Joan Bennett-.

Los conceptos de crimen, pecado, culpa y perdón procedían de la novela "La chiene", de Georges de la Fourchardiere, y ya había sido llevada al cine como La golfa (La chiene, Jean Reoir, 1931), obra maestra del cine francés con Michel Simon y Janie Mareze de protagonistas.


LA PÍCARA PURITANA (The awful truth, Leo McCarey, 1937)



Vodevil teatral escrito por Arthur Richman sobre una pareja que, aunque tienen otros amantes y deciden divorciarse, en realidad siguen enamorados. Este enredo fue llevado al cine por primera vez en la versión muda Maridos celosos (The awful truth, Paul Powell, 1925), con Warner Baxter y Agnes Ayres como protagonistas; y después con The awful truth (Marshall Neilan, 1929), con Henry Daniell e Ina Claire de pareja central. Por su parte, La pícara puritana es una de las mejores y más delirantes comedias de McCarey, con un ritmo trepidante y un atractivo reparto encabezado por Cary Grant e Irene Dunne.

Después, Amor a medianoche (Let's do it again, Alexander Hall, 1953) se convirtió en una versión musical de la obra, bastante pobre en cuanto a humor y con actores faltos de actitudes cómicas como Ray Milland y Jane Wyman.​

 

[Franco Simplemente]

Por ambas versiones

 

[Soichiro]

¿QUO VADIS? (Quo vadis?, Mervyn LeRoy, 1951)



Historia de amor entre el oficial romano Marco Venicio y la joven cristiana Ligia, en el marco del incendio de Roma provocado por Nerón. La película de 1951 es una superproducción MGM que tiene como momentos más recordados el incendio de Roma, el enfrentamiento final en el circo romano entre un toro y el gigante cristiano protector de Ligia, y la magistral actuación de Peter Ustinov como el loco Nerón.

Se basa en una novela del polaco Henryk Sienkiewicz, que ya había sido adaptada en el cine mudo en dos producciones italianas: ¿Quo vadis? (Quo vadis?, Enrico Guazzoni, 1912), con Carlo Cattaneo como Nerón; y ¿Quo vadis? (Quo vadis?, Arturo Ambrosio y Gabriele D'Annunzio, 1924), con Emil Jannings como el emperador romano.

Para televisión se filmarían dos miniseries con todo lujo de medios: una en Italia en 1985 y dirigida por Franco Rossi, y otra en Polonia en 2001 y del director Jerzy Kawalerowicz.


EL REY Y YO (The king and I, Walter Lang, 1956)



Basándose en el diario verídico de Anna Leonowens "The English governess at the Siamese court", la escritora Margaret Landon convirtió su novela en un best seller en 1944. El cine vio inmediatamente las posibilidades románticas del relato, que contaba la historia de la institutriz británica Anna Leonowens, quien en 1862 aceptó cuidar a los sesenta y siete niños del rey de Siam, actual Tailandia. La primera película fue Ana y el rey de Siam (Anna and the king of Siam, John Cromwell, 1946), con Irene Dunne, Rex Harrison y Linda Darnel en el trío protagonista. Este filme entusiasmó a la actriz Gertrude Lawrence, quien pensó que podía convertir la historia en un musical con ella de protagonista. Así, el musical "El rey y yo", escrito por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, se estrenó en Broadway en 1951. Esto hizo que, en pleno éxito de los musicales-espectáculo, la Fox llevase a cabo una lujosa recreación del reino de Siam adaptando el musical a la pantalla, con el protagonismo de Yul Brynner, quien ya había interpretado el mismo papel en la obra, y Deborah Kerr.

Sorprendentemente, en 1999 se estrenaron dos nuevos largometrajes estadounidenses: Ana y el rey (Anna and the king, Andy Tennant, 1999), una superproducción bastante distante con Jodie Foster, Chow Yun-Fat y Bai Ling de protagonistas; y El rey y yo (The king and I, Richard Rich, 1999), película de dibujos animados producida por Warner Bros. sobre la obra musical de Rodgers y Hammerstein II.


RICAS Y FAMOSAS (Rich and famous, George Cukor, 1981)



Dos amigas se encuentran después de muchos años, rememorando su vieja amistad, según una obra teatral escrita por John van Druten, que disecciona con maestría el alma femenina.

Sus dos adaptaciones al cine son notables:

-Vieja amistad (Old acquaintance, Vincent Sherman, 1943), con Bette Davis y Miriam Hopkins como las susodichas mujeres.

-Ricas y famosas, el último filme del veterano George Cukor, protagonizado por Jacqueline Bissett y Candice Bergen. En la película aparece Meg Ryan en uno de sus primeros papeles.

En 1958 se filmaría un telefilme sobre la misma historia, con Judy Campbell y Lally Bowers en los personajes principales.


SCARAMOUCHE (Scaramouche, George Sidney, 1952)



El género de capa y espada toca una de sus cumbres aquí, con esta película de aventuras en la que destaca ese impresionante duelo final en los balcones de un teatro de París, en un clímax difícil de olvidar. La historia de André Moreau -Stewart Granger- y sus empeños en vengar la muerte de su hermano asesinado tiene en esta película arrolladora y vibrante la mejor traslación al cine de la novela de Rafael Sabatini. Un reparto entregado, una cuidada fotografía de fuertes colores y una coreografía de las peleas y duelos casi musical convierten este filme en un clásico del cine de aventuras. El original de este brillante remake tampoco estuvo falto de empuje y eficacia. Scaramouche (Scaramouche, Rex Ingram, 1923) también se saldó con resultados más que positivos y contó con Ramon Novarro para encarnar al espadachín.

Otras versiones fueron las películas Aventuras y amores de Scaramouche (Le avventure e gli amori di Scaramouche, Enzo G. Castellari, 1976) y La máscara de Scaramouche (Antonio Isasi-Isasmendi, 1963), y la miniserie italiana Scaramouche (Daniele D'Anza, 1965)


EL CASO THOMAS CROWN / EL SECRETO DE THOMAS CROWN (The Thomas Crown affair, John McTiernan, 1999)



Ladrón de cuadros de guante blanco, elegante, sofisticado y atractivo. Thomas Crown sabe aprovechar todos sus encantos para jugar con la policía que le persigue, Catherine Banning, en una partida que les llevará a un inevitable romance. Ambos están encarnados con química y talento por Pierce Brosnan y una especialmente salerosa René Russo. Una sobresaliente película, con ritmo y diversión, en la que aparece Faye Dunaway como psiquiatra, una de los protagonistas del largometraje original, El caso de Thomas Crown (The Thomas Crown affair, Norman Jewison, 1968), sobre un guion original de Alan R. Trustman y con Steve McQueen como el protagonista.

Ambas versiones tienen mucho en común, aunque Jewison utiliza demasiadas técnicas de los sesenta como la psicodelia, los zooms y la pantalla dividida en varios fragmentos.


EL SIGNO DE LA CRUZ (The sign of the cross, Cecil B. de Mille, 1932)



Basada en la obra teatral de Wilson Barret sobre la Roma imperial, su primera adaptación al cine fue The sign of the cross (Oscar Apfel, 1914). Aunque el auténtico clásico es El signo de la cruz (1932), con Charles Laughton como Nerón, Fredric March como el soldado romano, Elissa Landi en el papel de la esclava cristiana y Claudette Colbert como la perversa Poppea.


MADRE / STELLA DALLAS (Stella Dallas, King Vidor, 1937)



La novela de Olive Higgins sobre el amor de una madre por su hija es un melodrama del que Samuel Goldwyn supo encontrar inmensas posibilidades, produciendo por ello una primera versión muda titulada Y supo ser madre (Stella Dallas, Henry King, 1925), con un reparto formado por Belle Bennett, Ronald Colman, Jean Hersholt y Douglas Fairbanks Jr. El propio Goldwyn produjo una adaptación sonora en 1937, con Barbara Stanwyck y Anne Shirley, potenciando el carácter dramático del personaje central y ofreciendo toda una serie de elementos con los que satisfacer al público: matrimonio roto, madre sufridora, diferencia de clases, emociones a flor de piel, superación personal... En 1990, la Samuel Goldwyn Company, en colaboración con Rank y Touchstone, volvió a adaptar la novela al cine con Stella (Stella, John Erman, 1990), con una dinámica Bette Midler como la camarera dispuesta a todo por su hija ilegítima.


TESS (Tess, Roman Polansky, 1979)



"Tess d'Urbervilles" es una novela escrita por Thomas Hardy, y que ya había sido llevada al cine en la época muda en sendas producciones homónimas de 1913 y 1924. La historia está protagonizada por la joven Tess, una humilde campesina que es enviada por sus padres a la mansión de unos supuestos parientes en busca de trabajo.

En 1939, el productor David O. Selznick compró los derechos de la novela para llevarla a la pantalla, sobre todo para lucimiento de su musa Jennifer Jones. Sin embargo, nunca pudo ver cumplido su deseo y no fue hasta 1978 cuando dichos derechos quedaron libres, apareciendo entonces en escena el productor francés Claude Berri, quien contrató al director polaco Roman Polansky para que la pusiera en imágenes. El resultado es una lírica historia de amor, tan elegantemente filmada que consiguió tres Oscars de la Academia.

La historia también sería adaptada en las miniseries Tess, la de los D'Urberville (Tess of the D'Urbervilles, David Blair, 2008) y Tess of the D'Urbervilles (Ian Sharp, 1998).


UNA HORA CONTIGO (One hour with you, Ernst Lubitsch, 1932)



Deliciosa opereta del maestro Lubitsch que retoma su propia película Los peligros del flirt (The marriage circle, Ernst Lubitsch, 1924), realizada a partir de una obra de teatro de Lothar Goldschmidt, y para la que se sirvió en la dirección de la ayuda de su joven discípulo George Cukor. La película cuenta los enredos de un atractivo matrimonio de la alta sociedad parisina seducidos por los cantos de sirena que les ofrecen un par de pretendientes.

El remake supuso un nuevo encuentro de la pareja favorita de Lubitsch por aquellos tiempos, Jeannette McDonald-Maurice Chevalier, que ya habían protagonizado El desfile del amor (The love parade, Ernst Lubitsch, 1929) y que volverían a compartir estrellato en La viuda alegre (The merry widow, Ernst Lubitsch, 1934).


NEGOCIOS O PLACER / VIVIR PARA GOZAR (Holiday, George Cukor, 1938)



Una de las mejores comedias con Katharine Hepburn, de nuevo en perfecta armonía con Cary Grant. George Cukor logró una combinación perfecta de elementos y, sobre todo, un casting inmejorable donde también brillan los secundarios Lewis Ayres y Doris Nolan.

Segunda y mejorada versión de Holiday (Edward H. Griffith, 1930), que a su vez adaptaba un texto de Philip Barry, en el que el novio de una rica burguesa de la alta sociedad se enamora de la hermana pequeña de su prometida, mucho más jovial y la única que parece entenderle en una familia demasiado rígida y controladora para su gusto. El actor Edward Everett Norton interpretó el mismo papel en las dos películas.​

 

[Soichiro]

LA MARCA DEL ZORRO / EL SIGNO DEL ZORRO (The mark of Zorro, Rouben Mamoulian, 1940)



Uno de los personajes más renombrados del género de aventuras es Don Diego de la Vega, aristócrata en apariencia medroso que, al colocarse un antifaz negro y una capa, se transforma en uno de los símbolos de libertad para el oprimido pueblo mexicano en la California de mediados del siglo XVIII. Personaje creado por Johnston McCulley en una saga de novelas iniciada en 1919 con "The curse of Capistrano", que el cine ha ofrecido en numerosas ocasiones, incluyendo seriales, series de televisión -destaquemos la producida por Disney en los años 50-, parodias -Estos Zorros locos, locos, locos (Zorro, the gay blade, Peter Madak, 1981)- y películas de diversas nacionalidades, destacando las italianas de los años 60. Aunque si hablamos de adaptaciones de la novela original, los largometrajes más renombrados son La marca del Zorro (The mark of Zorro, Fred Niblo, 1920), El signo del Zorro y la franco-italiana El Zorro (Zorro, Duccio Tessari, 1975), todas con un ritmo fascinante y que dan categoría al cine de aventuras a través de sus actores protagonistas, Douglas Fairbanks, Tyrone Power y Alain Delon respectivamente. Aunque la más conocida ha terminado siendo el "Zorro" de Antonio Banderas, al que el actor malagueño llenó de sentido del humor en La máscara del Zorro (The mask of Zorro, Martin Campbell, 1997) y su secuela La leyenda del Zorro (The legend of Zorro, Martin Campbell, 2005).


SIETE HOMBRES Y UN DESTINO / LOS SIETE MAGNÍFICOS (The magnificent seven, John Sturges, 1960)



Mítico western sobre siete pistoleros que se unen para luchar contra un grupo de guerrilleros que asolan un poblado mexicano, recordado sobre todo por su tema principal de Elmer Bernstein, banda sonora que fue nominada al Oscar, y el reparto de lujo que interpreta a los siete titulares: Yul Brynner, Steve McQueen, Horst Buchholtz, James Coburn, Charles Bronson, Robert Vaughn y Brad Dexter. Los personajes fueron creados a partir de un guion original de William Roberts, aunque el argumento es, en realidad, el de la película japonesa Los siete samuráis (Shichnin no samurai, Akira Kurosawa, 1954).

Tras el filme de 1960, se realizaron tres continuaciones -estas son El regreso de los siete magníficos (Return of the seven, Burt Kennedy, 1967), La furia de los siete magníficos (Guns of the magnificent seven, Paul Wendkos, 1969) y El desafío de los siete magníficos (The magnificent seven ride, George McGowan, 1972)-, las cuales fueron degenerando en cuestión artística hasta llegar a la última de ellas, rodada con muy pocos medios y nula creatividad.

La historia de los magníficos volvería con una serie estrenada en las temporadas 1998-2000 y una película de 2016 dirigida por Antoine Fuqua y con un reparto encabezado por Denzel Washington, mientras que la original Los siete samuráis sería adaptada en el anime de ciencia-ficción Samurai 7 (Samurai 7, Toshifumi Takizawa, 2004).


LA MOSCA (The fly, David Cronenberg, 1986)



La historia original de George Langelaan plantea los problemas de un científico que se va convirtiendo en mosca cuando, tras probar una máquina que desintegra y vuelve a unir moléculas, uno de estos insectos hace el viaje con él.

La mosca (The fly, Kurt Neumann, 1958), protagonizada por David Hedison, Patricia Owens y Vincent Price, es un clásico del cine de ciencia-ficción/terror a pesar de sus primitivos efectos de maquillaje, pero tiene una atmósfera muy inquietante y un final absolutamente magistral. Su éxito llevó a la pantalla nuevos experimentos con El regreso de la mosca (Return of the fly, Edward Bernds, 1959) y La maldición de la mosca (The curse of the fly, Don Sharp, 1965), siendo el hijo del científico el protagonista de la segunda parte.

En 1986 el inquieto David Cronenberg realiza un interesante aunque repulsivo remake, repleto de vísceras, gelatina y efectos visuales, donde Jeff Goldblum interpreta al científico loco. De gran acogida entre los aficionados al género fantástico, tuvo su correspondiente secuela no menos repleta de monstruos y viscosidad, donde el hijo de la mosca estaba retenido en una base científica para su estudio. El resultado es La mosca II (The fly II, Chris Walas, 1988), con Eric Stolz como el infeliz moscón.


TARZÁN, EL HOMBRE MONO / TARZÁN / TARZÁN DE LOS MONOS (Tarzan, the ape man, W. S. Van Dyke, 1932)



Personaje creado por Edgar Rice Burroughs, en una serie literaria donde un niño crece en la selva criado por gorilas hasta llegar a ser Tarzán, el rey de la jungla. El cine siempre ha mostrado mucho interés por este individuo medio desnudo, llegando a la actualidad a tener más de sesenta títulos.

En 1918 apareció el primer Tarzán en la figura de Elmo Lincoln con las primitivas Tarzán de los monos (Tarzan of the apes, Scott Sidney, 1918) y The romance of Tarzan (Wilfred Lucas, 1918). Tras varias olvidadas versiones y el serial Tarzan the tiger (Henry MacRae, 1929), la primera adaptación hablada del personaje, apareció el campeón olímpico de natación Johnny Weissmuller, un tío cachas que chillaba como nadie y nadaba más rápido que el cocodrilo de turno, además de cuidar a Chita y a Jane a partes iguales. Protagonizó la friolera de doce películas como el tipo del taparrabos entre 1932 y 1948, siendo las seis primeras las mejores de la saga, con excelentes directores tras los proyectos y una pareja mítica como la formada por Weissmuller y la salvajemente bella Maureen O'Sullivan como Jane. Después, la serie fue cayendo en la rutina hasta resultar poco menos que un rollo.

En fin, sin querer entretenerme en contar la historia cinematográfica de Tarzán -quizá haga un artículo sobre el tema-, nos centraremos en los remakes de la película de 1932:

-Tarzán de los monos (Tarzan, the ape man, Joseph Newman, 1959), con Denny Miller y Joanna Barnes como los nuevos Tarzán y Jane;

-La horrenda y semi erótica Tarzán, el hombre mono (Tarzán, the ape man, John Derek, 1981), con Miles O'Keefe y Bo Derek explorando sus cuerpos;

-Greystoke: La leyenda de Tarzán, el rey de los monos (Greystoke: The legend of Tarzan, lord of the apes, Hugh Hudson, 1984), fiel adaptación de la primera novela de Burroughs, con un exquisito y aburrido toque británico en su forma, y Christopher Lambert como el salvaje y Andie MacDowell como Jane;

-Tarzán (Tarzan, Chris Buck y Kevin Lima, 1999), dinámica versión animada de la productora Disney.


DRÁCULA (Dracula, Terence Fisher, 1958)



Sin duda fue la factoría británica Hammer la que más hizo para reivindicar al personaje del vampiro creado por Bram Stoker en su novela "Drácula". Un total de siete películas produjo entre 1958 y 1973 con los personajes centrales del Conde Drácula -interpretado magnéticamente por Christopher Lee- y su acérrimo enemigo, el cazador de vampiros Van Helsing -estoicamente encarnado por Peter Cushing-, si no contamos Las novias de Drácula (The brides of Dracula, Terence Fisher, 1960) y Kung fu contra los siete vampiros de oro (The legend of the seven golden vampires, Roy Ward Baker, 1974), en las que solo aparece Van Helsing -aunque Lee también encarnaría al vampiro en la coproducción germano-española El Conde Drácula (Jesús Franco, 1970)-. Lástima que, a medida que las ideas se agotaban, la calidad de los filmes fuera bajando considerablemente en intensidad, no teniendo nada que ver sus dos primeras joyas -Drácula y las novias de Drácula, esta última con David Peel interpretando, pese al título, a otro chupasangres- con la degeneración surgida en los años 70. Después hemos visto condes de todo tipo, desde negros hasta paródicos, pero las otras adaptaciones cinematográficas propiamente dichas de la novela de Stoker son: la impactante Drácula (Dracula, Tod Browning, 1931), con Bela Lugosi como complaciente vampiro, y primera adaptación si obviamos la alemana Nosferatu, el vampiro (Nosferatu, F. W. Murnau, 1922), en la que se tuvo que cambiar el nombre al conde por cuestiones de derechos de autor; Drácula (Dracula, John Badham, 1979), con Frank Langella de romántico mordedor y Laurence Olivier de anciano Van Helsing; y Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker's Dracula, Francis Ford Coppola, 1992), megalómano espectáculo con Gary Oldman de desmadrado vampiro y Anthony Hopkins de no menos disparatado cazador de bichos.​

 

[Juan-cho]

Me pasó algo parecido cuando fui a ver la remake de viernes trece, pensé que era una secuela más y al final metieron las 3 primeras en una sola película

 

[Soichiro]

Remakes buenos:

ADIÓS, MR. CHIPS (Goodbye, Mr. Chips, Herbert Ross, 1969)



La vida de un humilde maestro de escuela, desde el primer día de curso, está magistralmente reflejada en la novela homónima de James Hilton, y ya sirvió para una gran versión británica, Adiós, Mr. Chips (Goodbye, Mr. Chips, Sam Wood, 1939), que le proporcionó a su actor principal, Robert Donat, el Oscar de la Academia.

En 1969, con excelentes canciones de Leslie Bricusse, se adaptó dicha obra al cine en su formato musical, demasiado fatigosa al tener una duración de dos horas y media. Una de sus principales críticas recayó en su protagonista, Peter O'Toole, ya que los productores del filme siempre barajaron como primera opción otros nombres como los de Richard Burton y Rex Harrison.

Otras versiones: el telefilme Adiós, Mr. Chips (Goodbye, Mr. Chips, Stuart Orme, 2002), con Martin Clunes en el papel protagonista; la película Goodbye, Mr. Chips (2021), protagonizada por Nathan Granner; y la miniserie Goodbye, Mr. Chips (Gareth Davies, 1984), con Roy Marsden como el profesor titular.


AL DIABLO CON EL DIABLO (Bedazzled, Harold Ramis, 2000)



Sucesión de sketchs en los que un impresionante Diablo con el cuerpo de Elizabeth Hurley concede todo tipo de deseos a un atribulado individuo que solo busca el amor de una muchacha. Rodeada de todo lujo y con un gusto muy especial por el vestuario de Hurley, la comedia tiene sus altibajos -evidentemente, unas historias son mejores que otras-, pero mantiene siempre un ritmo de disparate muy beneficioso para la salud.

Su anterior versión es la producción británica Mi amigo el Diablo (Bedazzled, Stanley Donen, 1967), sobre un guion original de Peter Cook y Dudley Moore.


TUYO ES MI DESTINO / ALMA REBELDE (Jane Eyre, Robert Stevenson, 1944)



"Jane Eyre" es la novela más conocida de la trágica escritora británica Charlotte Brontë. Representa una de las cimas del romanticismo victoriano, sobre la historia de amor entre la joven Jane y Edward Rochester, un hombre de carácter bastante agrio y atormentado que posee una mansión en Yorkshire.

Su versión de 1944, protagonizada por Joan Fontaine, es la más célebre de todas ellas, resultando una obra de amor y suspense, dentro de un ambiente opresivo y con aproximaciones al cine de terror en algunos pasajes, como el del orfanato.

Tantas pasiones desatadas ya habían sido un reclamo para el cine, con varias versiones mudas con el título original de la novela y protagonizadas por las actrices Irma Taylor -en 1910-, Ethel Grandin -en 1914-, Louise Vale -en la versión de 1915 que fue dirigida por Tavers Vale-, Alice Brady -1918- y Mabel Ballin -dirigida por Hugo Bailin en 1921-; además de Evelyn Holt en la producción alemana del año 1926 dirigida por Kurt Bernhardt. En 1934, la actriz Virginia Bruce encarnó a esta sufrida heroína en una versión dirigida por Christy Cabanne.

Después, y todas ellas con el título de Jane Eyre, volverían a realizarse unas cuantas adaptaciones para cine y televisión, dirigidas por Delbert Mann -en 1971 y con Susannah York de protagonista-, Joan Craft -1973-, Franco Zeffirelli -1995, interpretada por Charlotte Gainsbourg-, Robert Young -1997-, Susanna White -2006, con Ruth Wilson- y Cari Joji Fukunaga -2011, con Mia Wasikowska-.


ALTA SOCIEDAD (High society, Charles Walters, 1956)



Ecos de sociedad: está a punto de celebrarse la boda entre los millonarios Tracy Lord y George Kitterdge. En la víspera del magno acontecimiento aparece el antiguo novio de Tracy, el divertido C.K. Dexter-Haven, que pretende recuperar a su antiguo amor e impedir la boda. Todo ello según la obra teatral de Philip Barry y cuya trama sirvió para una de las mejores comedias de la historia del cine, Historias de Filadelfia (The Philadelphia story, George Cukor, 1940), interpretada por Katharine Hepburn, Cary Grant y James Stewart.

Su nueva versión, Alta sociedad, protagonizada por Grace Kelly, Bing Crosby y Frank Sinatra, se convirtió en un musical, cambiando su ambiente a la ciudad de Newport, en Rhode Island, y ofreciendo una gran selección de música de jazz a cargo del trompetista Louis Armstrong, que interpreta el famoso "Now you has jazz" junto a Bing Crosby.


EL AMANECER DE LOS MUERTOS / AMANECER DE LOS MUERTOS (Dawn of the dead, Zack Snyder, 2004)



Insistiendo en hacer películas sobre muertos vivientes que se comen a la gente, George A. Romero escribió y dirigió una obra maestra del terror conocida como Zombi (Dawn of the dead, George A. Romero, 1979), en el que un grupo de personas queda atrapado en unos grandes almacenes rodeados de estos seres.

La nueva versión mantiene las constantes de acción y tensión del original, aumentando efectividad en cuanto a sus efectos visuales y maquillaje de los muertos.


EL AMERICANO / EL AMERICANO IMPASIBLE (The quiet American, Philip Noyce, 2003)



Esta historia de romance y espionaje, basada en una novela escrita por Graham Greene, ya había sido llevada al cine como El americano tranquilo (The quiet American, Joseph L. Mankiewicz, 1958), con Audie Murphy y Michael Redgrave. Su nueva versión, protagonizada por Michael Caine, Do Thi Hai Yen y Brendan Fraser, está igualmente bien contada, y aporta más crítica a la presencia de estadounidenses y franceses en Indochina.


EL ESPEJO TIENE DOS CARAS / EL AMOR TIENE DOS CARAS (The mirror has two faces, Barbra Streisand, 1996)



Un reparto de lujo -Barbra Streisand, Jeff Bridges, Lauren Bacall, Pierce Brosnan, George Segal...- para una elegante comedia romántica donde se juega con los sentimientos del amor y el sexo. Además de unas adecuadas interpretaciones, destaca su deslumbrante fotografía obra de los maestros Dante Spinotti y Andrej Bartkowiak. Todo procede de una película francesa escrita por André Cayatte y Gerard Oury: El espejo tiene dos caras (Le mirror á deux faces, André Cayatte, 1958), con Michelle Morgan como protagonista.


ANA CHRISTIE (Anna Christie, Clarence Brown, 1930)



Melodrama basado en una obra teatral de Eugene O'Neill acerca de una mujer maltratada por la vida que busca una oportunidad de ser feliz junto a un marinero. Esta versión sirvió para que la diva Greta Garbo realizase su primera incursión en el cine hablado.

Anteriormente a este filme, se había rodado la estadounidense Anna Christie (John Griffith, 1923), con Blanche Sweet en el papel central. Y en 1965 se rodaría una telefilme argentino sobre el tema, dirigido por Yirair Mossian y protagonizado por Violeta Antier.


EL ÁNGEL DE LAS TINIEBLAS / ÁNGEL EN TINIEBLAS (The dark angel, Sidney Franklin, 1935)



Una lacrimógena obra de teatro de Guy Bolton -con el seudónimo de H. B. Trevelyan- inspiró un sobrio melodrama en 1935 donde Fredric March interpreta a un oficial que, ciego en la guerra, es dado por muerto. Cuando vuelve, descubre que su mejor amigo corteja a su prometida. A destacar a Merle Oberon en su sufrido papel de novia enamorada y la elegante dirección artística de Richard Day.

Su versión original es el filme mudo El ángel de las tinieblas (The dark angel, Clarence Brown, 1925), con Ronald Colman y Vilma Banky, y muy inferior al remake.


ÁNGELES (Angels in the outfield, William Dear, 1994)



Comedia del género fantástico producida por la Disney, donde un ángel ayuda a ganar a un equipo de béisbol gracias a las peticiones de un niño que ha perdido a su padre. O sea, sensiblería rodeada de la astucia habitual del cine estadounidense para involucrar al resto de los humanos en deportes tan localistas como el béisbol. Resulta increíble que ante un argumento de estas características se pueda realizar una película tan emotiva y brillante.

Ángeles contiene muchos elementos diferentes -afortunadamente- de la primera versión, la mediocre Angels in the outfield (Clarence Brown, 1952), escrita por Dorothy Kingsley y George Wells.​

 

[Soichiro]

ARGELIA / ARGEL (Algiers, John Cromwell, 1938)



La trágica historia del ladrón Pépé le Moko, que no puede abandonar Argel, es uno de los ejemplos más curiosos de thriller poético. La historia está basada en una novela de Henry La Barthe, y tuvo una primera versión francesa, Pépé le Moko (Julian Duvivier, 1937).

Sin embargo, la revisión estadounidense es mucho más interesante, con brillantes interpretaciones de Charles Boyer, Gene Lockhart y Hedy Lamarr, quien debutaba en Estados Unidos con este filme.

Un nuevo y mediocre remake fue Casbah (Casbah, John Berry, 1948), con Yvonne de Carlo, Peter Lorre y Tony Martin.


LA ASESINA (Point of no return, John Badham, 1993)



Una delincuente callejera, condenada a cadena perpetua por matar a un policía, ve conmutada su pena al acceder a convertirse en una asesina profesional al servicio del Estado... Este era el argumento de Nikita, dura de matar (Nikita, Luc Besson, 1989), thriller con intermitente sabor a cómic, que, cuando logra descartar la fatua grandilocuencia característica de su director y guionista, denota cierta gracia y no poca fuerza, con una estupenda Anne Parillaud en el papel protagonista.

Su remake estadounidense -uno de tantos de la época de éxitos franceses- resulta inferior, pero no obstante logra mantener un buen nivel, no carente del sabor a cómic del original y con una Bridget Fonda bien metida en su papel, consiguiendo destacar la película en el cine de acción de los años noventa.

Curiosamente, el personaje protagonizaría dos series televisivas: la sofisticada aunque mediocre Nikita (La femme Nikita, Joel Surnow, 1997-2001) y la más compleja y contundente Nikita (Nikita, Craig Silverstein, 2010-2013).


EL LECHERO / EL ASOMBRO DE BROOKLYN / EL CHICO DE BROOKLYN (The kid from Brooklyn, Norman Z. McLeod, 1946)



Nueva versión del filme protagonizado por Harold Lloyd La Vía Láctea (The Milky Way, Leo McCarey, 1936), a partir de una obra de teatro de Lynn Root y Harry Clark. En ella un lechero se cree un gran luchador tras vencer accidentalmente a un campeón de boxeo, circunstancia de la que se aprovecha un mánager timador -Adolphe Menjou- para hacerle participar en una serie de combates amañados.

En su nueva versión el papel del tímido lechero convencido de que es un imbatible boxeador lo asumió el discutible actor cómico Danny Kaye, perfectamente secundado por Virginia Mayo y Vera Ellen.


¿BAILAMOS? (Shall we dance?, Peter Chelsom, 2004)



Exótico trío protagonista -Richard Gere, Jennifer Lopez y Susan Sarandon- para esta agradable comedia romántica sobre cómo el baile hace hervir la sangre hasta extremos insospechados. Su trama procede de un guion original de la japonesa Masayuki Suo que ella misma se encargó de dirigir con el título Shall we dance? (Shall we dance?, Masayuki Suo, 1996), película que consiguió ganar 13 premios de la academia japonesa de cine.


BAJO SOSPECHA (Under suspicion, Stephen Hopkins, 2000)



En una calidad caribeña, un rico magnate -Gene Hackman- es llamado a declarar por un duro policía -Morgan Freeman- que le cree culpable de una serie de crímenes de prostitutas adolescentes que se vienen produciendo hace meses.

Todo proviene de "A table", escrita por John Wainwright, que ya había dado origen al filme francés Arresto preventivo (Garde à vue, Claude Miller, 1981), con Lino Ventura, Michel Serrault y Romy Schneider de trío principal.


MUÑECA DE SEDA / LA BELLA DE MOSCÚ (Silk stockings, Rouben Mamoulian, 1956)



Versión musical de la obra maestra de Ernst Lubitsch Ninotchka (Ninotchka, Ernst Lubitsch, 1939), realizada esta última a partir de una historia original para la pantalla de Melchior Lengyel y adaptada por Billy Wilder, Charles Brackett y Walter Reisch. Si en el original Greta Garbo es la fría comisaria soviética seducida por los encantos de París y la sonrisa de Melvyn Douglas, en el remake el papel principal está interpretado por Cyd Charisse, más guapa que nunca bailando junto a Fred Astaire. Las canciones corren a cargo de Cole Porter y algunas son pequeñas joyas que ayudan a dar forma a un musical que, sin llegar a la altura de su magistral precedente, se deja ver con mucho agrado.


LA VIRGEN Y EL MONSTRUO / LA BELLA Y LA BESTIA (Panna a netvor, Juraz Herz, 1978)



Famoso cuento escrito por Madame Le Prince de Beaumont sobre la historia de amor entre una dulce campesina y un hombre cuya maldición le hace estar refugiado en una castillo convertido en bestia.

Además de algunas versiones del cine mudo, su adaptación más popular es la lírica producción francesa La bella y la bestia (La belle et la béte, Jean Cocteau, 1946), con Jean Marais y Josette Day.

Después vendrían la barroca y soberbia versión checoslovaca de 1978, la gran serie televisiva La bella y la bestia (Beauty and the beast, Ron Koslow, 1987-1990), con Ron Perlman y Linda Hamilton; la obra maestra de la animación Disney La bella y la bestia (Beauty and the beast, Gary Trousdale y Kirk Wise, 1991), la estimable aunque algo descafeinada La bella y la bestia (La belle et la bête, Christophe Gans, 2014), con Vincent Cassel y Léa Seydoux; y la inevitable, e inferior, adaptación a imagen real de turno de un éxito Disney La bella y la bestia (Beauty and the beast, Bill Condon, 2017), con Emma Watson y Dan Stevens.


UN BESO ANTES DE MORIR / BÉSAME ANTES DE MORIR (A kiss before dying, James Dearden, 1991)



La historia de una mujer que se descubre casada con un criminal parte de una gran novela de Ira Levin. Ya había sido llevada al cine como Un beso antes de morir (A kiss before dying, Gerd Owald, 1956), con Jeffrey Hunter y Joanne Woodward de pareja central. Su nueva versión, protagonizada por Matt Dillon y Sean Young, resulta mucho más inquietante.


NOVIA Y PREJUICIO / BODAS Y PREJUICIOS (Bride and prejudice, Gurinder Chadha, 2004)



La novela de Jane Austen "Orgullo y prejuicio" es una historia romántica que transcurre en los refinados ambientes del siglo XIX. Su versión más aclamada es la estadounidense Más fuerte que el orgullo (Pride and prejudice, Robert Z. Leonard, 1940), con Laurence Olivier y Greer Garson de pareja protagonista. Después conocería otras versiones en televisión -incluyendo una miniserie de 1995 con Colin Firth y Jennifer Ehle- y cine -la película Orgullo y prejuicio (Pride and prejudice, Andrew Black, 2003), que situaba la historia en el presente-, hasta llegar a este optimista musical, Bodas y prejuicios, con Aiswarya Rai y Martin Henderson de protagonistas, y cambiando época y nacionalidades, en el más puro estilo coreográfico hindú de Bollywood. La novela volvería a llevarse a la pantalla, ya respetando tradiciones, en Orgullo y prejuicio (Pride and prejudice, Joe Wright, 2005), con Keira Knightley y Matthew MacFardyen acompañados de los veteranos Donald Sutherland y Judi Dench.

Para quien le interese, también tenemos Orgullo + Prejuicio + Zombis (Pride and prejudice and zombies, Burr Steers, 2016), cuyo título ya deja claro por donde van los tiros.


EL BUCANERO / LOS BUCANEROS (The buccaneer, Anthony Quinn, 1958)



En plena guerra, en el Nueva Orleans de 1812, el pirata Jean Lafite se une a las tropas del general Jackson para defender la ciudad de los ingleses. Una aventura repleta de dinamismo, romance y acción en sus dos versiones: en la primera, con el título de Corsarios de Florida (The buccaneer, Cecil B. De Mille, 1938), y en Los bucaneros, dirigida por el actor Anthony Quinn. Estupendos repartos: en el primero figuran Fredric March, Akim Tamiroff y Walter Brennan; mientras que en el remake los personajes son interpretados por Yul Brynner, Charles Boyer y Charlton Heston.​